REVIVAL !!! RECORDS

!!!Eu Quero É Botar Meu Bloco Na Rua!!!!!

2009-02-06T12:33:00.000-03:00

O ano era o de 1972. A década mais chata de todos os tempos dava seus primeiros passos. Mas, foi nessa época que apareceu uma dezena de artistas que fizeram a história da Música Popular Brasileira engrenar de vez. Neste ano, a música que tirou o primeiro lugar no Festival Internacional da Canção (FIC) foi Fio Maravilha, de Jorge Ben (jó), interpretada por Maria Alcina.

Maria Alcina: Fio Maravilha

Nesse mesmo espetáculo, no Maracañazinho, quem roubou a cena foi Raul Seixas com sua mistura de baião e rock'n'roll: Let Me Sing. Depois, ninguém segurou o mago, pois todos já sabem o que o rapaz fez. Uma outra música dele foi Eu Sou Eu Nicuri é o Diabo, que foi interpretada pela ótima banda Os Lobos (não confundir com a mexicana Los Lobos). Também foi nesse festival que vários artistas mostraram que estavam ali para ficar. Entre estes Sergio Sampaio com o seu Eu quero É Botar Meu Bloco na Rua. A canção deu fama e dinheiro momentâneo ao cantor-compositor, mas depois ele se tornou maldito. a música foi tocada exaustivamente nas emissoras de rádio do Brasil.
Raul Seixas sem barbicha
Os nordestinos daquela nova geração de cantores-intérpretes foram revelados justamente naquele FIC. Foram os pernambucanos Alceu Valença e Geraldo Azevedo, que entregaram a composição Papagaio do Futuro para o mestre Jackson do Pandeiro interpretar. Do Ceará Raimundo Fagner e Belchior entraram com a canção Quatro Graus, e o coutro cearense Ednardo mandou ver com Bip-Bip. Mas quem levantou o público mesmo foi Raul Seixas, que apareceu com blusão de couro preto, calças também pretas e de couro, e com um topete no melhor estilo Elvis Presley. O gingado de Raulzito fez a platéia dançar e chegar ao delírio.
Sergio Sampaio, o maldito
Olha só algumas gírias daquele início dos 70:
Adoidado: Muito, mas muito mesmo....
Barato: Sensação boa...
Bode: Sensação ruim... ( Ih! Bicho! Deu o bode!)
Sujeira: repressão, entregação... (Cara!!! É sujeira...)
Podes Crer: Exortação de extrema concordância... (um cara conta uma história enorme e o outro fica ouvido. No final, aquele que ouviu o depoimento do amigo concorda com tudo: Podes crer, bicho!).
Querem saber mais? Comprem o Almanaque Anos 70, da Ediouro, escrito por Ana maria Bahiana.

Meu sobrinho Rick nas mãos de Eddie, do Iron. Arte do artista gráfico e agora diretor de animação Wav, que está preparando o desenho animado na base da computção gráfica O Gladiador.

Falem bem ou mal, mas falem de mim

2009-01-28T00:48:00.000-03:00

Mas vejam só. O blog saiu do ar por algumas horas porque escreveram para o Google dizendo que o seu conteúdo é "questionável". Pois sim. Isso é gente que não sabe o que diz, e portanto não sabe o que faz. O Revival Records jamais publicou inverdades. Tudo o que foi escrito não pode ser questionado por ninguém. Me lembrei agora da velha censura militar, que poldava os pensamentos sem mesmo saber o significado dos mesmos. Por isso eu acredito que este blog está incomodando muita gente que não tem capacidade para fazer algo parecido e fica escrevendo bobagens a respeito das postagens.
Realmente tem momentos que costumo brincar. Um desses momentos foi publicar (e continuarei publicando) uma montagem feito pelo artista gráfico Wav, onde ele me colocou ao lado de John Lennon e Madonna. Três momentos realmente hilários para quem aprecia uma boa leitura e tem humor. Mas, acontece que tem gente que, atingida pela inveja, resolve perturbar com a vida de quem encara esse trabalho de blogueiro muito a sério.
Por isso quero dizer que vou continuar na minha viagem de postar matérias sobre o mundo da música. Quem achar ruim que procure outro blog (têm dezenas falando sobre o mesmo assunto que eu). Porém, acredito que, pelo número de visitantes, que ultrapassou os 60 mil, este blog está cumprindo seu papel de forma exemplar.
Sem mais para o momento (estou pensando em como reformular o blog), adoto as palavras de Oscar Wilde: " Falem bem ou mal, mas falem de mim".
Wilde Portella

Eu's e Eles

2009-01-20T12:47:00.000-03:00

Por que continuo tão ligado na Madonna quando ela escolheu o menino Jesus para tascar um beijão na boca? Não tem nada não. Estou apenas mostrando algumas das artes que meu irmão Wavson (Wav) anda aprontando para este blog aqui.
Enquanto isso, continuo viajando no show de Elton john. Muito bom. Ganhou dos Rolling Stones tanto em São Paulo quanto no Rio de Janeiro. O grande lance é que a voz de Elton está ótima e ele tem um time de músicos de primeira. Então sai tudo redondinho. Uma maravilha da grande estrela pop internacional.
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Enquanto isso vão dando uma olhada e conferindo as artes que Wav (artista gráfico, programador visual e desenhista de mão cheia) fez comigo e a turma de astros. A de John Lennon, por exemplo, eu dei uma viagem ao passado do passado para entervistar o cara via simbiose astral paranormal. Então, o resultado foi a foto pra lá de genial. Vamos nessa? Ah! Também virei estátua. A conversa tá meia assim, doidona e viajada não é? Mas é que eu próprio estou viajadão e não querendo nada com nada. PENSAMENTO MUSICAL

"Não existe nada mais Z do que uma platéia classe A". (Caetano Veloso)

Roberto Carlos, Rei também na Bossa Nova

2009-01-13T12:08:00.000-03:00

Interessante. Quando Roberto Carlos começou sua carreira, queria porque queria cantar Bossa Nova. Com a ajuda de Carlos Imperial (grande Carlos Imperial) gravou um compacto simples com duas canções de Bossa Nova. Chegou a cantar nas boates tradicionais, mas foi rejeitado pelos bossanovistas. Com aquela sua voz Roberto parecia uma cópia de o mestre João Gilberto. Além disso, Roberto vinha de uma família humilde.
Entre os bossanovistas que renegaram Roberto Carlos estavam Ronaldo Bôscoli (que depois, por ironia do destino trabalhou para RC), Carlinhos Lyra, Roberto Menescal e Nara Leão, entre outros não menos famosos que levaram a Bossa Nova para o mundo inteiro ouvir. Mas, um mestre João Gilberto, às vezes entrava na boate que Roberto estava cantando e ficava lá, escondido do público de Roberto, ouvindo-o cantar. E gostava. Um dia, interpelado pelos bossanovistas, João afirmou que gostava de Roberto carlos, que ele cantava bem. Todos ficaram de queixo caído. Afinal não era um qualquer que dizia que Roberto Carlos cantava bem Bossa Nova. Era João Gilberto, o criador da Bossa.
Ano Passado, comemorando os 50 anos de Bossa Nova, convidaram Roberto Carlos e Cateano Veloso para fazerem um especial interpretando canções bossanovistas. O resultado é que Roberto botou caetano no bolso. Interpretou as músicas como ninguém e segurou a herança para si. Roberto é um excelente intérprete. Não foi surpresa vê-lo à vontade cantando músicas de Tom Jobim e João Gilberto. O disco foi lançado. E o tom certo da Bossa Nova está na voz do eterno Rei da Jovem Guarda.

Valeu 2008! A moça de biquini é Preta Gil, viu? Madonna está nua à beira da estrada

2008-12-30T13:53:00.000-03:00

Mais um ano se passou e eu nem sequer ouvi falar seu nome. Onde estás nesta tarde vazia e mornal? Não importa, sei que estás lendo o que está escrito nesta postagem. Com 2008 tivemos tantos eventos, tantos discos lançados e... Tivemos também a queda da Mulher Melancia. Se alguém viu, tudo bem. Vamos rever de novo. A moça caiu feio e não teve o charme da queda da Madonna.
Falando em Madonna, segue umas fotos dela peladinha há alguns anos. Numa época em que a cantora nem sonhava que iria ganhar tanto dinheiro e se tornar uma milionária do show biz. Mas, vale a pena conferir. Não só as fotos da Madonna, mas a de Xuxa. Sim, nossa querida Xuxa, que posou nua quando ainda era uma jovem sonhadora. E tem mais, muito mais...
Aproveito a oportunidade para agradecer todos aqueles que tiveram paciência para ler este blog. Para mim, em termos de retorno ao blog, foi perfeito. Só é conferir os números e ver que estou certo, contente... E muito, mas muito feliz. Para o ano de 2009 eu vou modificar um pouco o Revival Records. Não sei como vai ficar, mas que vai mudar, isso vai!
Então, pra você que me esqueceu, aquele abraço! Para você que está lendo esta postagem...Aquele abraço. Valeu o retorno de quem se deu ao trabalho de escrever para comentar as matérias ou meter o cacete em alguns, como foi ocaso da moça que escreveu revoltada porque os Birds detestavam os Monkees. Mas, o que fazer? Cada um tem seu gosto, não é? Então um feliz 2009 para todos. VALEU!

Madona e outros babados

2008-12-17T15:27:00.000-03:00

Mais um ano se passou com muitas novidades. Mas a melhor foi a vinda da Madona ao Brasil para fazer dois shows. Um no Rio de Janeiro e outro em São Paulo. A cantora está mais em forma do que nunca. Não é que ela ficou com um bumbum pra cima depois de levar um tombo no palco? Mas nem tomou conhecimento do fato. Continuou cantando e encantando o público de 70 mil pessoas que estava presente ao espetáculo. Depois, não satisfeita, caiu no embalo até de madrugada. Haja saúde para essa cinquentona tesuda e linda de viver. Viva Madona!!!!!
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A outra novidade é a vinda da banda Iron Maiden para o Brasil. Desta vez começa a turnê no Recife, no estádio do Arrudão, o José do Rego Maciel. Quem primeiro me mandou a novidade foi meu cunhado Henry Jaepelt, que me enviou uma cópia do cartaz pelo Orkut. Como ele é fã do conjunto, deve estar vibrando com a vinda dos caras para terras brasileiras. Afinal de contas, Iron Maiden é banda de primeira categoria, e continua tão boa quanto antes. Atenção metaleiros de plantão, o concerto acontece no dia 15 de março de 2009. Imperdível!

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Só para não deixar batido, recebo com satisfação o novo clip da banda brasileira, recifense, pernambucana Mundo Kaya. É um conjunto que vem seguindo a carreira com muito sucesso e fazendo um trabalho que segue conquistando o público brasileiro. A nova música é uma composição de Marcos Pino. Gostei da musicalidade, dos arranjos e, principalmente da letra. Isso sem falar nas imagens do clip muito bem editado por Elisio, o vocalista da MK. Então, sem mais delongas, fiquem com o clip da banda. Bem...Tá complicado passar o vídeo para esta página. Portanto, procurem a banda no You Tube...A música é....Eu posso Até Parar o Mundo.

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Uma outra ótima notícia para este final de ano de 2008 é sobre o excelente cantor, compositor e instrumentista André Rio. Ele acaba de gravar um CD em homenagem a Enéas do Galo da Madrugada, que morreu este ano. O disco será lançado em 2009, ainda em janeiro, para pegar a efervecência do Carnaval pernambucano e o desfile da maior agremiação carnavalesca do mundo. André também gravou um outro CD, com o Trio Sotaque. Trata-se de um trabalho inspirado nas grandes obras da cultura do Nordeste do Brasil. Título do disco: Rapsódia Nordestina.

Joy Division fez sua história no rock

2008-12-09T15:54:00.000-03:00

A postagem de hoje vai para o meu sobrinho Fernando Jaepelt, um fã do conjunto.

Tudo começou quando Ian Curtis conheceu os restantes membros da banda num concerto de Sex Pistols a 4 de Junho de 1976. O primeiro nome da banda era Warsaw, inspirado numa música de David Bowie "Warszawa". A banda Warsaw teve o seu primeiro concerto a 29 de Maio de 1977 como banda suporte de Buzzcocks e Penetrationno Electric Circus. Já existindo uma banda chamada Warsaw Pakt, decidiram mudar o nome da banda para Joy Division nos finais de 1977, Joy Division era o nome de uma casa de prostituição de uma série chamada The House Of Dolls (1965).

O seu primeiro trabalho de estúdio, já com o nome Joy Division escolhido como o definitivo foi o EP An Ideal For Living (1978), que ainda tinha forte influência do movimento punk. Após entrarem para a editora independente Factory, foi contratado o produtor Martin "Zero" Hannett, que conduziu a gravação do seus dois álbuns de estúdio e influenciou a sonoridade da banda ao introduzir efeitos electrónicos nas músicas. Em princípio o resultado desagradou Bernard e Peter, que preferiam um estilo mais punk; mas teve o respaldo de Curtis. As invenções de Hannett deram certo, e logo toda a banda passou a flertar com a sonoridade electrónica. Em consequência, os Joy Division são tidos até hoje como referência pioneira ao som new wave da primeira metade dos anos 80.

Após as músicas Digital e Glass terem sido lançadas numa colectânea da editora da banda, veio o primeiro álbum da banda, Unknown Pleasures (1979). O disco causou grande alvoroço entre o público e a crítica, devido à sua sonoridade soturna e às letras intimistas. Destaque para as faixas She's Lost Control, Shadowplay, Disorder e New Dawn Fades. Ainda em 1979, eles lançaram seu o primeiro single, Transmission, relativamente famoso em razão da performance que a banda fez em um programa de TV da BBC2.

No ano seguinte, o quadro clínico de Ian piorou, com o agravamento de sua epilepsia e dos problemas conjugais. Ainda assim, Joy Division pôde gravar, em Março, o álbum Closer. No final de Abril, foi lançado o flexi disc de Komakino / Incubation e também o compacto 7" de Love Will Tear Us Apart, que viria a ser a música mais conhecida do conjunto, permanecendo ainda hoje com o fulgor e a excitação que provocou outrora.

Ian Curtis cometeu suicídio em 18 de maio de 1980, um dia antes da viagem do Joy Division para os Estados Unidos, onde fariam sua primeira turnê internacional. Devido a problemas na tiragem, Closer tornou-se um álbum póstumo, só sendo lançado em julho. Neste LP, eles se superaram, com composições que viriam a influenciar todo o post-punk na década de 80. Os temas mais elogiados foram Isolation, Passover, Heart And Soul e Twenty Four Hours. Aliás, o disco conseguiu chegar ao 6º lugar dos tops ingleses e liderou as paradas alternativas.

Em setembro de 1980, a começar pelos single Atmosphere / She's Lost Control (sendo esta refeita, com uma levada mais dançante), vieram os lançamentos póstumos. No ano seguinte, veio o duplo Still, com várias sobras de estúdio e o registro do último concerto do Joy Division. Substance (1988) é uma coletânea de singles e lados B. Permanent, editado sete anos depois, compilou 15 clássicos, mais uma regravação de Love Will Tear Us Apart. Heart And Soul é uma caixa com 4 CD's, que reúnem praticamente tudo que eles gravaram.

Os outros membros da banda formaram os New Order alguns meses depois do suicidio do vocalista Ian Curtis.

A influência do quarteto no rock mundial permanece, como provam bandas como Editors, Plus Ultra, Interpol e Franz Ferdinand, She Wants Revenge, The Killers (que inclusive têm Shadowplay como faixa do album Sawdust), além de serem grandes ídolos de outros artistas, como Trent Reznor, o homem Nine Inch Nails, Thom Yorke do Radiohead, Billy Corgan dos Smashing Pumpkins e no Brasil o Renato Russo do Legião Urbana.

O nome Stiff Kittens foi sugerido a Ian Curtis por Richard Boon, empresário dos Buzzcocks, mas a banda o odiou justamente por soar como o nome de um conjunto punk qualquer. À revelia dos integrantes da banda, os membros dos Buzzcocks puseram o nome Stiff Kittens nos cartazes e nos flyers que anunciavam o concerto que fariam juntos no dia 29 de Maio de 1977 e, por essa razão, muitas pessoas acreditam que esta demoninação foi utilizada nessa única ocasião, o que não é verdade. Quando subiram ao palco, o grupo se apresentou à platéia como Warsaw. Portanto, é falsa a afirmação de que algum dia fizeram uso do nome Stiff Kittens.

A banda foi inspirada pela música Warszsawa, do álbum Low de David Bowie, em português significa Varsóvia (capital da Polónia). Porém uma banda londrina, Warsaw Pakt lançou o seu primeiro álbum em Novembro de 1977, então eles decidiram mudar de nome para evitar alguma confusão.

Em Dezembro de 1977 eles decidiram o seu nome definitivo. O nome veio do livro House of Dolls, de Karol Cetinsky. Nesse livro Joy Division (Divisão da Alegria) é o nome dado para a área onde as mulheres judias são mantida prisioneiras e "oferecidas" sexualmente aos oficias nazistas.

Álbuns gravados em estúdio:

Unknown Pleasures - 1979
Closer (álbum) - 1980

Álbuns ao vivo

Preston 28 February 1980 - 1999
Les Bains Douches 1979 - 2001
Fractured Box Set - 2001
Re-Fractured Box Set - 2003
Let The Movie Begin

ABBA, um dos conjuntos mais amados do mundo

2008-11-29T15:38:00.000-03:00

Quem diria. Sabe aquele conjunto que você acha brega até as lágrimas escorrerem pela face? Pois segundo o jornalista e crítico de música Luis Antônio Giron, da revista Época, o ABBA é atualmente a banda mais popular do mundo.
Quem diria que o quarteto sueco formado por Björn Ulveus, Benny andersson, Agnetha Fältskog e Anni-Fria Lyngstad hoje é o queridinho de milhares de fãs espalhados no mundo inteiro. A cada minuto uma das músicas melosas do ABBA toca nas rádios ou nas pistas de dança. As canções do ABBA (nome formado pelas iniciais dos seus integrantes) estão nas emissoras de rádio, clip de TV, em coletâneas, trilha de filmes e musicais como Mamma Mia, que virou filme estrelado pela belíssima Maryl Streep. E não é que trilha sonora da película tornou-se a mais vendida do mundo? E Madonna, uma das rainhas do público gay e dos heteros usa em sua canção Hung Up trechos de um hit dançante do ABBA que tem o título de Gimme! Gimme?
O sucesso e prestígio do grupo vocal formado na Suécia continua aglutinando fãs cada vez mais. Dos mais antigos até a garotada dessa primeira metade do Século XXI. O conjunto começou quando Ulvaeus e Andersson tentavam alavancar a carreira e entrar para o mundo do show buziness através de participações em festivais.
Foi então que o destino resolveu que uma das bandas mais badaladas da década de 70 do Século XX até os dias atuais tomasse forma. Os dois amigos se encontraram com as parceiras e futuras mulheres Agnetha Fältskog e Anni-Frid Lyngstad. Eles uniram as forças, a vontade de vencer, os vocais e as iniciais de cada um deles, e passaram a cantar em inglês. Não podia dar outra: em 1974 os dois casais que formavam o ABBA ganharam o festival Eurovision, em Brighton, Inglaterra. Foi o começo de tudo. A partir de então a estética gliter, as letras melosas altamente comerciais e depressivas, além das melodias festivas invadiram as pistas de dança do mundo inteiro.
Em 1982, ainda em alta, os casais se divorciaram (dizem que um comeu a mulher do outro) e o ABBA chegou ao fim. Mas seus integrantes já estavam com uma gorda conta bancária. No entanto Benny e Björn continuaram dentro do negócio de shows ganhando mais dinheiro ainda. Já agnetha vive em uma ilha en Estocolmo e lançou em 2004 o álbum My Coloring Book,. Enquanto isso, Anni-Frid casou com um príncipe suiço, Ruzzo Reuss, que morreu de câncer em 1999. A ex-integrante do ABBA se tornou mais rica ainda com a herança deixada pelo maridão da realeza e gravou o álbum The Sun Will Shine Again.
Assim, em pleno Século XXI, o ABBA continua vendendo cada vez mais discos e atraindo um público arrebanhado pelas músicas que tocam nas rádios e os discos que estão nas prateleiras das lojas especializadas. O musical Mamma Mia!, de Benny e Björn, desde que foi lançado, em 1999, já foi visto por cerca de 35 milhões de fãs. Atualmente a peça está em cartaz em Seul, Nova York, Dublin, Londres, Hamburgo, Las Vegas e Tóquio. Quais são as músicas: os hits do ABBA. Além disso, as duas coletâneas More ABBA Gold (1994) e The Definitive Collection(2001) colocaram o conjunto no topo das vendagens de discos. A verdade é que as canções do ABBA realmente ficam no inconsciente do indivíduo, e de repente a pessoa sai por aí cantando ou assobiando uma das músicas do grupo sueco. Aí, não tem jeito. ABBA, pois!

EU E OS FAMOSOS (HUMOR)

Entrevista paranóica com Barack Obama
Texto e arte de Wav

Shakira, uma das melhores cantoras do planeta

2008-11-23T13:11:00.000-03:00

Shakira, em show na Alemanha

Ela é bonita, sexy e tem talento. Com suas performances leva o público ao delírio, principalmente quando apresenta a dança do ventre nos seus shows. Fundindo a canção latina e americana com a libanesa, consegue fazer um trabalho único. Por isso e por muito mais, ela merece o posto de uma das maiores estrelas da canção internacional da atualidade. Com vocês!

Shakira Isabel Mebarak Ripoll (Barranquilla, 2 de Fevereiro de 1977) é uma cantora e compositora colombiana vencedora de 2 prêmios Grammy, 8 Latin Grammy, 4 VMA, 1 EMA, 2 AMA, 3 BMA, 12 Latin Billboard Awards e 3 WMA. Shakira já vendeu mais de 60 milhões de álbuns no mundo segundo a BMI^[1], sendo uma das maiores vendedoras de discos nos anos 2000^[2]^[3]. Seu nome em árabe significa graciosa. Fala fluentemente Português, Inglês e Espanhol, além de Árabe, Francês e Italiano. Tem os movimentos de dança do ventre como uma de suas marcas registradas. Mantém um relacionamento com Antonio De La Rua, filho do ex-presidente da Argentina. Conhecida por manejar ritmos com habilidade e por seu tom de voz diferenciado, Shakira mescla elementos da música latina, americana e até mesmo libanesa nas suas canções, tudo isto amarrado numa clara influência do rock. Essa ampla rede de ritmos é identificável em canções como "Ciega, Sordomuda"(em que há nítidas influências mexicanas),"Ojos Así" e "Suerte" (dotadas de sons andinos e orientais) e "Te Aviso, Te Anuncio" (em que o rock se mistura ao tango). No seu mais recente lançamento em Espanhol, Fijación Oral Vol. 1, Shakira utiliza o reggaeton, ritmo com raízes porto-riquenhas, para impulsionar o primeiro single, "La Tortura". A figura multi-cultural e exótica de Shakira foi e é um dos grandes trunfos em sua carreira internacional.
A relação de Shakira com o Brasil sempre foi muito forte. O Seu álbum de estreia no mercado internacional, 'Pies Descalzos', vendeu mais de 1 milhão de cópias em território brasileiro. O sucesso foi tanto que a cantora entrou em estúdio novamente e preparou versões em Português para 3 dos singles do CD: Estou Aqui (Estoy Aqui), Um Pouco de Amor (Un Poco de Amor) e Pés Descalços (Pies Descalzos, Sueños Blancos).

O Brasil tornou-se rota da turné mundial de shows, em lançamentos dos CD's. Além dos shows, uma maratona em rádios e TV's brasileiras de abrangência nacional, especialmente do eixo Rio-São Paulo, fez parte da agenda da cantora. A cantora passou por várias capitais e cidades no Brasil. Além do Rio de Janeiro e São Paulo, como dito acima, ela também realizou shows em Salvador, Goiânia, Curitiba, Maringá, Brasília, Porto Alegre entre outras; e fez aparições especiais em eventos em Fortaleza e em outras cidades.

Admiradora da música brasileira, não raro é possivel encontrar referências explícitas à produção nacional na música de Shakira. A cantora, que já afirmou acompanhar e admirar o trabalho dos cantores e grupos brasileiros Raimundos, Skank, Cidade Negra, Djavan e Caetano Veloso. No álbum em Espanhol, faz uso do som nacional em canções como 'Whenever, Wherever', 'Objection' e 'Obtener Un Sí'. E considera o Brasil como uma segunda casa.

Shakira começou precocemente a carreira. Aos oito anos de idade, escreveu a primeira canção, Tus gafas oscuras, uma homenagem ao pai. Aos dez anos de idade, ganhou o concurso de canto "Vivan los Niños". Mas foi na adolescência que foi descoberta pela gravadora Sony Music. Na adolescência também, Shakira decidiu deixar sua terra natal, Barranquilla, e foi para Bogotá, a capital colombiana. O primeiro álbum, Magia, foi gravado por si aos catorze anos de idade. Com letras politizadas, o segundo álbum, Peligro, surgiu dois anos mais tarde. A gravadora exigiu dela a gravação de canções mais comerciais. Houve um "pequeno conflicto" entre ela e a gravadora. Sem muita pretensão, entre 1995 e 1996, Shakira lança Pies Descalzos. O trabalho foi um sucesso mundial e colocou Shakira entre as celebridades da música pop. Na Colômbia, também actuou como actriz, na telenovela El Oasis. Devido ao sucesso musical e ao trabalho social, com a fundação "Pies Descalzos", Shakira acabou por ser considerada uma das personalidades mais importantes da América Latina. Em Fevereiro de 1998, o presidente colombiano da época, Ernesto Samper Pizano, condecorou-a com a Ordem ao Mérito Nacional. Em Maio do mesmo ano, foi recebida no Vaticano pelo Papa João Paulo II.

Descendente de australianos, Shakira costuma inserir elementos fortes de dança do ventre em suas apresentações. Os movimentos da cantora, que deixam de lado os passos marcados e os dançarinos presentes em muitas apresentações pop , costumam fazer de suas performances um show à parte. Conhecida pela mistura entre música oriental e musica pop presente nas suas produções, Shakira costuma levar para as suas turnés números especiais, onde mostra os seus dotes como dançarina. Na sua actual turnê Shakira assimilou a duas das suas canções as tradicionais danças da corda e do véu. Na turnê anterior Shakira já tinha feito uso da dança do candelabro. Além da dança do ventre, estão presentes nas apresentações de Shakira diversos outros elementos musicais, como o reaggeton de "La Tortura".

Fonte: Wikipédia

EU E OS FAMOSOS (HUMOR)
Eu e o cantor Oldair José
Arte e texto do designer gráfico Wav

A gata sarada do rock

2008-11-10T12:46:00.000-03:00

Provavelmente, Joan Jett (nascida Joan Larkin) é uma das figuras femininas mais importantes da História do rock. Bandas como Bikini Kill, Shonen Knife, L7, The Yeah Yeah Yeahs, Kittie, The Donnas, Hole e muitas outras já declararam publicamente sua influência por esta cantora e guitarristanorte-americana. Nascida em 22 de Setembro de 1960, na cidade de Filadélfia.Quando tinha doze anos de idade, sua família mudou-se para a cidade de Los Angeles. Aos 15 anos de idade, Joan Jett conheceu a britânica guitarrista Lita Ford e formou sua primeira banda. Começaram a tocar por toda cidade. Kim Fowley, um produtor fonográfico descobriu a banda e tornou-se seu empresário. Assim que Fowley tornou-se o empresário da banda, este sugeriu que o nome da banda deveria ser The Runnaways. Assim sendo, a banda assinou um contrato com a Mercury Recorrds. A banda lançou apenas três discos que não tiveram muito sucesso nos E.U.A., mas que as tonaram muito populares na Europa e no Japão. As Runnaways romperam em meados de 1980, dando início às carreiras solos de Joan Jett e Lita Ford. Após essa dissolução, Joan Jett mudou-se para Nova York. Contando com a produção de Kenny Laguna, Joan Jett lança em 1980 por um selo independente, seu primeiro disco solo auto-intitulado com o próprio nome na capa. A gravação era o mesmo tradicional e energético rock 'n' roll, com pitadas punk das Runnaways. O disco vendeu muito bem para gravação independente. Sendo assim, Joan Jett foi contratada pelo selo Boardwalk Records, lançando seu disco Bad Reputation, que atingiu o número 51 das paradas americanas. Joan Jett formou os Blackhearts em meio ao disco Bad Reputation e ao seu segundo disco I Love Rock 'n' Roll. A banda incluia o guitarrista Ricky Byrd, o baixista Gary Ryan e o baterista Lee Crystal. Lançado no final de 1981, o álbum tornou-se um grande sucesso, alcançando o "Top 10" das paradas americanas. Em 1983, Joan Jett e os Blackhearts lançam Album, que teve boa recepção da crítica e do público, mas que não obteve o mesmo sucesso das gravações anteriores. Em 1987, Joan Jett estrelou seu primeiro filme Luz da Fama. Assinado pelo diretor Paul Schrader, o filme era uma mescla de drama com musical, onde contava a história de dois irmãos Patti (Joan Jett) e Joe (Michael J. Fox), que montam uma banda de garagem sonhando com o sucesso o sucesso, mas têm uma mãe moralista e religiosa e um pai apático. O filme teve boa recepção da crítica e do público, onde a canção I Hate Myself for Loving You alcançou o Top 10 americano. Esta música foi inclusa em seu próximo disco "Up Your Alley". Após uma década de sucesso, nos anos 90 sua carreira torna-se mais discreta. Em 1990, Joan Jett lança um disco de covers intitulado The Hit List. Esse disco contém covers de bandas que a influenciaram durante toda sua carreira, tais como: AC/DC, Sex Pistols, Jimi Hendrix, Creedence Clearwater Revival, entre outros. Em 1991, Joan Jett lança o discretíssimo Notorious. Em 1994, Joan lança Pure and Simple, disco este que recebe muitas críticas positivas e coloca Joan Jett novamente em uma posição de destaque no cenário do rock mundial. Em 1995, Joan lança Evilstig, no qual conta com membros remanescentes da banda The Gits (clássica banda punk de Seattle, na qual a vocalista Mia Zapata foi estuprada e morta em 1993). Em 1999, Joan Jett reuniu novamente os Blackhearts e lançaram Fetish. De 1999 até os dias de hoje, Joan Jett permanece na ativa tocando em festivais e em shows pelo mundo inteiro. Acima, a cantora em outubro de 2008, em mais um show de arrombar a festa

Fonte: Wikipédia

Oito anos depois o novo CD do AC/DC

2008-11-05T15:08:00.000-03:00

A postagem de hoje é dedicada aos meus sobrinhos Ricardo e Fernando Jaepelt, com muito carinho.

Capa do CD Black Ice, da banda australiana AC/DC

Qual é a novidade mesmo? Se você não é fã da banda australiana AC/DC deve estar mesmo por fora. A grande novidade deste ano de 2008 foi que no dia 20 de outubro foi lançado mais um disco do grupo dos irmãos Young. Trata-se do CD Black Ice, que já se tornou sucesso no mundo inteiro. Isso sem deixar de citar o DVD Plug Me In, lançado em 2007 que já bateu o recorde de vendas no Planeta Terra.
Quem diria. Os caras começaram em 1973, já são avôs e ainda estão na estrada com o seu hard rock peculiar que conquistou milhões de fãs e influenciou mais de uma dezena de bandas pelo mundo. A primeira formação foi com Angus Young (guitarra solo), seu irmão Malcolm Young ( guitarra base), Bon Scott (vocais), Mark Evans (baixo) e Phill Rudd (bateria). Foi com essa turma que a banda começou a se apresentar npos clubles de Sydney, na Austrália, até gravar o primeiro disco High Voltage, ainda na segunda metade dos anos 70. Com o seu hard rock de primeira linha, a rapaziada conquistou o mundo a partir do lançamento do mesmo disco na Inglaterra a nível mundial. Na guitarra, mas parecendo um menino que estava com a farda da escola (ainda hoje ele se apresenta assim), com uma pegada na guitarra que deixava e deixa todo mundo louco, Angus Young comandava (e comanda) as regras do show do AC/DC. O nome quer dizer a abreviação, em inglês, de corrente elétrica alternada ou contínua ligados a tomada ou pilhas. Porém, na gíria lá deles, pode ser também o significado de bissexual. Mas os caras são machões inveterados.
Muitos outros discos do AC/DC deixaram a marca da banda, que fez turnês pelo mundo tendo inclusive eletrizado os brasileiros quando estiveram por aquio Desfalque da banda aconteceu em 1980, quando o vocalista Bono Scott foi encontrado em como alcóolica no seu quarto de hotel, foi levado para o hospital e não se acordou mais. Morreu de overdose. Para o seu lugar foi convocado o inglês Brian Johnson. Afinal, o show não podia e nem pode parar.
"Hard rock na mais pura forma. Cru e absolutamente autêntico, com todas as características do estilo dosadas na medida ideal para formar uma das bandas que melhor ilustra o clássico jargão "sexo, drogas e rock n' roll". Esse é o AC/DC, banda australiana formada em 1973 pelos irmãos Angus e Malcolm Young.

A rouquidão da guitarra em riffs instintivos, que percorrem as trilhas das escalas de blues com inteligência e primitiva sensibilidade, é a principal marca da banda, que tem na figura do guitarrista Angus Young a personificação de todos os elementos do seu rock n' roll de bebida e mulheres. O desempenho de Young nos shows é eletricidade e distorção pura. Insano, trajando debochados uniformes escolares, ele desloca-se pelo palco no passo conhecido como duck walk, em alusão ao ídolo Chuck Berry, e contagia o público eufórico com o essencial da sua irreverência.
O AC/DC já colocou nas lojas mais de 20 excelentes álbuns, que nunca envelhecem e nunca perdem a atualidade, influenciando aspirantes a rock star de todo o mundo. É uma das raras bandas que simplesmente tem a música e a atitude certas, sem pretensões, sem querer mudar o mundo ou revolucionar o meio musical; fazem a diferença simplesmente por não se importarem com nada disso. Ainda bem". (Laís, estudante de jornalismo, de Florionópolis, Santa Catarina - Brasil)

Nina Hagen, a linda garota roqueira de Berlim

2008-10-27T12:45:00.000-03:00

NINA HAGEN (nascida Catharina Hagen no dia 11 de Março de 1955, na cidade de Berlim) é uma cantora alemã de grande sucesso por sua atuação e suas extravagancias vocais, também muito conhecida por seu visual exótico.
Filha da atriz Eva Marie Hagen e do escritor Hans Hagen, teve seus pais divorciados quando ela tinha dois anos. Oito anos depois, sua mãe casou-se novamente. O padastro de Nina foi o dissidente poeta/compositor Wold Biermann. Durante sua infância, Nina fez parte de várias organizações jovens da Alemanha Oriental, embora a presença do protestante Biermann em sua vida lhe era um pouco problemática.
Quando ela estava com 17 anos, ela foi reprovada num exame controlado pelo governo na Escola de Atores da Alemanha Oriental, em Schonweide, Berlin. Apesar disso, ela foi para a Polônia, onde morou vários meses e tocou com uma banda pela primeira vez. No ano seguinte, ao retornar para a Alemanha Oriental, ela matriculou-se no Studio fur Unterhaltungsmusik (Estúdio de Música Popular) e graduou-se um ano depois com prestígio. Como parte de seu treinamento, ele fez uma turnê pela Alemanha Oriental por dois meses.
Ela passou vários anos viajando pela Alemanha Oriental com a Alfons Wonneberg Orchestra, porém, ela acabou se cansando disso e resolveu montar sua própria banda, a Automobil. Desde então, ela lotou sua agenda de shows. Quase sempre ela se apresentava por até oito horas seguidas e, pelo fato de estar trabalhando demais, ela foi advertida pelo seu médico a dar uma parada.Ela parou, mas ressurgiu poucos meses depois com uma outra banda, a Fritzens Dampferband. Já cansada novamente, Nina teve a oportunidade de deixar o país, quando seu padastro foi expulso da Alemanha em 1976 (na verdade, nessas alturas ela não via a hora de sair do país). Ela chegou na República Federal da Alemanha (isto é, na Alemanha Ocidental) e logo conseguiu um contrato para a gravação de seu trabalho.
Um ano maias tarde, Nina embarcou para Londres para conferir qual era o estilo musical do Reino Unido.Ela não disperdiçou a chance de conhecer o Slits e escrever algumas letras com o vocalista desta banda, Ari Up. De volta à Berlin Ocidental, em meados de 1977, ela conheceu os integrantes de sua futura banda, a Nina Hagen Band: o guitarrista Bernard Potschka, o baixista Manfred Praeka, o baterista Herwig Mitteregger e o tecladista Reinhold Heil. Nina gravou seus primeiros álbuns na Alemanha. O primeiro, chamado simplesmente de The Nina Hagen Band (1978), enquadrava-se mais à geração new wave americana do que à geração punk inglesa. Sua voz frenética e estridente suava diferente em músicas como TV Glotzer (uma regravação de "White Punks on Dope" do Tubes), Gott Im Himmel (um cover de "Spirit in the Sky" de Norman Greenbaum) e a poderosa Auf'm Friedhof.
Seu segundo LP, Unbehagan, lançado em 1979, estourou com o single African Reggae, que teve uma repercusão considerável em estações de rádio alternativas. Em 1979, sua aparição no filme Cha Cha causou impacto na geração new wave do cenário underground de Amsterdam. A trilha sonora desse filme marcou a primeira de várias colaborações da diva new wave, Lene Lovich, que Nina conheceu no set de filmagem. Desde então, elas mantiveram uma amizade pessoal e uma relação profissional. Na verdade, Nina incluiu uma versão em alemão do hit new wave de Lovich, "Lucky Number" (Wir Leben Immer Noch), no álbum Unbehagan; e, em 1986, as duas cantaram juntas em "Don't Kill the Animals", uma música sobre os diretos dos animais, que saiu em várias coletâneas.
Nina acabou com sua banda após o lançamento do segundo álbum em 1979 e decidiu seguir carreira solo. Com isso, ela adquiriu um certo grau de infâmia e, não exatamente fama, em seu país de origem, pois suas letras, absolutamente sem nexo, resultaram num alto nível de condenação da imprensa. Nina continua a seguir seu estilo de vida rock'n'roll com um certo grau de fama e notoriedade, especialmente quando volta para a Alemanha. Em 1985, um show dela em Tokio foi acompanhado pela Orquestra Filarmônica Japonesa e dirigido por Eberhard Schoener .
Também em 1985, Nina tocou ao vivo para milhares de fãs, no Rock in Rio 1. Mais recentemente, Nina finalizou a turnê "Brecht" junto com a atriz alemã Meret Becker. Ela também continuou aparecendo em filmes, tais como Portrait Of A Woman Drinker e Pepi, Luci, Bom, de Pedro Almodovar. Veja a lista completa de participações cinematográficas de Nina, em The Internet Movie Database.Acredite ou não: Nina Hagen tem dois filhos: Cosma Shiva (nascida em 1981 que, por sinal, tem se mostrado uma excelente atriz) e Otis (nascido em 1990).

Nina Hagen beija sua mãe, a atriz Eva-Maria Hagen, no mês de março de 2008

Fonte: Blog Aberto Para a Energia

Discografia:

Nina Hagen Band (1978)
Unbehagen (1979)
NunSexMonkRock (1982)
Angstlos (1983)
In Ekstase (1985)
Punk Wedding EP (1987)
Nina Hagen (1989)
Street (1991)
Rock aus Deutschland: Nina Hagen
Die Dreigroschenoper (1999)
Revolution Ballroom (1993)
Freud Euch (1995)
Om Namah Shivay (1999)
Return of the Mother (2000)
Big Band Explosion (2003)
Irgendwo auf der Welt (2006)

Biografia de Bill Graham

2008-10-24T18:19:00.000-03:00

Capa do livro lançado nos Estados unidos e no Brasil

Ele foi um dos grandes nomes do rock. Foi o homem que, como empresário e produtor, transformou o rock em negócio bem feito, inclusive descobrindo talentos que surgiram na década de 1960, entre eles a inesquecível Janis Joplin. Ele também trabalhou com os grandes astros do gênero como Led Zeppelin, Rolling Stones e Jeferson Airplane, só para citar apenas estes três nomes. A biografia Bill Graham Apresenta; Minha Vida dentro e Fora do Rock, lançada no Brasil pela Editora Barracuda, de autoria do próprio Graham em parceria com Robert Greefield, torna-se uma leitura obrigatória para quem gosta de rock e para aqueles que admiram uma figura como Graham, um judeu nascido na Alemanha em 1931, já quando o nazismo imperava.
Não aguentando a barra pesada da guerra na Europa, Bill Graham fugiu para a França em 1939, e de lá foi mandado para os Estados Unidos no ano de 1941. O início foi difícil para ele, que viveu com uma família adotiva no Bronx e trabalhou como garçon nos grandes hotéis de Catskills, em Nova Iorque. Porém, quando descobriu sua verdadeira vocação no início dos anos 1960, em São Francisco, na California, tornou-se um dos maiores empresários de rock de todos os tempos. Durante mais de três décadas ele teve participação atuante no seu Filmore West, no qual desfilavam os artistas que se transformariam em grande nomes da história do rock. Graham, um homem inquieto, vivia para o trabalho, assim participou do Trips Festival, Woodstock, Live Aid (concerto beneficente), e a turnê da Anistia Internacional. Além disso, trabalhou com grandes estrelas a exemplo de Bob Dylan e Carlos Santana, entre tantos outros que fazem parte de sua biografia. O livro é narrado por Bill Grahan e por gente que o conheceu muito bem: sua família, Keith Richards, Grace Slick, Jerry Garcia, Robbie Robertson, Eric Clapton e até o ator Peter Coyote. "Essa é a vida do criador da indústria do rock como conhecemos hoje, apresentada tal qual um show: rápido e furioso", escreveu muito bem a Assessoria de Imprensa da Editora Barracuda no release de apresentação da obra que está disponível nas melhores livrarias de todo o Brasil. O prefácio é apresentado por Pete Townshend: " Bill (Graham) juntou sua turma em volta de si para fazer sua apresentação, a maioria mais novos do que ele, e nos puxou para dentro daquele mundo de revolução no universo do show-business do rock, sempre em transformação, com a autoridade de um menino chefe de um grupo de escoteiros: mandão, mas ao mesmo tempo generoso", diz o ex-integrante de uma das maiores e melhores bandas surgidas nos anos de 1960, a famosa The Who. Vale conferir.
Bill Graham posa em frente ao Filomore West, que apresentaria shows das bandas Grateful Dead e Blue Brothers. Acima ele observa o auditório de sua casa de shows

Jerry Lee Lewis: The Killer

2008-10-17T20:33:00.000-03:00

Matéria sobre Jerry Lee Lewis clonada da Wikipédia

Nascido em Ferriday, Louisiana, Jerry Lee Lewis demonstrou talento natural para o piano desde cedo. Apesar da pobreza, seus pais conseguiram um empréstimo para comprar um piano, e com um ano Jerry já desenvolvera seu próprio estilo de tocar. Assim como Elvis Presley, ele cresceu cantando música gospel nas igrejas pentecostais sulistas. Em 1950, ele entrou para o Southwestern Bible Institute em Texas, mas foi expulso por má-conduta (como por exemplo tocar versões rock and roll dos cânticos da igreja).

Deixando a música religiosa para trás, ele tornou-se parte do recém-surgido movimento rock and roll, lançando sua primeira gravação em 1954. Dois anos depois, no estúdio da Sun Records em Memphis, Tennessee, o produtor e engenheiro-de-som Jack Clement gravou com Lewis pelo selo enquanto seu dono, Sam Phillips, viajava para a Flórida. Como consequência, Lewis juntou-se a Elvis Presley, Roy Orbison, Carl Perkins e Johnny Cash na lista de astros que começaram sua carreira no Sun Studios na mesma época. Jerry e sua mulher (ao lado) uma prima de apenas 13 anos de idade

A primeira gravação de Lewis nos estúdios da Sun foi de sua distinta versão da balada country “Crazy Arms”. Em 1957, seu piano e o puro som rock de “Whole Lotta Shakin’ Goin’ On” renderam-no fama internacional. Logo viria “Great Balls Of Fire”, seu maior sucesso. Vendo e ouvindo Jerry Lee Lewis tocar, Elvis disse que, se conseguisse tocar piano daquele jeito, não cantava nunca mais.

As apresentações de Lewis eram dinâmicas. Ele chutava o banquinho do piano da sua frente para
poder tocar de pé, deslizava e batia suas mãos pelas teclas e até mesmo sentava em cima delas. Seu estilo frenético pode ser conferido em filmes como High School Confidential e The Girl Can't Help It.

A turbulenta vida pessoal de Lewis era mantida em segredo do público até que, durante uma turnê britânica em 1958, a imprensa descobriu que a esposa do astro (então com 13 anos) era Myra Gale Brown, sua prima de segundo grau de 13 anos. A situação provocou um escândalo público e a turnê foi cancelada depois de apenas três shows.

O escândalo seguiu Lewis para a casa na América e, como resultado, ele quase foi banido do cenário musical. Seu único sucesso durante a época foi uma versão de “What’d I Say”, de Ray Charles lançada em 1961. Sua popularidade ia se reerguendo aos poucos na Europa, especialmente no Reino Unido e na Alemanha. Um álbum ao vivo desta época, ‘’Live At The Star Club, Hamburg” (1964), gravado com o The Nashville Teens, é considerado como um dos melhores discos ao vivo de rock de todos os tempos. Entretanto, a fama se afastava dele cada vez mais nos Estados Unidos. Depois de mais de uma década tocando rock and roll, em 1968 Lewis começou a focar sua carreira na música country, obtendo sucesso considerável. Embora continuasse a tocar e viajar em turnê, ele nunca mais conseguiria alcançar o nível de sucesso que tinha antes do escândalo de 1958 (apesar do sucesso internacional do compacto “Chantilly Lace” em 1973).

Marcado por problemas com álcool e drogas depois de se separar de Myra em 1970, as tragédias continuariam quando seu filho Jerry Lee Lewis Jr., de 19 anos, morreu em um acidente automobilístico em 1973. No começo dos anos sessenta ele já havia perdido seu primeiro filho, Steve Allen Lewis, que afogou-se em uma piscina. O próprio comportamento irresponsável de Lewis no final dos anos 70 o levou a ser internado depois de quase morrer de úlcera. Depois disso, sua quarta esposa morreu afogada em uma piscina, sob circunstâncias suspeitas. Pouco mais de um ano depois, sua quinta esposa seria encontrada morta de overdose de metadona. Também viciado em drogas, Jerry Lee Lewis decidiu se recuperar na Betty Ford Clinic.

Enquanto celebrava seu quadragésimo-primeiro aniversário em 1976, Lewis baleou acidentalmente seu baixista Butch Owens na barriga. Pensando que a arma estava descarregada, ele a apontou para o colega de brincadeira e apertou o gatilho. Owens milagrosamente sobreviveu. Poucas semanas depois, em 23 de novembro, Lewis foi preso novamente por um incidente com armas, desta vez na mansão de Elvis Presley em Graceland. Lewis fora convidado por Presley, mas os seguranças não sabiam da visita. Quando questionado por eles o que fazia na frente do portão, Lewis mostrou uma arma e disse brincando que estava ali para matar Elvis.

Apesar de seus problemas pessoais, seu talento musical nunca foi questionado. Apelidado The Killer (O Matador) por sua voz poderosa e sua técnica ao piano, ele foi descrito por seu colega Roy Orbison como o melhor artista cru da história da música rock. Em 1986 Jerry Lee Lewis foi incluído na primeira leva de artistas a serem homenageados no Hall da Fama do Rock and Roll.

No mesmo ano ele voltou ao Sun Studios em Memphis para reunir-se com Orbison, Cash e Perkins e gravar o álbum Class of ‘55. Mas aquela não era a primeira vez que ele se juntava a Cash e Perkins no Sun Studios. Em 4 de dezembro de 1956 Elvis Presley apareceu para visitar Phillips. Na época Perkins estava no estúdio gravando algumas canções, com Lewis o cobrindo no piano. Os três então começaram uma jam sessiom, e Phillips deixou a fita gravando. Mais tarde ele telefonou para Cash e o trouxe para juntar-se aos outros. Essas gravações, a maioria de canções gospel, sobreviveriam e seriam lançadas anos depois em um CD sob o título de Million Dollar Quartet. Entre as faixas também estavam “Brow Eyed Handsome Man”, de Chuck Berry, “Don’t Forgive Me”, de Pat Boone e Elvis fazendo uma imitação de Jackie Wilson, que participava então do grupo Billy Ward and the Dominoes, cantando “Don’t Be Cruel”.

Em 1989 um longa metragem baseado no começo da carreira de Lewis, entitulado Great Balls of Fire!, trouxe Jerry de volta aos holofotes. O filme foi baseado em um livro escrito por sua ex-esposa Myra, e no papel principal estava Dennis Quaid, com participações de Winona Ryder e Alec Baldwin.

Lewis nunca deixou de fazer turnês, e os fãs que o viram se apresentar dizem que ele ainda consegue fazer um show único, sempre imprevisível, empolgante e pessoal. Depois de anos sem gravar nada, Lewis lançou um novo álbum em 2006 chamado "Last Man Standing" (último homem em pé). O álbum teve um grande sucesso de público e de crítica, sendo considerado por muitos como um dos melhores álbuns da carreira de Lewis. Em fevereiro de 2005, ele ganhou um “Prêmio Pelo Conjunto da Obra” da Record Academy, que também organiza o Grammy. Na premiação foi anunciado que seu novo álbum seria gravado com uma formação que inclui Eric Clapton, B. B. King, Bruce Springsteen, Mick Jagger e Keith Richards.

Rock'n Roll: Quando tudo começou (01)

2008-10-09T23:22:00.000-03:00

Hank Williams (abaixo), um dos precursores do rockabilly e Chuck Barry, o barra pesada do rock'n roll.

O rock'n roll foi o divisor de águas da música pop internacional. Sua história começou nos anos 1930, quando o blues, com suas raízes negras se transformou no rhythm and blues que, conseqüentemente viria a se transformar no rock. Foi um compositor, instrumentista e cantor chamado Hank Williams, que começou tudo. Nascido no Alabama, ele teve a maior importância para a música country. Antenado no som dos negros introduziu no gênero estratégicas musicais, tirando-o do gueto em que se encontrava para projeta-lo no pop nacional. Por isso Hank Williams é considerado um dos precursores do rockabilly, que foi revivido nos anos 1960 por bandas de rock como Beatles e Rolling Stones. A causa? A música Move It Over.
Coincidentemente, aos 29 anos, Hank Williams sofreu um ataque cardíaco fatal em 1953, justamente na mesma época que Elvis Presley, considerado posteriormente o Rei do Rock, entrava pela primeira vez num estúdio de gravação. Mas, o caldeirão das bruxas vem da alquimia da música negra. No primeiro ano da década de 1950, o cantor e saxofonista Jackie brenston (ao lado) gravou o hit Rocket 88, considerado o primeiro rock'n roll registrado em disco.
Depois foi a vez de Rufus Thomas, músico e disc-jóquei de Memphis gravar Ain't Gonna Be Your e Hound Dog (que Elvis lançaria com grande sucesso internacional no ano de 1956. Foi então que rock'n roll começou a levantar a poeira e tomou o seu rumo com Fats Domino, Guitar Slim e Lloyd Price, de Nova Orleans, juntamente com Johnny Ray, Eddie Boyd e uma dezena de cantores negros e brancos.
Foi assim que o rock, nos seus primórdios, começou a conquistar o mundo. De Memphis vieram Jerry Lee Lewis, Elvis Presley e Carl Perkins. de Los Angeles, Ray Charles, Little Richard e Edie Cochran. De Phoenix, Duane Eddy. De Nashiville Gene Vincent, The Everly Brothera, Johnny Cash e Roy Orbison. De Chicago Bo Diddley e Chuck Barry. De Detroit, Del Shannon, Johnny And The Hurricanes. De Nova Iorque, The Drifters, Carole King e Neil Sedaka. Do Texas, um dos grandes nomes do emergente rock'n roll, Buddy Holly, que deu uma conotação mais refinada ao novo estilo.
Gene Vincent And The Blue Caps e The Everly Trothers (abaixo)

PENSAMENTO

"O Diabo é o pai do rock. Foi ele mesmo quem me deu o toque" (Raul Seixas)

Abaixo, Eddie Cochran e Jerry Lee Lewis

Uma jovem revelação

2008-10-07T15:02:00.000-03:00

Guardem bem esse nome: Dinho Rodrigues. É um jovem cantor que interpreta canções latinas e que já estão agradando ao público amante da boa música.
Dinho, além de multi-instrumentista é um verdadeiro show man. Aquele tipo de artista que domina o palco e agrada o público nos shows que se apresenta. Vale conferir uma apresentação sua
no Youtube.
Sua carreira começou como dançarino fazendo parceria com uma menina aos 12 anos de idade. Foram muitas e muitas apresentações pelo Brasil e alguns países da América Latina.
Agora, com dois discos gravados, já está partindo para o terceiro como uma seleção de canções de dar água na boca em qualquer artista. Esse novo CD, com certeza, vai agradar ao seu público.
Certa feita, Dinho Rodrigues estava se apresentando num show em São Paulo. Um dos ilustres espectadores era o ex-Menudo Roy, que tinha adquirido os direitos do nome do grupo vocal portoriquenho. Roy viu e gostou da apresentação de Dinho. Moral da história: depois do espetáculo convidou o artista para integrar a nova formação do Menudo, que atualmente está sediado em Miami. Dinho agradeceu e preferiu seguir sua carreira solo, no que fez muito bem. Aguardem o novo CD desse artista multifacetado.

ANIVERSÁRIO

Esta canção vai especialmente para Yolanda, que está aniversariando neste dia sete de outubro de 2008.

PENSAMENTO MUSICAL

"Mana a carta a preguiça. O beijo à distância. Na palma da mão. Vou por aí, sou quase cigano". (Carlos Fernando-Geraldo Azevedo)

Simplesmente Juliette Lews

2008-10-03T15:35:00.000-03:00

Linda e maravilhosa em dois momentos

Uma artista com múltiplas qualidades e facetas. É atriz, cantora e modelo. Filha do ator Geoffrey Lews e da designer gráfica Glenis Batley, Juliette L. Lews tem dois irmãos e duas irmãos. Nasceu no dia 21 de junho de 1973, em Los Angeles, Califórnia. Fez sua estréia na televisão quando tinha apenas 12 anos de idade, e ao longo de sua carreira participou de cerca de 40 longas metragens, incluindo filmes para a televisão. Em 1992 o reconhecimento do seu talento sendo indicada para o Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante pelo filme Cape Fear (Cabo do Medo), que teve como estrelas principais Robert De Niro, Nick Nolte e Jessica Lange. Foi eleita Melhor Atriz no Festival de Veneza pelo filme Natural Born Killers (Assassinos Por Natureza), de 1994. Exuberante em desfile recente
Enquanto isso ela segue uma carreira paralela de cantora como vocalista principal da banda Juliette And the Licks, tendo em 2007 roubado a cena na cerimônia da décima-terceira edição do Video-Music Brasil com sua performance no show que agradou ao público e a crítica. E, para variar, Juliette Lews participou, no dia 20 de setembro de 2008, do desfile Miss Bikini Luxe, que aconteceu em Milão, Itália, aparecendo na passarela com diversos modelos. Com seu corpinho sarado chamou a atenção quando surgiu com uma minissaia colorida em estilo hippie e uma blusa com o decote quase até o umbigo.
Juliette é assim. Onde aparece rouba a cena para si. Sua carreira como cantora não é apenas para preencher o vazio entre um filme e outro. Ela é uma das boas intérpretes que surgiram no cenário do pop rock internacional. Talento a moça tem o bastante para abraçar as duas carreiras paralelas: a de atriz e cantora da banda The Licks. Vale dar uma entrada no Youtube conferir algumas das canções interpretadas por ela. Agrada em cheio, e por isso tem fãs espalhados no mundo inteiro.
Com sua banda Juliette Lews já lançou diversos álbuns e, em 2006, participou de três faixas do disco Always Outnumbered, Never Outgunned, do grupo de banda eletrônica The Prodigy. Naquele mesmo ano ela foi incluída pela revista Bender na lista das Dez Mulheres Mais Quentes do Rock. E bote fogo nisso, pois a garota é ardida que nem pimenta. Não foi à toa que ela namorou por muito com o cobiçado ator e galã Brad Pitt. Integrante da Igreja da Cientologia, chegou a casar com o famoso skatista profissional Steve Berra, em 1999. Porém o casamento demorou pouco tempo. Como integrante da banda Licks, a menina gravou apenas três álbuns, porém com um repertório de primeira categoria.

PENSAMENTO
"...Mas só agora descobri como a arte exige a solidão por companheira. Só agora sei da admirável dificuldade desta grande arte (a poesia)..." (Oscar Wilde)

Cyndi Lauper: 25 anos de carreira

2008-09-29T15:18:00.000-03:00

Cyndi Lauper em dois momentos: no palco em um de seus shows e em julho de 2008, na parada gay de San Francisco, na California.

A cantora pop americana, Cyndi Lauper está completando 25 anos de carreira solo e tem 55 anos de idade. Nasceu em Nova Iorque, no dia 22 de junho de 1953 e foi batizada com o nome de Cynthia Ann stephanie Lauper Thorton. Tão famosa quanto Madonna, mas com um visual escrachado, a moça fez sucesso ao longo dessa década e meia de atuação nos shows e nos discos.
Antes de começar a carreira individual, Lauper se lançou no mundo artístico com a banda Blue Angel, tendo gravado o primeiro álbum em 1980. Porém, o grupo se teve vida curta e logo se acabou. Ciyndi Lauper continuou tentando seguir individualmente, e só aos 30 anos de idade é que conseguiu o seu tão sonhado disco solo, She's So Unusual, em 1983, que lhe deu notoriedade no mundo inteiro, e o single do álbum, Just Want To Have Fun, atingiu o topo da parada, se tornando um hino para a geração MTV.
Não é por menos que, em 25 anos de carreira solo a cantora lançou onze álbuns, sete coletâneas e 31 singles, alcançando a marca invejável de 66 milhões de discos vendidos entre álbuns e singles. Seu segundo trabalho a tornou uma das estrelas da canção pop. Time After Time atingiu o primeiro lugar nas paradas. Ousada, ela gravou também a comentada e cultuada She Bop, uma música sobre a masturbação feminina, e com isso foi idolatrada pelas fãs espalhadas pelo mundo. Com isso, em 1984, ganhou seu ambicionado Gremmy como Cantora Revelação. Aos 31 anos de idade o prêmio parece ter chegado bem tarde, mas não para ela, que vem fazendo uma carreira sólida com sua voz de extensão de quatro oitavas, sendo considerada uma soprano leggero.
Para quem não sabe, Lauper foi a primeira cantora no mundo a emplacar cinco hits na parada da Billboard. Em 1985 ela participou do filme Os Gonnies, que tinha duas canções suas, The Goonies 'r' Good Enough e What a Thrill. As duas composições também chegaram às paradas de sucesso, comprovando e legitimando o seu talento como cantora pop. Para quem está lembrado Cyndi Lauper apareceu no vídeo e disco We Are The Word, para ajudar as crianças carentes da África. Mas foi no ano de 1986 que finalmente a artista escreveu seu nome definitivamente na música pop internacional com a gravação de True Colors, que se tornou um grande sucesso.
Como vai Cyndi Lauper atualmente? Vai muito bem, obrigado. Acaba de lançar um novo álbum com canções inéditas, Bring Ya To The Brink, em parceria com os melhores produtores de dance music, e no mês de julho de 2008 apareceu na parada gay de San Francisco, na Califórnia. Enquanto isso, ela está empenhada na sua turnê True Colors Tour 2.

PENSAMENTO MUSICAL
"...Se perto estou do meu peito. Muito mais do meu gemido. Do frio aqui contraído. entre a cama e o cobertor". (Carlos Fernando-Geraldo Azevedo)

Os Ramones, uma homenagem ao produtor Phil Ramone

2008-09-26T12:30:00.000-03:00

Nos velhos tempos, quando tudo começou

Só para lembrar a legendária banda Ramones, fizemos uma clonagem da Wikipédia.

Os Ramones foram uma banda estadunidense de punk rock formada em 1974, considerada como precursora do estilo, e uma das bandas mais influentes do rock.

No início dos anos 1970 surgiam várias vertentes do rock nos Estados Unidos e no Reino Unido; o punk rock foi uma delas. Em 30 de março de 1974 os Ramones tocaram pela primeira vez, como um trio (Joey, Dee Dee e Johnny). Em 16 de abril do mesmo ano, a banda realizou sua primeira apresentação no bar CBGB, que se tornava o refúgio do rock underground nova-iorquino da época. Ao longo de seus 22 anos de existência, os Ramones totalizaram 2.263 apresentações ao redor do mundo^[2]. O último show foi realizado em Los Angeles, Califórnia, em 6 de agosto de 1996.

Em 2 de março de 2002 a banda foi incluída no Salão da Fama do Rock and Roll.

Joey Ramone - vocal (1974-1996): Faleceu em decorrência de um câncer linfático em 15 de abril de 2001, em Nova York. Sofria da doença havia anos, mas, com seu sistema imunológico enfraquecido devido a um pequeno acidente, o mal piorou.
Johnny Ramone - guitarra (1974-1996): Morreu em decorrência de um câncer de próstata em 15 de setembro de 2004, em Los Angeles. Ele lutava contra a doença desde 1999.
Dee Dee Ramone - baixo (1974-1989): Foi encontrado morto em sua casa em Hollywood em 5 de junho de 2002, devido a uma overdose de heroína.
Elvis Ramone - bateria (1987-1987): Apresentou-se com a banda em duas ocasiões: 28 de agosto de 1987, em Providence, Rhode Island, e 29 de agosto de 1987.
Marky Ramone - bateria (1978-1983; 1987-1996): Em 1983 Marky foi forçado a abandonar a banda por causa dos problemas com o álcool. Em 1987 ele voltou a ocupar o lugar de baterista após estar recuperado do alcoolismo.
CJ Ramone - baixo (1989-1996): Substituiu Dee Dee Ramone
Tommy Ramone - bateria (1974-1978): Após a gravação do terceiro disco Tommy deixou a bateria e virou produtor da banda.
Richie Ramone - bateria (1983-1987): Substituiu Marky Ramone na bateria. Deixou a banda pois queria casar-se e alegando não receber participação nos lucros das vendas de camisetas e não suportar o autoritarismo de Johnny Ramone.

Ramones ao vivo: punk-rock da pesada

PENSAMENTO MUSICAL
"Quando você realmente chega a ser o número um, ou coisa assim, é diferente. O legal é o caminho até chegar lá". (John Lennon)

Diana Ross, a grande diva da música

2008-09-18T21:37:00.000-03:00

Diana Ross em início de carreira solo e com as Supremes, grupo vocal que a revelou para o mundo.

Diana Ross,nascida em Detroit, Michigan, nos Estados Unidos da América, em 26 de março de 1944, é a segunda filha do operário Fred Ross e da professora Ernesthine Earle Ross, casal que teve três filhas e três filhos. Mas quem teve o dom de cantar e encarar a carreira artística foi Diana. Tudo começou em 1959, quando ela formou seu primeiro grupo vocal, The Primettes, com as amigas Barbara Martin, Florence Ballard e Mary Wilson. Entre uma apresentação e outra em festinhas locais o conjunto assinou com a gravadora Montown, em 1961, e o nome foi mudado para The Supremes, que fez fama no decorrer da década de 1960.
Mas, quem se destacava no grupo Supremes era a vocalista Florence Ballard, considerada uma excelente cantora. Porém, Ballard tinha um sério problema de alcoolismo e depressão profunda, por isso foi substituída por Cindy Birdsong, em 1967. Depois ela tentou a carreira solo e chagou a gravar discos, mas a decadência estava decretada, e ela morreu pobre e esquecida em consequência de uma trombose. Mãe de três filhos, Ballard chegou a perder a casa onde morava, e isso fez com que a saúde da ex-vocalista das Supremes sofresse recaídas sobre recaídas. O jornalista Rchie Unterberge a considerou o fato como uma "das maiores tragédias do rock".
The Supremes foi um grupo que emplacou dezenas de sucesso entre 1963n e 1967, mas com Diana Ross se destacando nos shows e nas gravações dos discos, em 1967 passou a se chamar-se Diana Ross and The Supremes. Para se ter uma idéia do sucesso do conjunto, em 1963 e 1967, as meninas chegaram 12 vezes ao primeiro lugar das paradas de sucesso. Em janeiro de 1970, Diana deixou o grupo e partiu para uma bem sucedida carreira solo, fazendo sucesso logo na primeiro gravação, com Ain't no Mountain High Enough.

Naquele período, a cantora negra que se tornou a diva do soul, pop e R&B, também trabalhou no cinema, num papel de grande responsabilidade, interpretando a imortal Billie Holliday no filme Lady Sings The Blues, no qual foi também premiada pela trilha sonora. Perpetuando seu nome, Diana também gravou um disco em dueto com Marvin Gaye., cantor negro que foi morto pelo próprio pai, que lhe deu um tiro de revolver depois de sofrer ameaças de agressão por parte do filho.
Em 1975, Diana Ross apareceu em outro filme de sucesso, Mahogany, cujo tema, You Know Where You'Re going To? também alcançou o primeiro lugar nas paradas de sucesso, vendendo milhões de cópias no mundo inteiro.
No final dos anos 70, com a chegada da onda da discoteca, Diana Ross não se fez de rogada e gravou vários hits. Depois, assinou com a gravadora RCA, entrando em declínio e voltando para a Montown em meados dos anos 80.
A mulher Diana Ross teve duas filhas com o divulgador musical Robert Ellis Silberstein, dois filhos com o executivo norueguês Arne Naess Jr. (morto no ano 2000), e uma filha com o lendário Barry Gordy, fundador da Montown. Hoje, Diana Ross está mais recolhida e mas fazendo shows ainda bastante concorridos. Porém, em 2004, foi presa por dirigir embriagada e dirigir na contramão. No ano anterior havia se internado para se livrar do vícios das drogas e do álcool. Diana Ross é a diva, a lendária diva fonte de inspiração para todas as cantoras de R&B, soul, pop e blues. Continua a rainha de todos aqueles que a amam e reconhecem seu valor artístico.

PENSAMENTO
"Devemos sempre nos preparar para o fracasso. Isso torna ainda mais gratificante o sucesso" (Steven Spielberg).

Christina Aguilera comemora os dez anos de carreira

2008-09-12T14:19:00.000-03:00

Em dois momentos. Num deles uma pose à la Marilyn Monroe.

A cantora, compositora e produtora Christina Aguilera é uma artista que tem em suas próprias mãos o destino de sua bem sucedida carreira. Além disso, ela é uma mulher belíssima e sexy, exalando sensualismo em todos os poros. Nascida em Staten Island, nos EUA, em 18 de dezembro de 1980, é uma intérprete reconhecida no mundo inteiro graças ao bom trabalho que vem realizando ao longo de uma década. Não foi por menos que ela já ganhou quatro prêmios Grammy e um Grammy Latino.
Tanto empenho na qualidade de seus discos e dos shows resultou em mais de 45 milhões de discos vendidos no Planeta. Um recorde absoluto, tornando-a uma campeã de vendas das últimas décadas. Sua estréia no show buziness aconteceu em 1999, pela gravadora RCA, com o álbum que leva seu nome na na capa. O disco tornou-se um sucesso imediato, colocando Aguilera no topo das paradas com apenas 19 anos de idade. Naquele ano terminou por ganhar um prêmio Grammy de Cantora Revelação.
No ano seguinte a garota resolveu ir mais além e tornar sua carreira mais abrangente gravando um álbum para o mercado latino, Mi Reflejo, contendo versões em espanhol do primeiro álbum e algumas canções inéditas. O feito a tornou uma estrela de primeira grandeza, tornando-a a queridinha da indústria de shows e fonográfica. Christina Aguilera apenas ratificou que tinha chegado para ficar e que tinha talento.
O ano de 2001 talvez tenha sido um dos melhores para Christina Aguilera, pois ela gravou a canção Lady Marmalade para a trilha sonora do filme Moulin Rouge. Em 2002 ela entrou com tudo gravando Striprea, causando um impacto com formidável voz e postura sexy, sensual e provocativa. Mas ela não é só mais uma artista da nova geração, pois com o primeiro single Ain't No Other Man, do terceiro álbum Back To Basics, Aguilera mostrou que tem uma forte influência do jazz e do blues. Isso a transforma numa intérprete diferenciada.
Para este ano de 2008 a artista anunciou que seu greatest hits Keeps Gettin' Better - A Decade of Hits será lançado no dia 11 de novembro de 2008 com uma grande e abrangente comemoração pelos seus dez anos de atuação na música internacional. O álbum vem com músicas inéditas e duas regravações de sucessos anteriores. Considerada uma das maiores vozes da geração atual, com sua voz potente e poderosa é capaz de emitir notas muito agudas usando o whistle register (registro mais agudo da voz humana). Como cantora Christina aguilera é excepcional, sendo capaz de cobrir as extensões da contralto soprano ultraleggero. É preciso escrever mais sobre o talento dessa cantora e mãe?PENSAMENTO
"Não acredito que já se passaram dez anos desde o meu primeiro álbum e é legal colocar todas as minhas músicas favoritas numa coleção para os meus fãs" (Christina Aguilera)

Martha Davis e banda Motels

2008-09-10T15:53:00.000-03:00

A bela e sexy Martha Davis, vocalista da banda Motels, em dois momentos de sua vida.

A banda Motels ainda está por aí fazendo shows com a vocalista Martha Davis como principal atração. Formada nos anos 70 o conjunto começou a se destacar nos clubes noturnos de Los Angeles, a partir de 1979. Com seu estilo new wave, o embrião da banda tinha Lisa Brenneis (baixo), Dean Chamberlain (guitarra), Chuck Wada (guitarra base) e Martha Davis (vocalista e guitarrista). Em 1975, em busca de trabalho, os integrantes se mudaram para Los angeles, onde Richard D'Andrea assumiu o baixo e Robert Newman a percussão. Foi o primeiro passo para a gravação do álbum, pela gravadora Capitol, que teve uma boa repercussão junto ao público e a crítica.
Óbvio que, graças ao seu visual, ao seu estilo teatral de se apresentar no palco, além da boa voz, a sexy Martha Davis ficou sendo a atração principal da banda Motels. Não é por menos que ela foi considerada uma das figuras mais fortes que surgiram no cenário do rock da década seguinte. As apresentações do grupo Motels possuíam uma energia muito grande, de forte pegada, isso graças à presença marcante de sua vocalista e guitarrista. Com isso, o grupo não só conquistou os Estados Unidos como teve uma excelente recepção do público na Europa e no Canadá.
Hoje a turma do Motels ainda está na ativa, mas Martha Davis segue carreira solo paralela superlotando os locais por onde passa. Na carreira individual Martha prefere interpretar jazz, blues e um pouco de rock também, que foi marcante em sua carreira com os Motels. Ela está solo mas com o mesmo sucesso dos seus tempos de banda, e ao longo dos últimos anos vem trabalhando duro para fazer uma carreira mais consistente e duradoura. Aos 57 anos, Martha Davis não perde o pique de sua época de juventude. As turnês que o digam.

PENSAMENTO
"Quando chego ao quarto depois de um espetáculo, nesses momentos eu me sinto tão só que não consigo dormir" (Henrique Iglesias)

"Cuando me vienen a la cuarta después de un espectacular, en estos momentos me siento que sólo que no puedo dormir" (Henrique Iglesias)

Seré que Britney Spears mereceu os prêmios?

2008-09-08T15:55:00.000-03:00

Britney Spears na ponta esquerda, a cantora Pink e a atriz Lindsay Lohan.

Na festa da 25. versão do Video Music Awards, realizado no domingo,dia sete de setembro de 2008, deu de tudo. Seios aparecendo e...Britney Spears ganhando três prêmios: Clip do Ano, Clip de Cantora e Clip Pop. Tudo isso cheira a jogada promocional em cima da moça. Há dois meses Britney, que anda escandalizando meio mundo, estava em baixa, sendo severamente criticada pelas besteiras que faz fora dos palcos e dos estúdios. Porém, a Imprensa em geral quando quer reverter um quadro, ninguém segura. Não acredito que, de um dia para o outro, Britney Spears tenho conseguido talento suficiente para levar as três estatuetas. Você por acaso acredita nesse tipo de milagre? Bom, mas o que interessa é que a moça está inteira, com tudo em cima e rindo à toa por causa dos prêmios que conquistou.
Uma que deu um show arrasa-quarteirão no dia da premiação foi a gatíssima Christina Aguillera, que mostrou o que uma profissional faz em palco e empolgou todos aqueles que compareceram aos estúdios da Paramount, em Los Angeles. A artista de 27 anos segue uma carreira sólida e, logicamente, é muito mais cantora do que Britney Spears, que deveria ter repassado os prêmios para a bela Aguillera. Vocês ainda acreditam que premiar Britney foi correto? Foi acertado?

PS: As fotos de hoje foram copiadas do MSN

PENSAMENTO
"Gosto de esconder-me antes de um espetáculo e ficar vendo as pessoas entrarem. É uma visão incrível" (Henrique Iglesias)

A banda Blondie continua em alta

2008-09-01T16:07:00.000-03:00

A gatíssima vocalista da Blondie, Deborah Harry, nos anos 80, e atualmente, em show solo, aos 63 anos de idade

Quem diria, mas lá se vão 30 anos do lançamento do álbum Blondie's Parallel Lines, da banda norte-americana Blondie, que tem como vocalista Denorah Harry. Para comemorar os 31 anos de estrada do grupo, a gravadora EMI fez um relançamento do Parallel Lines em grande estilo, com o conjunto se apresentando no reservado festival Jack Radio Show, na California.
Tudo começou quando a então loiríssima sexy-punk Deborah Harry conheceu o excelente guitarrista Chris Stein na banda Angel And The Snakes, que depois mudaria o nome para Blondie, em 1974, e se tornaria famosa no mundo inteiro. Muitos apontam o sucesso da banda ao charme e estilo de uma das cantoras mais bonitas do mundo do rock. O que não deixa de ser um erro, pois o grupo era formado por excelentes músicos como Chris Stein(guitarra - tímpano), Clement Bulke (bateria), Nigel Harrison (baixo) e Frank Infante (guitarra). Criativa, a banda agradava (e ainda agrada) aos adolescentes e aos fãs do rock tradicional, muito embora o Blondie também tenha uma queda para o new wave.
De saída, assim que assinaram com a primeira gravadora, o conjunto emplacou, em 1976, o single com a canção In The Sun, porém foi mais aceito no Reino Unido, o que não deixou de ser ótimo para os seus integrantes. No mesmo ano gravaram o primeiro álbum, Blondie. Mas, o sucesso e reconhecimento só vieram no terceiro álbum, justamente o Blondie's Parallel Lines.

Os shows começaram no famoso Club 51, de Nova Iorque, e por algum tempo, com eram amigos dos Ramones, Deborah e sua turma fizeram diversas aberturas de shows para a banda punk americana. Como reconhecimento pelo serviço prestado ao rock, em 2006 o Blondie entrou para o Hall da Fama do Rock And Roll.

Apesar de ser uma banda duradoura, e de ter trocando alguns integrantes, Blondie continua em alta, arrastando centenas de pessoas para os seus shows, e cada vez mais conquistando uma uma platéia de adolescentes. As marcas do tempo (Deborah Ann Harry nasceu no dia primeiro de julho de 1945) não impedem Deborah, aos 63 anos, de ainda manter a mística e a forma em todos os concertos por onde o grupo passa. O Blondie está com a agenda repleta até o próximo ano, mas isso não impede que a loira continue em carreira solo à frente do seu The Jazz Passengers.

PENSAMENTO MUSICAL

"Entra e vem correndo para mim. O meu princípio já chegou ao fim. O que me resta agora é o seu amor. Traga sua bola de cristal. E aquele incenso do Nepal. Que você comprou no camelô. E me empresta o seu colar. Que um dia eu fui buscar. Na tumba de um sábio faraó". (Raul Seixas-Paulo Coelho)

Jovens adolescentes fãs do Blondie, neste ano de 2008, em frente a um hotel em Moscou

Michael Jackson: 50 anos de idade

2008-08-29T16:37:00.000-03:00

Jackson, numa cadeira de rodas no mês de seu aniversário

Nesta sexta-feira 29 de julho de 2008 o astro da música pop Michael Jackson completou 50 anos de idade. Com uma aparência bizarra ele foge das comemorações, mas o cantor bem que poderia estar fazendo uma turnê comemorativa como Madona, que também acabou de completar seu meio século de vida linda e maravilhosa.
Mas, Michael Jackson não tem mais forças para sair por aí numa exaustiva turnê. Suas forças acabaram, e ele apareceu ao público muito magro e se apoiando numa muleta. Será que ele está gravemente doente? Isso ninguém sabe responder, mas sua aparência é péssima. Mesmo assim não deixa de chamar a atenção por onde quer que passe.
Ele continua sendo o ídolo de uma geração e continua vendendo discos. Afastado dos palcos e dos estúdios de gravação depois de ter sido acusado e absolvido de ter abusado de menores, Jackson não fez outra coisa ao não ser uma reedição do clássico Thriller, que continua vendendo, além de uma compilação intitulada King of Pop. Seu nome continua em alta, e ele não se apresenta ao vivo e não grava um novo disco porque não quer.
Michael Joseph Jackson, nascido em Gary, Indiana, no dia 29 de julho de 1958, no berço de uma família muito pobre, é cantor, instrumentista, produtor, dançarino e diretor de seus próprios clips. Ele é o sétimo filho de nove irmãos, e entrou na carreira solo na década de 70, ainda pela gravadora Motown, responsável pelo grupo que ele fez parte juntamente com os irmãos mais velhos, o Jackson Five.
Filho de Joseph e Katharine Jackson, ainda uma criança passou a fazer parte do conjunto formado por seus irmãos, e que o revelaria para o mundo. Michael Jackson, no entanto, tinha talento o bastante para suplantar os irmão na carreira solo, e foi o que aconteceu. Com isso, lançou 11 álbuns e 12 compilações que até hoje vendem e fazem a fortuna do artista que um dia sonhou em ser branco e fez o que fez com o seu rosto. O cume de sua rota solo foi a gravação de Thriller, o álbum mais vendido da história da música internacional. Nem com a acusação de abusar de menores fez com que ele deixasse de ser o astro pop que é até os dias de hoje.
Muitas notícias surgiram para mostrar que Mickel Jackson realmente havia enlouquecido. Uma delas era que ele dormia num sarcófago para não respirar o ar contaminado e conservar a juventude para sempre. De qualquer maneira, mesmo caindo aos pedaços, ele está aí, completado os seus 50 anos de vida quando muitos imaginavam que ele não passaria dos 45. O mais importante nisso tudo é que a música pop não revelou outro astro com o carisma de Jackson e com o seu talento nato. Michael Jackson chegou ao meio século de vida. Viva Michael Jackson!

PENSAMENTO MUSICAL
"Deus me fez um cara fraco. Desdentado e feio. Pele e osso simplesmente. Quase sem recheio. Mas se alguém me desafia. E põe a mãe no meio. Dou pernada à três por quatro. E nem me despenteio" (Chico Buarque de Hollanda)

Robby Rosa faz turnê pela América Latina

2008-08-28T15:06:00.000-03:00

Abaixo Robby e Angela Alvarado, sua mulher, contracenam no filme Salsa

Tive a oportunidade de conhecer pessoalmente o ex-Menudo Robby Rosa, enquanto morava no Brasil. E depois numa entrevista coletiva quando ele fazia parte de uma banda de rock americana. Simpático, atencioso, Robbi (hoje Draco Rosa) continua em plena atividade como cantor. Como produtor, também trabalha nos discos de Ricky Martin.

Só para variar, vou pedindo licença à Wikipédia para clonar o material sobre o artista. Com vocês, Draco Rosa!!

Nasceu no dia 27 de junho de 1969, foi batizado com o nome de Robert Edward Rosa Suárez, e, apesar de ter nascido em Long Island (NY), por suas veias corre o sangue portoriquenho de seus pais, para onde se mudou ainda criança, o que ajudou a reforçar suas raízes latinas.

Aos 8 anos já era integrante de um grupo infantil, chamado Admir.

Em 14 de fevereiro de 1984 ingressou no grupo Menudo, onde ficou conhecido como Robby Rosa. Permaneceu até 25 de fevereiro de 1987, sendo o primeiro e único integrante a abandonar o grupo por vontade própria. Isto aconteceu devido à sua insatisfação com a impossibilidade de incluir músicas que estava compondo no repertório do grupo. Os dirigentes do Menudo não aceitaram sua proposta e ele resolveu investir em sua carreira solo. Sua voz é considerada a melhor, de todas que passaram pelo grupo.

Logo após sua renúncia, veio ao Brasil, onde gravou 2 discos em português, intitulados com seu próprio nome. As músicas "Notícias de Você", "Chuva Fina" e "Hello" do primeiro álbum e "Ser Feliz" e "Coração nas Nuvens" do segundo, foram as de maior sucesso, alcançando os primeiros lugares nas paradas brasileiras.^{[carece de fontes?]} Morou no Rio de Janeiro. Participou de vários programas de TV (Chacrinha, Raul Gil, Xou da Xuxa, Domingão do Faustão, e outros) e fez shows em vários Estados brasileiros.

Cinema

Pouco tempo depois protagonizou outro filme, uma comédia de produção franco-alemã intitulada Gummibarchen Kussit Man Nicht, em português: Homens de Verdade não Mascam Chiclete, também com Angela Alvarado. Draco compôs, produziu e interpretou duas músicas para a trilha sonora: "Angela" e "Little Woman", lançada pela RCA Records.

Década de 90

A década de 90 foi bem produtiva. Em Nova Iorque formou a banda Maggie's Dream, misturando hard rock, soul e funk. Abriu shows para The Fishbone, The Black Crowes, Faith No More, entre outros.

Em Los Angeles, mergulhou na arte da pintura, além da música e começou a escrever um livro em 1993, cujo protagonista vive no ano de 7069.

Casou-se com Angela Alvarado no dia 23 de março de 1990.

No mês de março de 1994, gravou os CDs Frio e Songbirds & Roosters, em Hollywood (CA), no Music Grinder Studios, porém somente o álbum Frío (todo em espanhol) foi lançado pela Sony Latin, onde as músicas "Cruzando Puertas", "Almas Diferentes/Almas Gemelas", "Frio" e "Casi Una Diosa" se destacam. Este CD inclui também a música "Cuando Pasará", que originalmente foi gravada pelo Menudo. Letras

Em 1995, mais precisamente no dia 05 de setembro, nasceu seu primeiro filho com Angela, batizado com o nome de Revel Angel.

Ainda em 1995, foi convidado a produzir e compor canções para o novo álbum de Ricky Martin. Como nunca havia produzido ou composto para outros cantores, seu primeiro impulso foi o de rejeitar o convite, porém, sua situação financeira não era muito boa: morava em um pequeno apartamento, tinha um carro velho, um filho recém-nascido e uma dívida no hospital... Resolveu aceitar com a condição de que seu nome não aparecesse. Usando o pseudônimo de Ian Blake, Draco trabalhou na produção e composição do álbum A Medio Vivir, que teve a música Maria como sucesso mundial.

Paralelamente, formou uma banda com Sander Schloss, ex-integrante do Circle Jerk, chamada Sweet and Low.

Em junho de 1996 surgiu Vagabundo, gravado em Londres. É o disco que mais agradou Draco, além de ter sido considerado o melhor álbum de rock em espanhol dos últimos tempos pela Spin Magazine's.^{[carece de fontes?]} Algumas canções deste álbum: "Vagabundo", "Madre Tierra", "Llanto Subterráneo", "Blanca Mujer" e "Brujeria". Letras Esta produção é descrita como gótica, influenciada literariamente por "Poetas Malditos" como Arthur Rimbaud, Charles Baudelaire e William Blake.

Apesar de usar o nome Robi Draco Rosa para promoção do álbum Vagabundo, trocou seu nome legalmente para Draco Cornelius Rosa no começo da década de 90.

A canção "Madre Tierra" ganhou o Billboard International Latin Music Award na categoria de vídeo de rock do ano, em 25 de abril de 1997.

Em fevereiro de 1998, Draco criou a Phantom Vox Corporation, que é um misto de estúdio de gravações e uma empresa voltada a toda e qualquer forma de arte e cultura de Porto Rico. A Phantom Vox ("voz do fantasma"), é um ponto de reunião para seus seguidores. Um lugar onde é possível escutar um programa de rádio de Hip Hop, conseguir bolsas para o Conservatorio de Musica, além de um espaço destinado ao Museu de Arte Contemporânea e ao Museu de Porto Rico. Suas palavras: "No sólo es musica... son piezas, corazón, palabras y locura". (Tradução: Não é somente música... são obras, coração, palavras e loucura.) Fotos e Mais

Com a mulher, no filme Salsa

Neste mesmo ano, participou do 4.º Festival de Rock Al Parque, na Colômbia. O Rock Al Parque é considerado o maior festival gratuito e ao ar livre da América Latina.

Voltou a trabalhar com Ricky Martin, compondo, produzindo e fazendo parte dos coros de Vuelve, outro CD de sucesso de Ricky Martin, onde a música "La Copa de La Vida" foi escolhida para representar a Copa do Mundo.

O álbum Songbirds & Roosters, gravado em 1994, foi lançado em 1998, com os temas que havia interpretado em Frío, porém transformando suas histórias e cantando em inglês. "Cruzando Puertas" mudou para "Rosa María", "Cuándo Pasará" para "Junkie" e "Frío" para "Blindman's Parade", entre outras. Letras

Dolores del Infante foi o pseudônimo utilizado na co-produção do álbum Corazón, no ano de 1999, para Ednita Nazario, uma famosa cantora portoriquenha, a qual é amiga de Draco desde os tempos de Menudo. Aúdio

Em 1999 e 2000, retornou a parceria com Ricky Martin, no lançamento do primeiro e segundo CDs em inglês, intitulados, respectivamente, Ricky Martin e Sound Loaded.

Draco é co-autor de vários temas famosos de Ricky Martin, entre eles se destacam "Volverás" e "María" do álbum A Medio Vivir (1995), "Por Arriba, Por Abajo" e "La Copa de La Vida" do álbum Vuelve (1998), "Livin´ La Vida Loca" e "Shake Your Bon-Bon" do álbum Ricky Martin (1999), "She Bangs" e "Loaded" do álbum Sound Loaded (2000), entre outras. Por seu trabalho como produtor e compositor dos êxitos de Ricky Martin, foi indicado quatro vezes para os prêmios Grammy.

Em maio de 2000, em Los Angeles, ganhou prêmios no 7th Annual Latin Awards da BMI, como co-autor das canções "Livin' La Vida Loca" e "Perdido Sin Ti". Mais

Draco também compôs e produziu três canções para o álbum Noche de Cuatro Lunas, no ano de 2000, para Julio Iglesias. São elas: "No es Amor Ni es Amar", "Noche de Cuatro Lunas" e "Te Voy a Contar Mi Vida". Aúdio

No dia 05 de fevereiro de 2001, nasceu Redamo Cicero, segundo filho de Draco e Angela Alvarado. Fotos

Lançou a coletânea Libertad Del Alma (2001), que ficou na lista da Billboard, entre os 11 melhores álbuns latinos, com dois temas inéditos: "Commitment #4" e "Como Me Acuerdo". Para a música "Commitment #4", foi produzido um vídeo sobre a situação da Ilha de Vieques, que vem sendo utilizada como base para exercícios da Marinha dos Estados Unidos há pelo menos 60 anos, causando, comprovadamente, danos à saúde da população. Consciente politicamente, Draco luta a favor da causa de Vieques, e por este motivo acabou detido, de 6 de maio a 14 de junho de 2001, junto com o ator Edward James Olmes e o advogado ambientalista Robert Kennedy Jr., por invadirem a Zona de Segurança da Marinha da ilha ao promoverem um ato de desobediência civil. Draco destina parte da quantia arrecadada em seus shows para a causa de Vieques. Fotos

Em outubro do mesmo ano, a Phantom Vox colocou o site www.phvx.com no ar, explorando, apoiando e divulgando toda forma de arte de Porto Rico.

Draco encerrou 2001 com o show Libertad Del Alma Concert, em San Juan, Porto Rico, com o Coliseo Roberto Clemente lotado de fãs de todas as idades, que mais uma vez saíram satisfeitos de uma grande apresentação. Fotos

Participou do show Paz en la Paz, que aconteceu no Capitolio de San Juan, Porto Rico, em agosto de 2002. Deixou sua mensagem e criticou a triste realidade de sua busca pela paz. Fotos e Vídeo

No decorrer do mesmo ano, participou das gravações do especial de Natal produzido pelo Banco Popular de Porto Rico, intitulado Encuentro, junto a Rubén Blades e Juan Luis Guerra, com gravação de CD e DVD. O convite foi feito por terem sido considerados os três artistas de maior destaque e influência na América Latina e foi ao ar no final do ano. Fotos e Aúdios

Num misto de jazz e rock, em março de 2004 foi gravado o álbum Mad Love, com a maioria das canções em inglês, cujas canções "Crash Push", "Dancing In The Rain" e "Lie Without a Lover" foram as de maior sucesso. Letras e Mais Para Draco, Mad Love reúne 15 capítulos que mostram a pureza do homem em seus 'altos e baixos'. Saiu em turnê pelo mundo, passando por diversos países, como Japão, EUA, Espanha, França, Alemanha, Panamá, Argentina, Colômbia, Cingapura e Brasil. Vídeos , Argentina e Brasil

Depois de Mad Love, o álbum em espanhol Como Me Acuerdo foi lançado em agosto de 2004. Além das canções inéditas "Canción de Cuna" e "Bandera", Draco reuniu nesta recompilação vários sucessos, algumas com uma nova roupagem, como a canção "Cuando Pasará" e "Volver", que inclusive passou a se chamar "Bajo La Piel". Letras

Ainda no ano de 2004, teve três indicações ao Grammy Latino: "Melhor Álbum", "Melhor Música" e "Melhor Vídeo". O video "Más Y Más", dirigido por Angela Alvarado, levou a estatueta no dia 7 de setembro. Detalhe interessante: Draco não ficou com o prêmio. O mesmo foi doado à uma escola de arte de Porto Rico, como representação do que é lutar e triunfar. Fotos e Vídeos

Retornou a Porto Rico em grande estilo. No dia 18 de setembro de 2004 realizou o show Al Natural, no Coliseo José Miguel Agrelot (Coliseo de Porto Rico), com gravação do CD/DVD, lançado no ano seguinte, novamente com a direção de Angela Alvarado. Letras e Vídeo

No início de novembro, participou da 10.ª edição do Festival Rock Al Parque, na Colômbia. Tranquilo e sereno, deixou claro a importância do Festival em sua vida, com canções que geralmente nunca canta ao vivo. Fotos

Entre junho e julho de 2005, Draco excursionou pela Espanha, abrindo os shows de Lenny Kravitz e Juan Luis Guerra em suas turnês, apresentando o álbum Como Me Acuerdo. Fotos

Brindou novamente o povo boricua com o show Draco Live, realizados no Centro de Bellas Artes Luis A. Ferré, nos dias 16, 17 e 18 de setembro de 2005. Êxito total, com ingressos esgotados em pouco tempo, o que obrigou a produção a realizar mais dois shows extras, que aconteceram nos dias 20 e 21 de outubro, também com casa cheia. Draco foi enfático ao levar sua mensagem contra a guerra e a violência. Fotos

Durante a coletiva de imprensa, Draco apresentou um automóvel Scion, modelo XB, a ser leiloado no mesmo mês, no portal eBay. Levando seu autógrafo, o "dracomóvel" levou uma pintura semelhante às suas tatuagens, e foi assinada pelo artista Javier Garcia. Fotos

No dia 19 de dezembro do mesmo ano, o multi-artista Celso Gonzalez produziu uma exposição chamada El Ultimo Viaje: El Entierro de Robi Rosa, no Museu de Arte Contemporânea de Porto Rico. Simbolicamente, deixou o nome Robi Rosa de 1984 a 1996 para trás, e passou a usar simplesmente Draco, oficialmente. Mais

De 4 de fevereiro a 30 de julho de 2006, Draco emprestou seu Dodge Charger 1968 (é apaixonado por carros antigos) e sua valiosa guitarra acústica Everly Brothers, da marca Gibson de 1966, para exposição na Feira “ENCORE! Cars & Guitars of Rock‘n Roll II”, que se realizou no Petersen Automotive Museum de Los Angeles. Fotos

Convidado para se apresentar junto a Carlos Santana, Draco participou em julho de 2006 do "40th Montreux Jazz Festival", na Suíça. Além de cantar com Santana, colaborou com outros artistas, entre eles Deep Purple e Herbie Hancock. Para Draco, fazer parte do Festival foi uma consagração musical. Suas palavras resumem a emoção: "Para mi és um honor y um privilegio ser parte del Festival más importante del mundo. Mis más grandes inspiraciones vienen del jazz y el rock. Y estar em la misma tarima donde tocó Miles y compartirla com Santana és surreal!" (Tradução: "Para mim é uma honra e um privilégio fazer parte do Festival mais importante do mundo. Minhas maiores inspirações vem do jazz e rock. E estar no mesmo palco onde tocou Miles Davis e compartilhá-lo com Santana é surreal!) Fotos

Em setembro de 2006, Draco se separou da Sony Music, e passa a usar o selo de sua própria gravadora/produtora, a PHVX.

O ano de 2007 está sendo muito especial para Draco. No início do ano foi lançado um calendário, pela PHVX. No dia 10 de julho lançou sua mais nova produção: Draco Y El Teatro Del Absurdo, pelo seu próprio selo (inicialmente em Porto Rico), com canções que expressam muita poesia, esperança política e uma pitada de excentricidade. Letras

Nos dias 28 e 29 de setembro, os fãs se deleitaram com mais uma mostra de todo o talento de Draco, em shows que lotaram o Choliseo José M. Agrelot, em San Juan - Porto Rico. O cenário relembrou seu estúdio de gravação PHVX, em Los Angeles, com imagens de revolucionários, como o argentino Che Guevara, os portoriquenhos Filiberto Ojeda Ríos e Pedro Albizu Campos, e uma bandeira de Lares (centro de Porto Rico). Apresentou vários sucessos dos álbuns Frio e Vagabundo, sendo que a maioria das canções foram do álbum que dá nome ao show: Y El Teatro Del Absurdo. Uma das maiores surpresas foi a interpretação de sua própria versão do sucesso Livin' La Vida Loca ao megafone.

Até o final deste ano, Draco visitará a Espanha, onde lançará seu disco em uma versão que incluirá uma música do cantor espanhol Camarón. Logo mais, visitará a China em caráter pessoal e gravará outro disco.^{[carece de fontes?]}

Em 2008, Draco se concentrará em sua turnê de shows pela América Latina e diversas cidades da California.

Discografia

Menudo

1984 - Menudo - Mania
1984 - Menudo - Reaching Out
1984 - Menudo - Evolucion
1985 - Menudo - Explosion
1985 - Menudo - Ayer y Hoy
1985 - Menudo - Festa Vai Começar
1986 - Menudo - Viva! Bravo!
1986 - Menudo - Refrescante
1986 - Menudo - Refrescante (Portugues)
1986 - Menudo - Can't Get Enough

Carreira Solo

1988 - Robby Rosa (Portugues)
1989 - Robby Rosa (Português)
1988 - Salsa (Soundtrack)
1990 - Maggie's Dream
1994 - Frio
1996 - Vagabundo
1998 - Songbirds & Roosters (original 1984)
2001 - Libertad Del Alma (coletanea)
2002 - Encuentro (Com Rubén Blades e Juan Luis Guerra)
2004 - Como Me Acuerdo
2004 - Mad love
2005 - Al Natural (live)
2007 - El Teatro del Absurdo

1988 - Salsa - O Filme Quente
1988 - Homens de Verdade não Mascam Chiclete

PENSAMENTO

"Sou o negro gato de arrepiar. E essa minha vida é mesmo de amargar.Só mesmo no telhado aos outros desacato. Eu sou o negro gato" (Getúlio Cortêz)

Luis Miguel, um recordista de vendas de disco

2008-08-23T13:34:00.000-03:00

Abaixo Luis Miguel, ainda criança e o selo de seu primeiro disco.
Por sugestão da querida amiga Maria Isabel, de Coimbra, Portugal, buscamos saber um pouco do cantor Luis Miguel, que desde cedo começou a carreira artística de sucesso. Ainda um garoto de 11 anos de idade ele se apresentou pela primeira vez, em 1981, no programa de TV Siempre Domingo,
e agradou ao público. Muitas vezes, ainda um menino, esteve no programa do Gugu Liberato, que tem um programa aos domingos, Sistema Brasileiro de Televisão (SBT).
Miguel é um homem que vive longe dos escândalos, e atualmente está bem casado com Aracely Arámbula, com quem teve um filho em dezembro de 2006, e atualmente o casal já está esperando o segundo, mas não quer saber o sexo do bebê. Tanto faz ser menino ou menina. O casal quer esperar a novidade como nos velhos tempos, quando a criança vir ao mundo.
Autor de uma proeza invejável, o cantor Luis Miguel já vendeu mais de 60 milhões de discos e conquistou diversos prêmios por sua carreira bem sucedida, como por exemplo uma estrela na Calçada da Fama, em Hollywood, como reconhecimento pelo seu talento artístico, além de nove Grammys ( um feito e tanto para qualquer artista ), e bater o recorde em 1999 por tornar-se o cantor latino mais visto ao vivo na história da música.
Luis Miguel, embora tenha quase todas as mulheres do mundo aos seus pés, é um homem ciumento, pois quase termina com o casamento com a cantora, apresentadora e atriz mexicana, de 33 anos, Aracely Aràmbula (que atualmente tem um programa, aos domingos, voltado para os bebês), por ela ter aceito posar nua no ano de 2006. Mas, como resultado da reconciliação, os dois tiveram um filho em dezembro daquele ano. Luiz Miguel gravou seu primeiro disco em 1982, aos 12 anos de idade, e participou de seu primeiro filme, Fiebre de Amor, em 1984, então com 14 anos de idade. E, com 15 anos levou seu primeiro Grammy pela canção Me Gusta Tal como Eres, gravada em dueto com Sheena Easton. A consagração total se deu quando, aos 20 anos de idade, gravou um CD com título 20 Años, vendendo mais de 600 mil cópias em apenas uma semana. Não foi por menos que em 1994 o ponto alto de sua carreira foi gravar em dueto com Frank Sinatra a canção Fly With Me, do álbum do cantor americano Sinatra Duets II.

PENSAMENTO MUSICAL

"Pare.Não pense demais.Repare essas velas no cais. Que a vida é cigana. é caravana. É pedra de gelo ao Sol. Que degelou teus olhos tão sóis. Num mar de água clara" (Geraldo Azevedo-Carlos Fernando)

Luiz Miguel observa sua mulher Aracely dando de mamar ao filhos dos dois. Mais embaixo, a cantora e atriz em pose sexy

Ricky Martin torna-se papai

2008-08-21T23:34:00.000-03:00

Ontem os jornais do mundo inteiro publicaram que o cantor porto-riquenho Ricky Martin finalmente se tornou papai aos 38 anos de idade. A notícia foi dada pela assessoria do artista, que anunciou que Martin foi pai de gêmeos no dia seis de agosto de 2008. Porém, tudo aconteceu graças a uma mãe de aluguel, que não teve o nome divulgado. As crianças, que nasceram através do método de inseminação artificial, se encontram em bom estado de saúde e sob os cuidados de um dos mais famosos papai do mundo artístico.

PENSAMENTO MUSICAL
"Sei que há de vir o dia em que vou morrer. De susto de bala ou vício. Num principício de nuvens...Nos braços da camponesa, guerrilheira, manequim, ai de mim. Nos braços de quem me queira" (Canta Caetano Veloso)

Nico, a Rainha Dark

2008-08-19T14:16:00.000-03:00

Nico, a musa dark

Nesta postagem estamos prestando uma homenagem ao grupo Velvet Underground e à Rainha Dark, Nico, que foi uma das vocalistas da banda que também tinha como integrante o lendário Lou Reed. O material foi clonado da UOL e escrito pelo crítico e jornalista Alexandre Matias.

Usada pela primeira vez em público no lançamento mundial do ballet "O Quebra-Nozes" de
Tchaikovsky, em 1892, a celesta é uma espécie de xilofone acionado por um teclado, cujo som lembra uma caixinha-de-música. Havia uma no estúdio Mayfair, quando, em novembro de 1966, o Velvet Underground foi gravar a última música para seu disco de estréia. O produtor Tom Wilson - que havia monitorado a célebre gravação de 'Like a Rolling Stone', de Bob Dylan, e, depois de ir para a Verve, lançara o primeiro disco de Frank Zappa - queria um single e pediu mais uma música para o grupo, que havia encerrado a gravação de seu primeiro disco há mais de um semestre, em abril de 1966.

Ele também queria a modelo alemã Nico no vocal. Lou Reed até tinha uma música pronta para dar para Nico - não gostava da idéia de ficar em segundo plano em seu próprio show, mas o empresário Andy Warhol gostava dela e ele mesmo se aproveitava da situação -, mas não ia ser no primeiro single de sua banda. E assumiu ele mesmo os vocais de "Sunday Morning", restando a John Cale, que encontrara a celesta no estúdio, a criar um clima menos tenso e agressivo do que havia sido gravado meses antes.

CÂNDIDO E ASSUSTADOR
Com formação erudita e experiência em trabalhar em grupo - após estágios intensos com maestros excêntricos -, Cale havia sido responsável pelas gravações do primeiro disco do grupo, apesar da presença de técnicos de som e do próprio Andy Warhol pairando como produtor. Mas era ele quem dava forma, no estúdio, ao caos proposital que era o Velvet Underground ao vivo. Quando Wilson cogitou uma faixa mais tranqüila, aquilo fez completo sentido para Cale, que transformou uma balada lo-fi de Lou - veríamos várias primas dela no terceiro disco da banda - em um cândido e assustador clima de paranóia e ressaca, criando a melhor introdução para a tensão que viria a seguir.

A celesta cantarola uma melodia mecânica acompanhada por duas notas de baixo, que abrem a canção com cordas ao fundo e, pouco a pouco, a aparição da viola de Cale. Antes disso, Reed tranqüilo sussurra: "Cuidado! O mundo está atrás de você! Sempre haverá alguém por perto que irá chamar - e não é nada demais", acompanhado por vocais distantes de Nico. Dedilhando um pequeno exercício no instrumento, Cale criou uma introdução leve e barroca que reinventou uma música de bailinho para um ambiente hostil e agressivo - e, de quebra, apresentou o Velvet Underground ao universo das gravações postas à venda (o compacto saiu em dezembro de 1966 com "Femme Fatale" no lado B e, claro, não vendeu nada), como a abertura de um dos discos mais emblemáticos da história da música popular.

A ORIGEM DO CULTO
The Velvet Underground and Nico é o exemplo definitivo de como uma obra de arte pode dar origem a um culto. Concorrentes nesta categoria não faltam e a maior parte deles não tem nada a ver com música: o séquito de J.R.R. Tolkien e seu Senhor dos Anéis aos fãs de anime e mangá ou de cinema de horror, passando pela mitologia de Jornada nas Estrela e pela literatura beat. Todos eles iniciaram como uma mania de um punhado de malucos e foi crescendo até atingir maneirismos de religião, com dogmas, rituais, palavras de ordem, frases de efeito, vestimentas, hagiografia, templos e lugares sagrados. O que o Velvet vendia não era só um estilo de vida, era a negação de um estilo de vida. Foi quando pela primeira vez um item pop recusou-se a ser tratado como item à venda e em vez de dizer como era seu universo ideal, cogitava a possibilidade de não existir esse tipo de coisa.

Se o rock é um dos melhores exemplos do American Way-of-Life, quando o self-made-man torna-se astro, o rock alternativo, o gênero de artistas aparentemente desconexos, como Cure, Sonic Youth e Beastie Boys, e que nasceu propriamente no disco Velvet Underground and Nico é o culto ao outsider, à decadência européia, à Arte com letra maiúscula.

Cínicos e cinzas

Em vez de chamar os outros para juntar-se à sua igreja, o grupo nova-iorquino cogitava que cada um fundasse sua própria religião. De repente, sorrisos, músicas de amor e ritmos dançantes deixavam de ser a única opção no mercado de discos.

ERA 1967...
Claro que isso não é mérito único, uma vez que o Velvet nasceu na mesma geração que transformaria o rock na melhor tradução do espírito coletivo da época, fantasma que nos persegue até hoje. O amadurecimento da fusão de blues e country proposta por Elvis, Chuck Berry e Little Richards foi inaugurado no histórico encontro dos Beatles com Bob Dylan, quando Bob apresentou a maconha para o grupo, selando na forma de um baseado uma troca de experiências que já estava acontecendo em disco: Dylan ficando mais pop, os Beatles ficando mais sérios, ambos se comparando, sempre.

É quando o rock de garagem deixa de ser falta de opção e torna-se estética, quando nascem as primeiras cores da psicodelia californiana e londrina e Jim Morrison funda os Doors. O mítico 1967 teve o dom de mexer profundamente na carreira de qualquer artista vivo naquela época: Caetano, Godard, Beach Boys, Miles Davis, Zappa, Pink Floyd, Coltrane, Antonioni, James Brown, Kubrick, Who, Cream, só pra ficarmos em poucos medalhões. Não é de se estranhar que o estrago que o cinema europeu e o jazz moderno fizeram na história é contemporâneo, e conceitualmente muito próximo deste final dos anos 60. Mas foi o Velvet quem levou adiante o "foda-se" que o rock de garagem começava a dar para as regras do pop a partir de "Louie Louie".

Tudo no Velvet parecia pronto para se tornar objeto mitológico. Desde as origens de seus dois fundadores: Lou Reed era compositor de aluguel de uma gravadora de fundo de quintal e estudante de literatura, John Cale vinha da música de vanguarda e teve aulas com John Cage e depois formou o grupo de drone Dream Syndicate, com La Monte Young. O primeiro papo dos dois sobre tocar juntos deixa claro que ambos não queriam compromisso com o sucesso e sim fazer o que quisessem.

DANÇA DA AVESTRUZ
Lou, nova-iorquino, vivia, e ainda vive, uma cruzada pessoal: fazer rock como se fosse literatura. "Shakespeare e Dostoievski para os discos", dizia. Queria trazer a realidade das ruas de sua cidade para um veículo que fosse verdadeiramente popular. E sempre foi apaixonado por música pop, de diferentes níveis e vertentes: a ponto de gravar sua primeira canção aos 14 anos e arrumar emprego numa gravadora meia-boca. Antes de chegar à maioridade, foi submetido a tratamentos de choque, uma vez que seus pais queriam reprimir suas tendências homossexuais.

O galês Cale, por outro lado, aproximou-se do rock devido ao ruído. Com pouco mais de 20 anos, já havia experimentado alguns extremos musicais: foi um dos músicos que ajudou Cage a executar sua mais longa obra, uma peça de piano com 18 horas de duração e com o Dream Syndicate, esticava notas inteiras por horas, criando efeitos que remetiam à música oriental de meditação. Ao montar uma banda de rock, queria ir para além da música e extrapolar os limites do som.

Um protótipo de banda já existia antes da entrada de Cale, quando Reed compôs e lançou, pela gravadora em que trabalhava, a minúscula Pickwick, uma "dancinha" pra ver se colava no rádio. "The Ostrich" era algo como "A Dança do Avestruz". Só que Lou já se mostrava mais que irônico, uma vez que a letra da música falava para você enfiar sua cabeça num buraco e arrumar alguém para pisar em cima dela. A música foi lançada e Reed teve que montar o grupo que tocava a música para fazer alguns shows de lançamento. Os Primitives, uma banda que só existia em estúdio, começariam com a
entrada de Cale e de um amigo de Lou na segunda guitarra, o grandalhão Sterling Morrison, e o percussionista Angus MacLise. Trocaram de nomes algumas vezes (The Warlocks, The Falling Spikes) e fizeram alguns shows promovidos por rádio e tocaram para adolescentes que berravam pelo simples fato de estarem vendo uma banda de rock ao vivo - e logo se deram conta da piada que era aquele mundo das paradas de sucesso. E transformaram o avesso desta piada em seu rumo musical.

PORNOGRAFIA VAGABUNDA
Logo Lou Reed começaria a compor músicas com temas menos apropriados para o rádio, como drogas pesadas e sexo sadomasoquista. Este último tema havia sido tirado da capa do livro que batizaria a banda com seu nome definitivo. The Velvet Underground era um livro pornô vagabundo, mas sua capa cheia de chicotes, botas e couro, além da palavra "underground" (em voga devido à ascensão da cena de cineastas experimentais nos EUA na década de 50, do chamado cinema underground) no título deram um clique na cabeça de Reed. Era isso: mostrar o lado cru da vida, ser experimental como o cinema alternativo, mas fazendo rock. MacLise saiu da banda e Morrison chamou a irmã de um amigo para assumir a bateria. Maureen "Mo" Tucker logo daria sua contribuição crucial para a banda, além do ritmo preciso e constante (sem firulas, zero solo), ela tocava de pé seu kit de tambores e pratos. Que, para acompanhar o ruído da banda, começou a ter latas de lixo incluídas.

Quando começaram a fazer show no Café Bizarre, um muquifo no Greenwich Village, foram percebidos por alguns poucos perdidos que passavam por ali. O clima era tão fora do normal, tanto em termos toscos, quanto inusitados, que quando Gerard Malanga começou a dançar em frente aos shows do grupo, ninguém achou estranho. Misturando dança moderna e bicho-grilismo com verniz intelectual de araque, as coreografias de Malanga logo se tornaram parte das apresentações, principalmente quando a banda tocava "Venus in Furs" e "Heroin".

LANCE DE PELE
A primeira era uma música cujo título havia saído de um dos principais livros do pai do termo masoquismo, o austríaco Leopold von Sacher-Masoch, Vênus de Peles, e descrevia situações clássicas de relações sexuais que uniam dor e prazer, enumerando os clichês do gênero. Sem uma mudança de acorde sequer, a faixa era ponteada pela viola aguda de Cale, marcando o tempo da música como um misto de relógio e aparelho de tortura. "Heroin", o primeiro grande conto de Lou Reed, não tinha meios-termos. Começava provocativa desde o título e tentava traduzir em palavras o que acontece na cabeça de um viciado em heroína ("Eu... Não Sei... Onde estou indo..."). "Heroína... é minha vida, minha esposa", balbuciava Lou Reed depois da banda despencar de uma jam session de barulho ensurdecedor, alternando dois míseros acordes.

Em outras faixas tiravam o glamour das drogas, colocando-as na rotina mundana de qualquer periferia. Tanto "Run Run Run" quanto "I'm Waiting for the Man" (com seu piano martelando os dois acordes sem parar, batendo na cabeça do ouvinte) falavam da rua e da noite - e sua relação com o tráfico de drogas rumo ao consumidor final, seja em pós ou pílulas. A obsessão pelo sintético era traduzida no som, que ainda era uma banda de rock, mas tocando uma mesma estrutura rítmica sem parar, insistentemente. Nestas canções, o grupo se entregava em jam session que passavam dos dez minutos em cima de um mesmo tema, sem parar.

A CONEXÃO WARHOL
Um dos perdidos que percebeu a banda foi Paul Morrissey, cineasta nova-iorquino e compadre do artista plástico Andy Warhol. Ele acionou o parceiro na hora, sabendo que este procurava expandir sua noção de arte para outras mídias. Já havia causado nas artes plásticas ao mostrar telas com produtos expostos no supermercado e fotos de divulgação coloridas manualmente. Colidia os conceitos de arte e mercado de forma
provocativa, sempre perguntando para a crítica e para o público se aquilo era arte e como dizer que aquilo não era arte. Foi um dos caras que inventou o conceito de hype consciente e, depois dos museus e salas de cinema (fazia filmes intermináveis em que nada acontecia pois achava que a sala de cinema ainda era inexplorada como espaço de convívio social), queria abraçar o mundo da música pop.

Andy Warhol e o Velvet Underground foram feitos um para o outro. A banda caiu nos braços do artista, que brincava de ser empresário de banda de rock pela primeira vez e transformou o show da banda em um espetáculo com sua assinatura. E o show do Velvet logo se transformaria em um espetáculo multimídia chamado Andy Warhol Uptight!. Andy trazia toda a trupe da Factory (seu estúdio-base) para continuar o choque de sentidos que imaginava ser um show de rock. Acrescentou à dança a principal musa de seus filmes, Edie Sedgwick, que agora fazia dupla com Malanga. Sobre o grupo, rolavam projeções de filmes de Warhol e Morrissey, enquanto Danny Williams cuidava do sistema de iluminação, Nat Finkelstein tirava fotos dos espectadores sem se anunciar e Bárbara Rubin filmava o público e fazia perguntas constrangedoras para registrar reações tortas.

Era a versão nova-iorquina para o que já vinha acontecendo em San Francisco (nas festas de Ki-Suco Elétrico promovidas por Ken Kesey ao som do Grateful Dead) e em Londres (nas noitadas intermináveis do povo do jornal International Times, ao som do Pink Floyd). Mas se na Califórnia essa combinação parecia um monte de vagabundos chapados e na Inglaterra abria conexões improváveis com a cultura pagã e a era vitoriana, em Nova York ela era oferecida cínica e cinza.

A HORA DE NICO

A musa dark Nico

E para criar o contraponto para uma banda que se apresentava de preto e de óculos escuros, Andy chamou uma modelo e atriz que andava ao seu redor. Nico já havia participado de alguns filmes de Warhol e tinha um pequeno currículo invejável: uma ponta em La Dolce Vita, de Fellini, um filho que dizia ser de Alain Delon, uma música de Dylan composta para ela ("I'll Keep It With Mine"), um compacto lançado pela gravadora do empresário dos Stones e uma gravação com Serge Gainsbourg. Sua presença gelada e sotaque carregado ajudavam a abrir portas - ninguém resistia ao tamanho da mulher. Nem Andy Warhol, que a colocou sob um holofote branco e na frente do Velvet, fazendo Reed entregar algumas composições para ela.

Para Nico, Lou Reed passou "All Tomorrow's Parties", que ganhou o tom solene com sua voz. "Mo" segurava o ritmo constante, monótono, alternando bumbo e pandeiro, enquanto Cale novamente criava uma base repetitiva a partir de um exercício de piano clássico. O clima de estranheza era acrescido da guitarra de Reed, com todas as cordas afinadas em ré. Por cima de tudo, Nico sobrevoava como uma sombra gigantesca, anoitecendo as tais festas de amanhã com um vocal quase robótico.

As outras duas músicas de Nico haviam sido compostas para ela: a bossa-novinha "Femme Fatale" chegava a ser óbvia e era claramente um elogio a seus dotes "artisticos" e um agrado para Andy Warhol, enquanto uma das mais belas canções de Reed, "I'll Be Your Mirror", sugere até que, em algum momento, o próprio Lou havia cedido aos encantos de Nico. A banda não gostou da ingerência, mas ela não era parte do grupo, e sim de um novo espetáculo multimídia que Andy Warhol estava montando. E o Uptight!, que aconteceu na Cinematheque nova-iorquina em fevereiro de 1966, com mais cara de performance do que de show, era só o ensaio para o novo projeto do papa da picaretagem.

VAIAS E TRAPALHADAS
O Exploding Plastic Inevitable (o nome do novo espetáculo havia sido pinçado por Morrissey de palavras escolhidas aleatoriamente na contracapa do disco Bringing it All Back Home, de Bob Dylan, que traz Rubin na capa, ao lado de Dylan) rodou os Estados Unidos durante em 1966 sob vaias e trapalhadas. A completa inexperiência de Warhol em gerir uma banda era o melhor contraponto para uma banda que afrontava o público fora de Nova York. Junkies branquelos gays do mundo da moda e das artes plásticas, mesmo para os timidamente freaks anos 60, era muito pra cabeça das pessoas. Mas todo o barulho ajudava a lenda da banda crescer. Na Califórnia, se tretaram com os fãs do Grateful Dead e de Frank Zappa, mas chamaram a atenção de Marshall McLuhan. O nome de Warhol atraía um outro tipo de público para os shows de rock e a colisão entre pop e maturidade proposta no encontro dos Beatles com Bob Dylan ganhava contornos radicais e caricatos.

Mas toda a confusão era pequena perto do impacto sonoro do grupo. Explorando fronteiras do ruído inéditas para a música pop, o Velvet embarcava em jam sessions intermináveis ou em canções curtas e diretas, que aos poucos surgiam no repertório para tomar espaço de covers dos anos 50, como "There She Goes Again". Mas ainda havia improvisos insuportáveis como "Black Angel's Death Song" e "European Son", que eram feitas para incomodar o público. Era uma continuação natural da negação de Dylan ao tornar-se elétrico, só que os limites da eletricidade eram muito mais amplos.

ENFIM, O LANÇAMENTO
Quando a banda gravou o disco em abril de 1966, a relação entre o circo original já estava desgastada. Não havia previsão de lançamento do disco e a banda gravou sem ter um produtor de fato. Apesar da lenda manter que a produção do disco é de Andy, havia só uma pessoa com o mínimo de noção de gravação no estúdio Scepter (o técnico John Licata), o que forçou o executivo Norman Dolph a dar uma mão para a banda durante os registros. No fim, John Cale foi quem soube traduzir o espírito do grupo para o estúdio, embora Lou Reed nunca tenha dado o braço a torcer e prefira dar crédito a Warhol, que mesmo que não tivesse produzido o disco de fato, foi quem propiciou sua existência. O Exploding Plastic Inevitable se apresentaria pela última vez naquele mesmo mês - e o Velvet continuaria esperando notícias sobre o lançamento do disco.

Em novembro de 1966, voltaram mais uma vez para o estúdio, o Mayfair, para gravar mais uma faixa ("Sunday Morning"), pois o disco seria lançado em 1967. E assim foi, em março, com a clássica capa com a banana estilizada por Andy Warhol e o nome da banda antecendendo o nome da vocalista, em mais uma negação dos valores estabelecidos. A contracapa, no entanto, causou problemas para o grupo, pois havia uma foto em que o rosto do ator Eric Emerson aparecia projetado sobre a banda em um filme de Andy (Chelsea Girls). Correndo o risco de tomar processo, a gravadora MGM recolheu o disco das lojas na semana em que as resenhas começaram a aparecer nos jornais e revistas. Mesmo quem quisesse saber o que era o grupo não conseguia encontrá-lo.

O disco só voltou às lojas dois meses depois - e sem conseguir tocar no rádio (basicamente devido aos temas), o Velvet iniciava sua carreira cult ao
nunca figurar na parada dos 100 discos mais vendidos da semana, dando origem à clássica frase atribuída a Brian Eno: "Poucas pessoas compraram Velvet Underground & Nico. Mas quem comprou, montou uma banda".

Ricky Martin, um sucesso incontestável

2008-08-11T12:57:00.000-03:00

Rick, no tempo do Menudo e hoje
O tempo passa e a gente nem percebe. Parece que foi ontem que os integrantes do conjunto Menundos, do Porto Rico, estiveram no Brasil. Naquela época, só as adolescentes adoravam o grupo. A Imprensa execrava. Como ninguém queria comparecer à coletiva, eu fui. Centenas de adolescentes do lado de fora do hotel. No hall do hotel a coletiva tumultuada, com Edgard Diaz (proprietário e produtor dos Menudos) discutindo comigo por causa de um pergunta. Terminada a entrevista, na qual compareceu toda a mídia, olhei para um lado e vi um garoto encostado na parede, olhando para os jornalistas que não chegaram junto dele. Só os mais conhecidos eram procurados, inclusive para autógrafos. Mas eu fui até ele, que na época tinha 14 anos. Tímido ele me confessou como entrara no Menudo depois de duas tentativas fracassadas. Eu fiz uma premonição: "Menino, você vai chegar lá. Vai ser um cantor famoso". Bom, aconteceu. O nome do adolescente é Ricky Martin.
Enrique Martin Morales nasceu em San Juan, Porto Rico, em 24 de dezembro de 1971, filho de Nereida Morales e Enrique Martin Morales, que se separaram quando Rick tinha apenas dois anos de idade. Porém, o artista já era bonito desde o berço, e de saída ganhou o concurso de bebê mais lindo de Porto Rico. Seu caminho estava traçado. Com o incentivo da mãe tornou-se modelo infantil, além de atuar em peças de teatro, comerciais de TV e cantar em coro de igreja.
Finalmente, em 1984 o sucesso chegou em forma de conjunto Menudo (na realidade os rapazes do grupo gravavam discos e nos shows faziam apenas a mímica, pois não tinha instrumentos e músicos no palco), que superlotou o estádio do Morumbi, São Paulo, no ano seguinte, atraindo mais de 120 mil pessoas. Rick Martin passou um bom tempo como integrante do grupo porto-riquenho, saindo em 1989 para dar continuidade aos estudos em Nova Iorque.
Em Nova Iorque ele concluiu parte dos estudos e depois se transferiu para o México, onde trabalhou como cantor e ator na novela Alcanzar Una Estrela, no musical Mamá Ama el Rock e na versão para o cinema de Alcanzar Una Estrela. Finalmente, aos 19 anos lançou seu primeiro disco solo mas sem muita repercussão. Seus caminhos seriam abertos a partir de 1993 com o segundo álbum, Me Amaras, que teve um bom destaque no México, culminando com o sucesso Maria, do álbum A Medio Vivir, canção que foi incluída na nova Salsa e Merengue, da TV Globo do Brasil. O resultado foi uma vendagem no país de mais de 600 mil cópias do disco. Com o sucesso da canção Maria, ele gravou a canção tema do filme Hércules, da Disney, e ninguém segurou mais o rapaz.
Seu álbum de maior sucesso foi Vivin'la Vida Loca, culminando com uma turnê na Ásia, europa, EUA e América Latina, lotando todos os espaços por onde passou. O resultado da fama foram certas declarações de gente que diz que é sua amiga, como o guru dos cosméticos Ale Henriksen, que afirmou para uma revista que Rick Martin "é gay". Porém, isso pouco importa, pois em 2007 ele se apresentou em Lisboa, Portugal, no Pavilhão Atlântico (projetado pelo arquiteto português Regino Cruz), levando mais de 15 mil pessoas ao delírio, na continuidade de sua bem sucedida turnê Blanco y Negro. Nada mal para quem começou no Menudo e sobreviveu a toda aquela onde de Edgard Dias, um dos empresários mais vivos da música de Porto Rico. Ricky chegou à marca dos 32 milhões de álbuns vendidos e cerca de mais de oito milhões de singles.

Especialmente a postagem de hoje é dedicada a Maria Isabel, de Coimbra, Portugal. Ela é uma jovem que gosta da boa música, e atualmente na sua seleção de canções para ouvir enquanto dirige o seu automóvel está a composição Amor I Love You, interpretada por Marisa Montte junto com os Tribalistas Carlinhos Brown e Arnaldo antunes.

PENSAMENTO
"A sexualidade e sensualidade são coisas completamente diferentes. Sensualidade é algo que eu deixo para o meu próprio espelho (?)".

Elvis Presley, o maior de todos os tempos

2008-08-06T15:00:00.000-03:00

Elvis Presley em dois momentos de sua vida. Quando ainda era um jovem sonhador e no final, gordo e doente.

Ele foi um dos mais belos homens de seu tempo. Além do carisma natural Elvis Presley tinha uma voz excelente, ótima postura em palco e sabia explorar como ninguém toda sua sensualidade, ganhando assim fãs nos quatro cantos do mundo. Não é à toa que ainda hoje seus covers e imitadores fazem questão de manter a chama acesa em convenções anuais, participando de festivais interpretando Elvis Presley e tendo assegurado os "15 minutos de fama". Elvis Presley nasceu em East Tupelo, no Mississipe, nos EUA, no dia oito de janeiro de 1935, no berço de uma família muito pobre. Filho de Vernon e Gladys Presley, teve um irmão gêmeo que morreu pouco depois do parto, deixando um Elvis impressionado com a ausência do irmão.
Conhecido como Elvis The Pelvis pela sua maneira extravagante de dançar e requebrar nos shows, ele deixou um lagado musical que ainda hoje torna-o o maior vendedor de discos de todos os tempos, vendendo cerca de dois bilhões de cópias em todo o mundo. Mas o seu carisma artístico não se deteve apenas na bela aparência, mas também pelo timbre de sua voz, principalmente na maturidade. Por isso foi considerado o melhor cantor do Século XX. Ainda hoje, mesmo depois de morto, Elvis é embatível, e não tem substituto.
Ele foi e ainda é um dos maiores ícones da cultura popular mundial. O Rei do rock gravou dezenas e dezenas de hits que ficarão na história da música. Presley também foi galã de cinema, mas para quem gosta daqueles filmes musicais melosos produzidos para engordar a sua conta bancária e a do seu esperto empresário "Coronel" Tom Parker.
Dezenas de filmes foram rodados tendo Elvis como principal participante. Geralmente eram musicais onde o rapaz bonito se metia em encrencas e no fim ficava com a mocinha. Filmes tolos mas que não chegaram a abalar a seu prestígio.
Sua grande virtude somada à sua beleza física foi o seu alcance de voz, que atingia, segundo os especialistas, notas musicais de difícil alcance para um cantor pop. Com isso Elvis Presley conquistou o mundo, sem no entanto fazer uma turnê fora do eixo EUA-Hawaí-Canadá. No fim da carreira, excesivamente gordo, se acostumou em se apresentar nos cassinos de Las Vegas, e diga-se de passagem, tudo isso forçado pelo manager Tom Parker, que explorou o artista até quando pôde, sobrevivendo ao cantor.
Mas a verdade é que 31 anos depois de sua morte Presley continua the best, pois é detentor do maior número de hits nas paradas do mundo inteiro, tornando-se um recordista de vendas de discos. Elvis vem de ascendência escocesa por parte de seu pai Vernon, que viu seu filho participar de um concurso de novos talentos na Feira Mississipe-Alabama, faturando o segundo lugar e cinco dólares como prêmio. Com isso, o bonitão e mulherengo Vernon resolveu comprar um violão para o garoto.
Como era filho de uma família muito pobre, Elvis começou a trabalhar cedo, primeiro como lanterninha de um cinema e depois como motorista de caminhão para ajudar no orçamento da casa. Nas horas vagas costumava se distrair tocando seu violão e cantando músicas gospel, além do blues que ele costumava ouvir no velho rádio de sua casa. Em julho de 1953, aos 18 anos, gravou seu primeiro disco experimental no Memphis Recording Service, uma filial da Sun Records. Dizem que esse disco ele deu de presente para a sua mãe Gladys, já que era o dia de seu aniversário.
Pouco tempo depois ele voltou aos estúdios a pedido de Sam Phillips, dono da Sun Records, que lhe pediu para gravar músicas countrys e as que Elvis quisesse. Depois de um bom tempo de gravação, Phillips não ficou satisfeito com o resultado e pediu um tempo para almoçar. Os músicos, Elvis Presley e a secretária ficaram nos estúdios (ela no aquário da técnica). Foi então que o jovem Elvis Presley, descontraído, pediu para que o conjunto acelerasse o beat de That's All Right Mama, transformando assim, um blues em rock'n'roll. Quando Sam Phillips voltou, a secretária mostrou a gravação do improviso. Phillips arregalou os olhos e pediu para que ela aumentasse o som: "Meu Deus!, disse ele. "Encontrei um branco com a voz de um negro!". Foi o bastante para que as gravações fossem retomadas e o produtor pediu a Elvis e aos músicos que fizessem a mesma coisa que tinham feito na sua ausência. O resultado foi um disco com That's All Right Mama de um lado e Blue Moon Of Kentuck do outro. Elvis Presley e Sam Philips estavam com o mapa da mina nas mãos. As duas canções invadiram as rádios e os lares dos americanos. Os negros aceitando tudo por pensarem se tratar de um outro negro cantando. Já os brancos não estavam nem aí, pois o importante para eles eram as músicas que lhes faziam dançar.Elvis Presley tornou-se um ídolo em pouco tempo de costa à costa dos Estados Unidos, chegando a suplantar o então maior ídolo dos americanos, Frank Sinatra, simplesmente denominado de A Voz. Mas, se por um lado a juventude adorava seu ídolo, os pais simplesmente execravam aquele rapaz topetudo, de violão em punho e disparando seus sucessos e os sucessos dos outros, mas de uma forma tão irreverente que a igreja via no Rei do Rock uma espécie de êxtase sexual nos palcos. Na verdade era isso mesmo. As garotas molhavam as calcinhas e Elvis fazia um amor imaginário com todas elas.
Apesar de tudo correr bem e o dinheiro entrar na conta de Elvis e do "Coronel" como uma torrente, o cantor foi aconselhado pelo empresário e deixar tudo de lado e servir o Exército, como uma espécie de exemplo para a juventude rebelde. Elvis aparou os cabelos, vestiu o uniforme e foi para a Alemanha (nesse período passou a consumir anfetaminas para evitar o sono durante a guarda), não sem antes sofrer o maior drama de sua vida: Gladys, que era alcóolatra, havia morrido de um ataque fulminante do coração. Naquele momento, paradoxalmente à sua dor, o artista era o maior ídolo mundial de todos os tempos.

Elvis Presley era viciado em drogas? Cheirava cocaína? Usava heroína? Fumava maconha? Não. Nesse ponto Elvis era careta, mas consumia uma quantidade imensa de remédios prescritos pelo Dr. George Nickopoulos (era Elvis quem exigia, lógico). Ele perdeu o controle no início da década de 1970, quando era fissurado em leitura de bulas. Porém, sua angustia tinha uma razão de ser: tinha problema no cólon (deslocamento) que lhe causava dores horríveis, além de estar com um sério problema no fígado devido ao excessivo consumo de todo o tipo de comprimido, em Memphis, no Tennessee, na sua mansão, deixando viúva Priscilla Presley e órfão Lisa Marie Presley, que então contava apenas nove anos de idade. Elvis Presley morreu no seu banheiro particular.

PENSAMENTO
"No dia em que tiver em minhas mão um cantor branco com a voz de um negro, eu ganharei um milhão de dólares " (Sam Phillips, que realmente teve seu um milhão de dólares ao vender o passe do Rei do Rock para uma poderosa gravadora multinacional)

Lou Reed: "O punk está mais vivo do que nunca"

2008-08-02T23:39:00.000-03:00

Lou Reed, ao lado em recente entrevista no auditório do Austin Convention Center, este ano, e abaixo na década de 1970

Lews Allen Reed, mais conhecido como Lou Reed está com um pique de fazer inveja. Aos 66 anos está fazendo turnê para comemorar os 35 anos de lançamento do álbum Berlin. Este mês ele fez um de seus shows no Teatro Cervantes, em Málaga, Espanha, levando o público ao delírio.
Nascido em dois de março de 1942, no Brooklyn, Nova Iorque, nos EUA, Lou Reed, que foi um dos vocais solo da banda Velvet Underground, e influenciou artistas do quilate de David Bowie, Iggy Pop e o conjunto New York Dolls. Para muitos ele é o pai da música alternativa e poeta das esquinas de Nova Iorque, pois algumas de suas canções falam dos que transitam por lá.
Lou Reed é um artista sem papas na língua. Diz o que lhe vier na cabeça, e por isso mesmo tornou-se uma figura polêmica. Para variar, deixou meio mundo curioso com relação à sua vida particular quando descoloriu o cabelo e passou um bom tempo vivendo com um travesti. Inclusive, para não fugir às regras da época do sexo drogas e rock'n'roll, esteve internado devido ao seu envolvimento com drogas pesadas. Fã declarado de Edgar Allan Poe, James Joyce e Raymond Chandler, a quem fez referências no álbum The Blue Mask, de 1982, ele continua sua carreira com o entusiasmo de um adolescente, e dá a receita: "Nunca ouça suas coisas antigas. Se você faz isso, então não é mais um músico. Você é somente um idiota nostálgico auto-insatisfeito que não está mais interessado em inventar nada". Paradoxalmente Lou Reed saiu em turnê este ano para comemorar um disco lançado há 35 anos.
Incansável, o roqueiro agora está apresentando um programa na Rádio Satélite Sirius, semanalmente, batizado de Lou Reed's New York Shoffler. É um programa no formato livre e sua estréia aconteceu no dia 17 de maio de 2008 com grande índice de audiência. "Há anos sou fã da rádio eclética, como a rádio FM do passado, quando era possível ouvir estações tocando música de todos os tipos, desde o rock até o country, jazz e ópera. Vamos tentar levar aos ouvintes da Sirius sons de todos os cantos do mundo", disse ele, na véspera da estréia de seu programa.
Haja comemoração do álbum Berlin. Recentemente aconteceu a estréia do filme Lou Reed's Berlin, de Julian Schnabel, um documentário filmado em 2006. Mas segundo o cantor, poeta, compositor e instrumentista, o disco Berlin "simboliza e sintetiza o final de uma fase horrível na minha vida, que começou logo após o final do Velvet Underground". Apesar de estar numa rádio, Lou Reed detona a era digital: "A cultura digital tornou mais fácil fazer coisas péssimas". Ao longo de sua carreira, Reed lançou doze discos com o Velvet Underground e 27 álbuns solos, sendo que oito discos foram gravados ao vivo.

PENSAMENTO
"O espírito punk sempre vai existir, porque esse tipo de força jovem só tem duas opções: a música ou a cadeia. O punk está mais vivo do que nunca"(Lou Reed)

Iggy Pop: Eu sou uma mulher de verdade

2008-07-29T13:24:00.000-03:00

Abaixo a capa de um compacto simples da primeira banda de Iggy Pop que está na extrema direita. Ao lado o artista em uma de suas performances atualmente

James Newell Osteberg, o Iggy Pop, nasceu em Muskegon, Michigan, nos Estados Unidos da América, no dia 21 de abril de 1947, e logo cedo se interessou pela música. De uma criança tímida e introvertida ele se tornou um dos cantores mais performáticos da música pop. Começou tocando bateria na banda de sua escola ainda quando era um garoto, e chegou a gravar um single.
Em 1967, porém, ele tornou-se o líder e vocalista da banda Stooges, e suas apresentações nos shows levavam o público ao delírio. Sempre nu da cintura para cima, fazendo acrobacias antes inimagináveis, cortando-se com pedaços de vidros, melando-se com pasta de amendoim, e jogando-se sobre a platéia, tornou-se imediatamente o centro das atenções e um dos ícones do rock mundial. Os Stooges surgiram em 1967, tendo na formação o guitarrista Scott Asheton (bateria), Ron Asheton (guitarra), e Dave Alexander (baixista que depois deu seu lugar a James Williason no segundo álbum do conjunto). A banda, elogiada pela crítica e por um público cada vez mais sedento das performance de Iggy, durou cinco anos. Com o fim do grupo e depois de ter entrado pesado nas drogas, o vocalista resolveu seguir carreira solo. Não antes de se internar numa clínica de reabilitação para se livrar do vício que quase o leva à loucura.
Para conseguir segurar a barra de sua carreira e ter as chances que bem merecia, Iggy Pop contou com a ajuda de seu amigo David Bowe, que em 1977 produziu dois álbuns, The Idiot (em março) e Lust For Life (em setembro). Os dois discos chegaram às paradas, mas para dar uma ajuda mais substancial ao amigo, Bowie o convidou para abrir seus shows na turnê que faria. Foi o que bastou para a público conhecer aquele jovem, sem camisa e musculoso, interpretar suas canções de forma visceral.
A banda The Stooges teve uma passagem meteórica, mas marcou e destacou o nome de Iggy Pop, tornandou-o um ícone cultural das últimas décadas. Quem ainda não ouviu falar de Iggy Pop e seu jeitão meio maluco de se apresentar nos palcos de todo o mundo? A história está ligada a um show da banda de Jim Morrison, The Doors, em Chicago. Quando James Osteberg assistiu ao espetáculo voltou para o seu Estado e mudou o nome para Iggy Stooges. Montada a banda Pop tornou-se o centro do vulcão nos palcos, gritando, se contorcendo e fazendo mil peripécias , premiando seu público com as controvertidas apresentações, e assim tem sido assim até os dias de hoje. Não é por menos que Iggy Pop é considerado um inovador do punk-rock e do rock de garagem.
Homossexual declarado, Iggy Pop lançou seu mais recente álbum em 2007, The Weirness, e voltou com a antiga banda para uma longa turnê em 2008, a The Stooges Wirdness Tour.
Sua escandalosa declaração, que saiu em quase todas as revistas e jornais do mundo, não prejudicou em nada sua carreira: "Eu vi todas mulheres e vou te contar: sou mais mulher que qualquer uma delas. Sou uma mulher de verdade porque sou dependente, gentil e tenho o poder de dar amor de verdade. Por que você acha que um homem forte como David Bowie estava perto de mim?Ele é um homem de verdade e eu sou uma mulher de verdade como Catherine Deneuve".

PENSAMENTO
"Não sou bissexual. Aquilo foi apenas uma mentira. Eles me deram aquela imagem, então eu a mantive por alguns anos. Eu nunca pratiquei algo bissexual na minha vida, no palco, em discos ou em qualquer lugar". (David Bowie, em 1978, desmentindo uma declaração de 1972)

Marianne Fathfull: A musa dos Rollinfg Stones

2008-07-25T13:31:00.000-03:00

Ela, em 1964 e atualmente
Em meados nos anos de 1960 Marianne Faithfull fez a alegria da imprensa mundial e dos tablóides de fofocas graças ao seu relacionamento com Mick Jagger, Keith Richards e Brian Jones. Isso depois de ter um filho (Nicholar Santini Dubar) de um casamento com John Dubar. Além de doidona, de consumir drogas de todos os tipos, ela é uma ótima cantora e uma boa atriz, e com isso entrou para mundo do show buziness.
Neste mês de julho de 2008 Faithfull voltou a freqüentar a mídia graças a um colapso seguido de convulsão, em Milão, na Itália. A musa dos Rolling Stones foi diagnosticada pelos médicos como "sofrendo de exaustão crônica", e por isso sua turnê européia foi cancelada e reagendada. A artista vai ter que passar três meses só cuidando da saúde.
Marianne Evelyn Santini Gabriel nascida no dia 29 de dezembro de 1946, em Londres, filha de um oficial militar inglês e da baronesa Eva Erisso, é uma artista que sempre conseguiu ressurgir das cinzas. Quando todos pensam que já é carta fora do baralho, eis que ela aparece com um novo trabalho, e assim vem mantendo sua carreira desde 1964, quando tinha 18 anos e foi descoberta por Andrew Oldhan, gravando e fazendo sucesso com a música As Tears Go By, de autoria da dupla Jagger & Richards (a mesma canção foi gravada tempos depois pelos Rolling Stones numa interpretação magistral de Mick Jagger).
Envolvida na vida artística em plena efervecência dos atribulados anos 1960, Marianne Faithfull embarcou na orgia do "sexo, drogas e rock'n'roll". Tornou-se uma mulher que sofria de depressão profunda e consumia cocaína exageradamente. Após o primeiro sucesso, ela desapareceu de cena para viver à sombra de artistas famosos, principalmente os três integrantes dos Rolling Stones. Só em 1979, com o álbum Broken English, Faithfull voltou com força total, mas nem por isso mais cuidadosa com a saúde. Neste ano de 2008 lançou o disco House Of Boys, com uma boa repercussão na Europa. Faithfull com o filho, entre os hippies
Se ela quisesse poderia ter seguido uma brilhante carreira como artista pop, mas deixou que sua vida pessoal sempre andasse atrelada ao seu talento como intéprete. O público a conhece mais pelos escândalos estampados nas capas de revistas e jornais de todo o mundo, do que pelo seu repertório musical. Mas, o importante é que Marianne se reinventa sempre em diferentes gêneros musicais. Quando não está gravando ou fazendo shows, ela colabora com artistas do quilate de David Bowe, Roger Waters, Tom Waitts e Keith Richards, comprovando ser uma boa profissional. Como atriz trabalhou em diversos filmes e como escritura lançou em 1994 uma apimentada autobiografia.

PENSAMENTO
"As pessoas falam muita bobagem sobre casamentos felizes! O homem pode ser feliz com qualquer mulher, contanto que não a ame". (Oscar Wilde)

Tina Turner: 50 anos de carreira

2008-07-21T15:11:00.000-03:00

Quem diria. O furacão pop completa em 2008 50 anos de carreira, e em novembro completa 69 anos de idade. Não é para qualquer um continuar na carreira por tanto tempo e, o que é melhor, sempre fazendo sucesso. Este ano, nos 50 anos do Grammy Tina Turner se apresentou realizando um show histórico. Deixou todos se babando e reconhecendo o talento da cantora americana. Cher (cantora e atriz) foi quem introduziu a performance de Tina dizendo que a mesma é sua "grande amiga e heroína". Não é para menos, com quase 70 anos de idade, Tina Turner mostrou que está com pique, muita disposição e potência vocal. No show que deixou o público de boca aberta ela interpretou alguns de seus grandes hits como What's Love Got to Do With It, Better Be Good to Me e Proud Mary (esta em dueto com sua fã declarada Beyonce Knowles). Seu show foi considerado o melhor da noite.
Doze horas depois lá estava Tina Turner na Rússia, cantando para um público de mais de nove mil pessoas e para o presidente russo Dmitri Medvedev. A moça cantou nove canções fazendo a abertura para o Private Dancer. Enquanto isso, no dia 26 de abril de 2008, quando gravava um especial de TV para o programa de Opralt Winfrey, ela revelou que começaria uma nova turnê a partir do primeiro dia de outubro, iniciando giro na cidade de Kansas, nos EUA. Já seu novo CD inédito deve chegar às lojas no dia quatro de novembro de 2008. "A sabedoria vem com a idade, especialmente quando se está no nível em que me encontro. Ainda sinto que tenho algo a mais dentro de mim para oferecer, algo muito especial. Poderei ter 90 ou 100 anos, mas direi: 'Tenho isso de especial'.
Neste ano de 2008 Tina está com o mesmo entusiasmo e pique igual ao tempo em que ela começou sua carreira, em 1958, cantando na banda de Ike Turner. Seu verdadeiro nome é Anne Mae Bullock, e foi Ike Turner quem lhe deu o nome artístico de Tina Turner, que passou a aparecer nas capas dos discos depois do sucesso da canção A Fool In Love. A partir de então a banda passou a se chamar Ike and Tina Turner Revue, Logo as performances e a voz de Tina chamaram a atenção do público e da mídia. Entre os anos 60 e 70 Ike & Tina gravaram várias músicas que se tornaram hits. Os dois se casaram em 1962, e dessa união nasceu Roonie Turner . Ela já tinha um filho, Craig (1960), fruto de seu relacionamento com o saxofonista da banda Raymond Hill.
O casamento, ao longo do tempo, com Ike Turner chapado de cocaína e com uma ciumeira artística de dar medo, foi um verdadeiro tormento para a cantora, pois ele a agredia fisicamente e verbalmente. Não houve outra saída para ela a não ser pedir o divórcio, exigindo apenas para conservar seu nome artístico. Ela saiu da vida de Ike sem levar um tostão, as roupas e as jóias. De fato é uma heroína, pois teve que começar do zero, gravando seu primeiro álbum solo Tina Turns The Country One, em 1974, o primeiro dos 19 que gravou, incluindo o que será lançado em novembro deste ano. Como artista solo Tina Turner ganhou vários Grammys, trabalhou no cinema, participou de shows de diversos astros do show buziness, tem seu nome na Calçada da Fama, e em 2001 a rodovia principal do estado do Tennesse, teve seu nome mudado para Tina Turner Higway. Tina agora mora na Europa, para onde se mudou desde 1986 com seu namorado alemão Erwin Bach, um executivo da EMI Records. Os dois estão juntos até os dias de hoje.

PENSAMENTO
"Milagres acontecem. É por isso que não podemos acreditar neles". (Oscar Wilde)

Jani Joplins: "Faço amor com a platéia"

2008-07-18T12:25:00.000-03:00

Janis Joplin era uma mulher branca, com o rosto cheio de espinhas, baixinha, riponga, mas cantava blues, soul e rock com voz de uma cantora negra. Com isso conquistou fãs do mundo inteiro. Mas a moça sofria por não ter um amor verdadeiro. "Durante os shows eu faço amor com a platéia. Depois eu volto para o hotel e vou dormir solitária", disse ela, certa vez, desabafando sua depressão no auge da solidão.
Para suprir a ausência de amor, Janis Joplin bebia e fumava excessivamente, e também se entregava às drogas pesadas, numa mistura letal para a sua saúde. Morreu de overdose de heroína no dia 04 de outubro de 1970, em Los angeles, Califórnia, aos 27 anos de idade. Suas cinzas foram espalhadas pelo Oceano Pacífico, e Jani não viu o seu último álbum Pearl ser lançado. O disco só chegou às lojas seis meses depois. A vida da cantora foi retratada no filme The Rose, com a atriz Bette Midler fazendo o papel de Janis joplin.
No ano de sua morte ela esteve no Brasil no mês de fevereiro, época de carnaval, numa inútil tentativa de se livrar do vício da heroína. Ficou hospedada no Copacabana Palace, fez topless, embriagou-se, nadou nua na piscina do hotel, e quase foi presa pelas suas atitudes consideradas fora do normal. Foi convidada para desfilar numa escola de samba e, antes de voltar para os Estados Unidos, teve relação com o insípido "roqueiro" brasileiro Serguei e com um turista alemão, ao mesmo tempo, numa praia do Rio de Janeiro.

Solitária depois de um show
Hoje Janis joplin é lembrada por sua voz marcante, com as cordas vocais defumandas pelo tabaco dos cigarros que fumava, e pela escolha do repertório, soul, blues e rock, com letras quase sempre falando da dor e perda. Pena que ela não tenha o reconhecimento do público como deveria, e que os jovens de hoje tenham pouco conhecimento da obra da cantora americana. Em sua curta carreira, de l967 a 1970, Janis lançou quatro álbuns, com o último sendo póstumo. Ela também ficou conhecida pela extravagância nas indumentárias e no modo de se vestir. Infelizmente, para ela e para seu público, as drogas foram mais importantes que sua carreira.

PENSAMENTO POÉTICO
"Nua diante do espelho. A imagem invertida me faz parecer real. Se o sou realmente, por que não me sinto viva então?". (Karla Karenina)

Britney Spears: "Falem bem ou mal, mas falem de mim"

2008-07-15T13:57:00.000-03:00

A fama repentina afetou a jovem cantora americana Britney Spears, atualmente com 26 aninhos. Há dois anos que a bela artista vem aprontando todas e escandalizando. Bebe, briga, bate em fotógrafos, briga pelos filhos e escandaliza mais ainda quando deixa um fotógrafo dar um close no seu seu sexo totalmente depilado, enquanto desce de um carro.
Mas, ela não está nem aí para o que falam, e nisso Britney tem toda a razão do mundo. Porém, sua carreira está descendo pelo ralo e correndo para o esgoto. Recentemente, tentou gravar um clip para uma música de seu novo álbum. Estava gordinha e nervosa e o resultado foi desastroso. Em junho passado ela participou do clip When i Grow Up, do grupo Pussicat Dolls, mas sua imagem, que estava péssima, e sua performance ídem, foi cortada na edição final. Muito ruim para a moça que quer voltar a todo custo a ser uma das maiores estrelas da canção pop internacional.
Parece que Britney Jean Spears, nascida em dois de dezembro de 1981, em Kentwood, na Loisiana, EUA, não estava preparada para um sucesso tão rápido. Ela é uma artista que já vendeu mais de 80 milhões de álbuns, 50 milhões de singles e 70 milhões de DVDs. Uma marca memorável para tão pouco tempo de carreira. Só no Brasil a cantora pop vendeu mais de 1,6 milhões de discos, e é a única cantora a ter cinco álbuns entre o Top 5 da parada da Bilboard. Só para não contrariar, Britney também, com apenas 21 anos, ganhou uma estrela na Calçada da Fama.
Mãe de dois filhos, Sean Presto (14/09/2005) e Jayden James Spears Federline (12/09/2006), frutos de seu casamento (já terminado) com o dançarino Kevin Federline, a cantora não é muito chegada ao lar, e por isso já perdeu a guarda dos filhos por mais de uma vez. Foi a partir daí que ela perdeu a pose, passando a beber, freqüentar as noitadas, andar com gente barra pesada e, para o deleite do público e dos fotógrafos, andar de vestido e sem calcinha. Seu mais recente trabalho foi o álbum Bleckout, em 2007, e que, mesmo com os escândalos, vem vendendo muito bem. Britney começou a carreira artística aos oito anos, quando tentou participar do Mickey Mouse Club (Clube do Mickey), ao lado de Christina Aguilera e Justin Timberlake, mas foi desclassificada. Então, com, determinação, passou a estudar dança e teatro, conseguindo finalmente ser aprovada no Mouse Club.
Aos 15 anos deu seu primeiro grande passo para o sucesso assinando com a Jiver Records para gravar o álbum Baby One More Time, em 1998. O sucesso da canção título do disco fez com que Britney Spears fizesse uma longa turnê pelos Estados Unidos e alcançasse o primeiro lugar na Billboard, chegando a marca recorde de 24 milhões de cópias em seis meses. No ano seguinte chegou ao topo da glória e foi capa da revista Rolling Stone. Daí por diante foi sucesso atrás de sucesso. Mas, como num passe de mágica, a cabeça da moça ficou para baixo e ela passou a ser alvo de matérias que não ajudam em nada sua carreira. Chegando inclusive a raspar a cabeça. Sua voz tem um timbre doce e forte, e uma textura média, sendo classificada como soprano soubrette e possui um registro vocal de três oitava, atingindo as notas altas de forma suave e com pouco esforço. Nada mal. Boa cantora ela é, bonita também, só falta manter-se na trilha certa.

PENSAMENTO
"Entra em cena. Faz teu número. Faz meu gênero ser teu fã número um. Ali no gargarejo...Soltando beijos...". (Guilherme Arantes)

Dia Mundial do Rock

2008-07-13T14:51:00.000-03:00

O dia mundial do rock foi festejado neste domingo, dia 13 de julho. Abaixo transcrevemos matéria publicada no MSN.

por Sarah Lee

Caretice? Nasi desvenda o Rock e a sua data

O logo do Live Aid

13 de julho, Dia Mundial do Rock; você sabe por quê? Acha que é uma data aleatória? Pois antes de ligar o som no último volume ou curtir um dos shows que acontecem nesse dia, saiba de onde surgiu essa comemoração.

O Dia Mundial do Rock é comemorado no dia 13 de julho desde 1985, quando aconteceu o Live Aid – festival pelo fim da fome na Etiópia. O evento aconteceu simultaneamente na Filadélfia (Estados Unidos) e Londres (Inglaterra), reunindo nomes como Black Sabbath, Mick Jagger, David Bowie, Queen, Bob Dylan, The Who e Phil Collins, entre outros.

O festival organizado por Bob Geldof e Midge Ure arrecadou cerca de 150 milhões de libras (aproximadamente 283.6 milhões de dólares) para o fundo contra a fome na Etiópia; tão bem sucedido que a partir de então o dia 13 de julho ficou sendo o Dia Mundial do Rock.

Agora você já sabe tudo sobre a data, mas... e sobre o rock? Para isso, o ONNE conversou com quem entende do assunto – o roqueiro Nasi, ex-vocalista do IRA!.

O roqueiro Nasi

ONNE – Hoje em dia, a música em geral, e o rock também, é muito rotulada - classic rock, metal, grunge, new metal, emo – afinal de contas, o que é o rock?

Nasi - O rock passou por tantas transformações ao longo de 50 anos, tantos gêneros musicais foram misturados àquele ritmo criado pelos negros americanos, misturando elementos do blues, r&b e até do country (popularizado por artistas brancos como Elvis Presley e Jerry Lee Lewis) que é difícil você dizer o que é e o que não é rock em termos musicais, estritamente. Ao longo de 50 anos o rock foi misturado com música indiana, música eletrônica, com rap, com funk, com reggae, enfim, praticamente com todos os gêneros populares de música do mundo ocidental recente. Agora, eu acho que o que ainda restaria pra poder distinguir o que não é rock é uma certa postura jovem, jovial, uma música que se propõe a quebrar paradigmas e, digamos assim, estruturas de comportamento, e que seja um pouco barulhenta. Um pouco não, suficientemente barulhenta para chamar a atenção dos vizinhos.

ONNE - Na cena musical atual, você acha que isso ainda acontece, ou acha que tudo ficou meio molenga demais?

Nasi - Olha, a gente vive um mundo bem diferente daquele do rock da década de 50, em um pós-guerra, com a juventude precisando de uma liberação da sua sexualidade e da sua auto-suficiência maior; às vezes ficam inventando muitos nomes pra mesma coisa, eu acho que o heavy metal é o rock levado as últimas conseqüências de volume e de amplificação de instrumentos. E acho que existe um rock mais sinfônico, mais erudito, e um rock mais simples, que muitas vezes as pessoas chamavam de punk rock. Eu acho que o rock, como qualquer expressão artística, reflete o mundo em que vivemos, então se na década de 60 nós tivemos, por exemplo, um rock mais rico de conteúdo, é porque vivíamos uma época de mais conteúdo no pensamento humano, e hoje em dia eu acho que a gente vive um marasmo de um mundo extremamente rico em informação, mas extremamente pobre em reflexão. E quanto também à questão de estar mais chato ou não, eu acho que depende do ponto de vista, eu acho que cada geração sempre acha o seu rock mais interessante. Eu acho que o rock que eu curtia no final da década de 70 mais interessante que o da época dos meus tios, e acredito que a garotada de hoje deve achar o seu mais interessante do que o que eu curtia.

ONNE - E hoje em dia, o que você acha mais interessante?

Nasi - Olha, em termos de rock a coisa mais interessante que eu acho que surgiu foi o White Stripes, acho diferente por ser uma dupla, e que mexe no imaginário das pessoas, que não sabem se são casados ou se são irmãos, deixa até uma sombra de incestualidade no ar, é bateria e guitarra, uma formação praticamente inédita, e ao mesmo tempo eles lidam com registros e influências de músicas muito primitivas, como o blues; acho uma coisa muito diferente de tudo o que eu já vi antes.

ONNE - Você acha que é válido ter um dia pra comemorar o rock? Qual a importância de uma data como essa?

Nasi - (risos) Eu acho que a importância é principalmente pras revistas e pros sites como esse, que têm que entrevistar roqueiros como eu em um feriado (a entrevista aconteceu dia 9 de julho em SP), mas sinceramente, eu acho uma coisa bacana; uma coisa é verdade, o rock é um cinqüentão, é uma música que fez parte da transformação do homem em vários momentos, teve vários significados, então não deixa de ser hoje em dia compreensível que se estabeleça um dia para contemplá-lo. Mas como roqueiro, isso pra mim às vezes não tem sentido nenhum, porque o rock por existência é anti-institucional, anti-formal, contra-cultural até, então estabelecer um dia para é uma caretice muito grande, então eu acho também que a gente não deve levar isso muito a sério. É bacana, então que sirva para durante uma semana a gente ter mais show de rock, ter mais matérias sobre o rock, mas não é algo a ser levado muito a sério.

Siouxie Sioux: "A rainha gélida do rock"

2008-07-11T12:52:00.000-03:00

Siousxie Sioux foi punk, pós punk, new wave e enveredou pelos caminhos do rock alternativo. Já namorou o famoso Sid Vicious quando este tocou por um tempo na banda Siousxie & The Bachees, e foi "carimbada" pelo crítico de música inglês Simon Reynolds como a " rainha gélida " do rock. Mas, se o público esperava grandes escândalos por parte da moça que começou a vida trabalhando como modelo vivo da vitrine da loja da famoso estilista punk Viviane Westwood, ficou decepcionado.
Na realidade ela é uma grande intérprete com sua voz suave e veia artística herdada do pai alcoólatra, que morreu quando Souxsie tinha 14 anos de idade. Mais nova de três irmãos, ela nasceu Janet Susan Balion, em Bromley, ao Sul de Londres, em 1957. Durante sua adolescência ela começou a se aprofundar nas músicas que rolavam, e curtia nomes como David Bowie, Lou Reed. T Rex e The Stoogs. Como toda jovem que se presa não deixou por menos e fraquentou clubes e boates londrinas.
Susan Balion chamava a atenção pelas ruas e clubes londrinos pela maneira de se vestir. Adorava usar camisetas com palavrões e imagens sexuais, além de correntes e acessórios sadomasoquistas. Foi ela quem lançou o estilo de usar lápis preto delineador nos olhos, fazendo a moda que influenciou os punks e os góticos. Porém, sua entrada no mundo musical aconteceu quando ela integrou o Bromley Contingent, um grupo de jovens fãs do Sex Pistols, e do qual também fazia parte Billy Idol e seu amigo Steven Severin, com quem ela fundou a banda Siouxsie & The Bashees. Sua primeira apresentação como vocalista do Souxsie aconteceu durante duas noites do mês de setembro de 1976 no Punk Rock Festival, no 100 Club's, com produção da Malcom Mc Laren.

A banda Siuoxsie & The Bashees

Como todos sabem, ela namorou Sid Vicious quando ele fez parte do Siuuxsie & The Bashees. Mas foi um caso tão rápido quem nem deixou marcas, e Vicious continuou virgem, perdendo-a para Nancy Spungen. O Primeiro disco da banda foi gravado em 1978, o álbum The Scream (a banda terminaria em 1996, e ela adotaria desde o início o nome artístico Siouxsie Sioux), que gradou ao público e aos críticos. Com isso, a moça ganhou um Grammy de Artista Revelação. Nada mal para aquela moça que antes chamava a atenção de todos pelo jeito chocante de se vestir. ainda em 1981, ela e o baterista e percussionista Peter Edward Clarke, o Budgie, formaram a banda paralela The Creature. A convivência em palco e nos hotéis foi tão bom que os dois terminaram se casando em 1991. Enquanto não chegam novas notícias (dizem que os dois se separaram), o casal, que tem a mesma idade, mora numa fazenda num vilarejo do sudoeste francês, e lá construíram um estúdio e criaram o selo fonográfico Sioux Records. A sua música Hong Kong Garden fez parte da trilha sonora do filme Marie Antoinette, de 2006. Em setembro do ano seguinte a cantora lançou o álbum Montaray, e para não passar em branco, em 2005 ganhou o prêmio Icon Award. Uma prova que não precisa escancarar para se ter uma carreira digna e de sucesso, sem precisar apelar para os escândalos e envolvimento com as drogas.

PENSAMENTO
"Tenho incríveis perdas de memória sobre os anos 70. Por exemplo: não consigo lembrar nada, nada, do que aconteceu em 75 (1975)". ( David Bowie)

Sid & Nancy: um amor bandido

2008-07-07T17:04:00.000-03:00

Sid Vicious aplicando na veia, e abaixo com seu grande amor Nancy Spungen
Todos aguardavam o ex-baixista da banda inglesa punk Sex Pistols no apartamento da mãe dele, Anne Randall Ritchie, em Nova Iorque. Depois de ter saído da prisão mais uma vez, após ter quebrado uma uma garrafa no rosto de Todd Smith, irmão de Patti Smith, devido a brigas por ter se envolvido com a namorada do rapaz, Sid Vicious havia sido preso e naquele momento estava em liberdade. Sua mãe resolveu dar uma festa em sua homenagem e alguns amigos estavam presentes. Sid chegou com a namorada Michelle Robson, bebeu, brincou e foi se drogar no banheiro. Dizem que, quem forneceu a droga foi a sua própria mãe. Ele desmaiou. Quando voltou a si foi levado para o apartamento onde morava com Michelle. No dia seguinte foi encontrado morto, de bruços, na cama do casal, vítima de uma overdose. Ele próprio já havia prenunciado aquele tipo de morte.
O tempo é como um arquivo que guarda as lembranças boas e ruins, e a vida de John Simon Ritchie-Beverly, nascido em 10 de maio de 1957, em Londres, não tinha sido um mar de rosas. Conhecido como Sid Vicious, o baixista da banda punk Sex Pistols, ele se tornou um ícone da cultura punk, tendo inclusive participado da banda Siouxsie & The Banshees, e vocalista do obscuro conjunto Flowers of Romance. Seu pai, John Ritchie deixou sua mãe logo após o nascimento de Vicious. Foi então que Anne Randall resolveu ir embora para Ibiza, uma ilha espanhola, contando ainda com uma pequena ajuda financeira de John Simon, e para sobreviver passou a vender drogas. Mas, logo retornou para a Inglaterra, onde casou com Chirstopher Beverly, que morreu seis meses depois.
O tempo passou com muita dificuldade para mãe e filho. Em 1974 ele tentou estudar fotografia e também passou a vender drogas, incluindo LSD, em concertos de rock, para ajudar a mãe desempregada. Nessa sua vida de rua ele conheceu John Joseph Lyndon, que ficaria famoso com o nome artístico de Johnny Rotten, que chamava John Simon (Sid Vicious) de Sly. Fã de David Bowie, Sid se inspirava nele na maneira de se vestir e no corte de cabelo. E, entre frequentar a escola e levar uma vida de vagabundagem, Vicious preferiu seguir o amigo Lyndon, passando a morar em diversos squats (prédios abandonados), e acabaram por morar no apartamento de Linda Ashby, uma prostituta lésbica.
A vida estava difícil para Vicious quando ele encontrou o esperto Malcom Mc Laren que, para divulgar sua loja de roupas, estava criando a banda Sex Pistols. Óbvio que o garoto meio tímido e viciado em drogas foi convidado para ser um dos músicos, ocupando o lugar de baixista. Sem emprego e já com uma certa experiência, John Simon foi "batizado" de Sid Vicious e passou a fazer parte da banda mais importante do movimento punk. Sucesso rápido o conjunto fez, e mudou a história do rock, influenciando a criação de dezenas de outros grupos e da cena punk inglesa.
O pior para Sid Vicious (ele achava que tinha encontrado seu grande amor) foi conhecer a prostituta americana Nancy Spungen, uma drogada que colou nos músicos do Sex Pistols. Ele a conheceu no apartamento da amiga Linda, e nunca mais se largaram. Foi Nancy quem tirou a virgindade de Vicious e o levou para o mundo da heroína. Seus amigos de banda lhe diziam que ela era "uma drogada, vadia e interesseira", mas nada disso adiantou. A partir de então Sid & Nancy passaram a viver coladinhos, e juntos se afundaram nas drogas.
Quando a banda fez a turnê americana e se esfacelou, Sid e Nancy foram morar no hotel Shelsea, e em 1978 ela se tornou sua manager, e ele pensou que era a alma da banda. A conselho de sua namorada e empresária, resolveu fazer carreira solo, começando por fazer uma paródia da música My Way (de Paul Anka, sucesso na voz de Frank Sinatra), que se transformou num fracasso total. Além disso, todo o dinheiro que ganhava era gasto em drogas.
Finalmente o dia da tragédia chegou sem dar avisos e Nancy Spungen foi assassinada com uma faca no abdômen no banheiro do hotel, em 12 de outubro. Uns dizem que foi Sid Vicious que, drogado e com crise de ciúmes, acabou por matar o grande amor de sua vida (antes eles haviam feito um pacto de suicídio). Uma outra versão é de que foi um traficante que matou a moça. A verdade é que Vicious foi preso, tentou o suicídio várias vezes, mas foi solto graças a fiança de 30 mil dólares que a gravadora pagou. Ao se ver em liberdade, ele ainda tentou levar a vida namorando com Michelle Robson, mas tudo foi em vão. Seu fim estava próximo, e ele tinha apenas 21 anos de idade, ainda um garoto, quando deu adeus à vida.

PENSAMENTO
"Eu adoraria amar. Mas acho que perdi a capacidade de me apaixonar e esqueci o desejo. Sou muito concentrado em mim mesmo. Minha própria personalidade se tornou um fardo para mim". (Oscar Wilde)

Amy Jade Winehouse: uma kamikaze

2008-07-03T12:38:00.000-03:00

Uma bela mulher antes do vício
E pitando o crack

Ela tem tudo o que um simples mortal pode desejar. Tem fama, sucesso pela vendagem de mais de nove milhões de discos, e 24 anos de idade. Seu nome se tornou conhecido rapidamente, afinal começou a carreira aos dez anos, quando fundou a banda de rap Sweet'n'sour, de curto período de existência. Mas, aos 13 anos ganhou sua primeira guitarra e com 16 já cantava profissionalmente ao lado do futuro namorado, o cantor de soul Tyler James.
Nascida em Londres, no dia 14 de setembro de 1983, filha do motorista de taxi Mitchell Winehouse e da farmacêutica Amy Winehouse, batizada com o nome Amy Jade winehouse, tem tudo para dar certo e continuar trilhando sua carreira de sucesso. Porém, graças ao seu histórico de drogas de fazer inveja a Keith Richards, consome heroína, cocaína e crack. Ela foi criada ao lado do irmão mais velho Alex winehouse, e ainda muito jovem, já tem história como cantora, compositora de soul, jazz e R&B, tendo ganho cincoGrammy Awards.
Em janeiro deste ano ela foi internada e vigiada 24 horas por dia, pois todos temiam que Amy fugisse mais uma vez para buscar drogas nas ruas. Em fevereiro o Governo dos Estados Unidos lhe negou um visto para se apresentar na festa dos 50 anos do Grammy. O público presente à festa teve que se conformar com uma apresentação fez da Inglaterra para ser exibido num telão.
No dia 30 de maio Amy Winehouse fez um show desastroso no Rock In Rio In Lisboa, subindo ao palco bêbada, drogada, com hematomas no pescoço e com ligaduras na mão que a impossibilitava de pegar o microfone. Cem mil pessoas viram a cantora passar cinqüenta minutos para interpretar dez músicas dos seus dois álbuns.
Por essa e outras situações a moça já foi presa por diversas vezes, desmaiou na própria casa quando dava autógrafos para alguns fãs, foi interna num hospital e fugiu de novo para fazer uma grande farra de álcool e drogas. Todos chegaram a conclusão que, para Amy, o coquetel mortífero é uma maneira de vida ou um modo de viver. Os médicos já deram um aviso que, no próximo colapso Amy Winehouse chega ao fim da vida. E foram mais além: proibiram a artista de se apresentar ao vivo durante os próximos seis meses ou mais.

Pele sobre osso graças ao vício

PENSAMENTO
"Após um bom jantar, podemos perdoar todo mundo. Até mesmo os nossos parentes". (Oscar wilde)

Patti Smith: a poetisa do punk

2008-06-30T20:31:00.000-03:00

Ela foi umas divas do rock norte-americano e surgiu justamente durante o movimento punk, em 1975, com o álbum Horses. Poetisa, cantora, musicista e "poetisa punk", Patti Smith trouxe o lado feminista e intelectual à música punk. Ela, com isso, tornou-se uma das mulheres mais fluentes do rock and roll. Nascida em Chicago, Illinois, em 30 de dezembro de 1946, foi batizada com o nome Patrícia Lee Smith. Filha de pai ateu e mãe Testemunha de Jeová, teve uma infância pobre e teve que abandonar os estudos com apenas 16 anos de idade para trabalhar numa fábrica. Emprego que Pat renegou para o resto de sua vida.
Quando teve seu primeiro filho não fez questão de entregá-lo para adoção. Afinal, não tinha nem como sustentar ela própria. Em 1967 a poetisa performática resolveu mudar-se para Nova Iorque, e foi aí que começou sua trajetória vitoriosa e conturbada, quando conheceu o fotógrafo bissexual Robert Mapplethorpe, com quem teve um caso durante um certo tempo. Os dois se aceitavam nas suas dualidades pois ambos gostavam de homens e mulheres. Mapplethorpe era um artista conhecido no meio artístico e conhecido como documentarista da cena sadomasoquista gay.
Como expoente da pop-arte ele fotografou gente famosa, incluindo a própria Patty Smith, Andy Warhol e David Hocney, entre outros famosos da cena que rolava em Nova Iorque. Em determinado momento de sua vida ela resolveu se mandar para Paris, França, onde passou a fazer exibições de suas performances artísticas. Depois, voltou para Nova Iorque e teve vários amantes músicos, poetas e gente que agitava o cenário artístico da segunda metade dos anos 70. No início da década de 1970 ela pintou, escreveu e fez recitais, se virando da maneira que podia. Tanto que em 1971 atuou uma única vez na peça Cowboy Mouth, em colaboração com o roteirista e ator Sam Shepard. Patti, para ganhar algum dinheiro, também escreveu sobre rock na revista Cream e compôs com Allen Lanier, da banda Blue ôyster Cult, que gravou muitas canções com belas letras da artista e poetisa.
Em 1974 Patty resolver fazer seus próprios shows com a Patti Smith Group e assinou contrato com Clive Davis da Arista Records. Foi quando lançou seu primeiro álbum antológico Horses, que entrou para a história do rock como o melhor álbum de estréia de uma cantora. O disco contém uma fusão de rock and roll com o "proto-punk rock", com poesias recitadas. Para muitos um dos melhores álbuns de todos os tempos. Quem a fotografou para a capa? Mapplethorpe, que viria a morrer de Aids em 1989.
Depois disso, Patti Smith partiu para as turnês, e em meio a um show em Tampa, na Flórida, caiu de um palco altíssimo e quebrou várias vértebras do pescoço. Devido ao acidente ela teve que dar um tempo nas turnês e nas gravações para repousar e fazer terapia intensiva. Foi quando conheceu Fred Smith, ex-músico do Detroit-MC5 e se afastou do meio artístico durante boa parte da década de 1980. Seu casamento virou chacota, com os seus desafetos dizendo que ela só casara com o músico porque não teria que se esforçar para mudar o sobrenome.
Como desgraça pouca é bobagem, seu marido Fred sofreu um ataque cardíaco em 1994 e morreu. No mesmo ano seu irmão Todd, a quem ela tinha um amor especial, também morreu. Foi uma dose cavalar que desequilibrou a artista já mentalmente já frágil.
Seguindo os conselhos de amigos, Patti Smith procurou tratamento psiquiátrico, e levou tão a sério que se engajou ao apoio ao tratamento de doenças mentais. Em 1995 voltou a a aparecer em palco numa breve turnê, no mês de dezembroao lado de Bob Dylan. Quando seu filho fez 12 anos, Smith voltou para Nova Iorque e teve seu nome fixado no Rock And Roll Hall Fame. Seu mais recente trabalho fonográfico foi Twelve, de 2007. Ao todo a artista lançou cerca de dez álbuns, e em 28 de outubro daquele ano, se apresentou no Coliseu dos Recreios, em Lisboa, arrebatando uma platéia em delírio.

PENSAMENTO
"Não. Não há como mentir ou esconder. A dor que foi maior do que é capaz meu coração". (Geraldo Vandré)

Grace Slick: a deusa do rock hoje é uma velha senhora

2008-06-27T14:13:00.000-03:00

Ao lado e abaixo a deusa do rock
Grace Slick e Janis Joplin

Ela foi uma das vocalistas mais exuberantes do rock americano quando iniciou sua carreira na banda Jefferson Airplane, de São francisco, Califórnia. Grace Slick era idolatrada como uma deusa da beleza e da voz. Foi considerada por muito a musa do rock americano, e muitas cantoras se espelharam nela para seguir carreira. Mas, a deusa se envolveu com muitas drogas, incluindo LSD e se tornou uma alcoólatra.
Numa noite desastrosa de 1978, na Alemanha, já afundada no álcool e nas drogas, Grace não conseguiu se apresentar de tão bêbada. O público ficou agitado e quase que tem uma quebra-quebra no ginásio. Na noite seguinte a situação foi pior. "Quem ganhou a guerra?", gritava ela. "Nós perdemos a guerra?". O público alemão mais uma vez se enfureceu. Chapada, ela escandalizou a todos profanando e fazendo referências sexuais nas canções que interpretava. Naquele mesmo dia deixou a banda, mas terminou voltando mais uma vez. Porém, em 1988 ela deixou definitivamente a Starship, que já fora Jefferson Airplane e Jefferson Starship. Grace slick tinha, então, 48 anos de idade, uma veterana do rock, e resolveu se dedicar à pintura. Dez anos depois ela lançou sua autobiografia Somebody Love? A Rock And Roll Memoir. Tempos depois, em 2006, ela teve uma diverticulite e foi operada. Mas a operação deu errada, e ela mais uma vez voltou à mesa de cirurgia para corrigir o erro e fazer uma traqueostopia. Permaneceu em coma induzida por dois meses, e quando voltou a si, teve que aprender a andar novamente. Foi uma dura batalha, mas ela venceu. A deusa estava viva e firme para encarar a vida de frente.
Filha de Ivan W. Wing e Virginia Barnett, Grace nasceu em Evaston, Chicago, em 30 de outubro de 1939. Quando abandonou a faculdade no início dos anos 60, tornou-se cantora e modelo por algum tempo até entrar como vocalista na banda Jefferson Airplane, que foi o ponto alto de sua carreira. Nesse período teve um relacionamento com Jim Morrison, foi amiga de Janis Joplin e manteve um breve relacionamento com Jerry Garcia, do Grateful Dead. Mas sua filha China Wing Kantner, nascida em 1971, foi fruto de seu relacionamento com o músico Paul Kantner, também da Jefferson Airplane.
Hoje, uma velha senhora
Durante toda a sua carreira musical Grace Slick participou de várias bandas e as diversas formações da Jefferson Airplane. Depois, seguiu carreira solo e gravou algumas canções notáveis. Grace era uma excelente cantora e escolhia bem as músicas que iria interpretar. Mas em 2007, ela teve uma surpresa desagradável, a canção We Built This City foi escolhida como a pior de todos os tempos pela revista de rock Blender. Porém, o mais importante é que ela entrou para a história e a glória do rock, e hoje seu nome está no Hall da Fama.

PENSAMENTO
"Preferia perder meu melhor amigo ao pior inimigo. Para ter amigos, só é preciso boa índole; mas quando o homem não tem mais inimigos, certamente há algo desprezível nele". (Oscar Wilde)

Madonna: 50 anos em agosto

2008-06-24T17:14:00.000-03:00

Abaixo Madonna beija Britney Spears

Ela é
poderosa e pode se dar ao luxo de deixar os puritanos de cabelos em pé. Numa de suas aventuras, já famosa com o nome de Madonna, ela cismou de pegar um daqueles negão do Bronx para uma noite de amor. Entrou na sua limousine e mandou que o motorista percorresse as ruas onde a barra pesada costumava ficar. Em determinado momento apontou para um jovem e disse: "Chame aquele ali". O motorista foi, falou com o rapaz e o trouxe para dentro do carro. O sorteado tomou um susto quando viu Madonna, e outro susto maior ainda quando estava na alcova da cantora, onde passou uma bela noite regada a sexo e bebida. No dia seguinte Madonna mandou que seu motorista levasse o rapaz, mas não sem antes lhe pagar pela bela noite de êxtase que lhe proporcionara. Na volta o motorista falou com Madonna: "Patroa, e se ele espalhar por aí que passou a noite com a senhora?". Madonna soltou um sorriso matreiro: "Quem vai acreditar que um desses rapazes de rua passou a noite com Madonna?".
Em agosto Madona Louise Veronica Ciccone Ritchie completa 50 aninhos de vida e 26 anos de carreira profissional. Cantora, compositora, dançarina, diretora de cinema, atriz, produtora e instrumentista, Madonna já ganhou oito Grammy, um Globo de Ouro e dois Oscar, se tornando a mais bem sucedida cantora da história da música pop, e ainda hoje superlota os locais onde apresenta os seus concerto. Em 11 de março deste ano ela entrou para o Hall da Fama do Rock and Roll, merecidamente.
Filha do engenheiro Silvio P. Ciccone e de Madona Louise, que morreu de câncer de mama quando a cantora tinha apenas cinco anos de idade, ela nasceu no Bay City Hospital, em Baby City, Michigan, em 16 de agosto de 1958. Não é a única filha do casal, pois Madonna tem quatro irmãos, Martin, Mario, Christopher e Antonhy, e três irmãs: Melaine, Paula e Jennifer. Seu pai, após a morte de sua mulher, casou com a empregada da casa, Joan Gostafson, que é sua segunda mulher até os dias de hoje.
Atualmente, juntando e os escândalos que gostava de se meter como uma forma de marketing, Madonna já vendeu mais de 220 milhões de álbuns e 150 milhões de singles em todo o mundo. É a cantora que mais vendeu discos na história mundial da indústria fonográfica, e sua turnê mundial de 2006, Confessions Tour, foi a segunda que mais arrecadou dinheiro. Ela também retém o título de cantora mais rica do mundo, com um patrimônio de cerca de US$ 850 milhões, entrando para o Guiness Book of Records como A Artista Feminina Mais Bem Sucedida de Todos os Tempos. Pode? Para Madonna tudo é possível, e hoje, às vésperas de completar meio século de vida, está mais linda do que nunca, cantando e encantando seu público. Mas, tudo começou em 1982, com o álbum Everybody, que resultaria no estouro do disco Like a Virgen, de 84. Depois disso, ninguém mais segurou a moça. Antes ela havia participado das bandas Breakfast, como baterista, guitarrista e vocalista, e na Emmy. é verdade que nem tudo foi sucesso na sua carreira, pois certa feita o dinheiro faltou e ela passou por um período muito ruim de sua vida. Mas o que importa é a sua coragem de deixar a casa dos pais e bater em Nova Iorque sem nenhum tostão no bolso para dali começar sua trajetória bem sucedida.

PENSAMENTO MUSICAL
"Que falta eu sinto de um bem. Que falta me faz um xodó. E como eu vivo sem ninguém. Eu levo a vida assim, tão só " (Dominguinhos)

Courtney Love: Drogas desde os 12 anos de idade

2008-06-20T15:33:00.000-03:00

Como é o nome dela? Courtney Michelle Harrison ou Cortney Michelle Rodriguez? Não será Courtney Michelle Menely? Não importa. Ela é conhecida pelo nome artístico de Cortney Love e por ter casado com o vocalista do Nirvana kurt Cobain. A cantora, atriz, compositora e ex-líder da banda de rock alternativo Hole teve todos os nomes citados por causa dos quatro casamentos que sua mãe teve. E, por isso mesmo, Courtney teve vários padastros.
De fato mesmo ela nasceu em 09 de julho de 1964, é filha do escritor e ex-rodie do Grateful Dead, Hank Harrison, e da terapêuta Linda Carrol (filha da escritora americana Paula Fox, que recentemente escreveu sua autobiografia Her Mother's Daughter). O casal se separou quando Courtney ainda era uma criança, e com Linda acusando Hank de ter dado LSD a uma pequenina Love de apenas quatro anos de idade. Loucura geral, e por isso mesmo Courtney passou um bom tempo morando numa comunidade hippie e depois estudando num colégio da Nova Zelândia. Ela passou sua infância vendo sua mãe mudar de casamento e dar para a filha cerca de quatro padastros.
Com tanta encrenca na vida Cortney se tornou uma perturbada e começou a usar drogas a partir dos 12 anos de idade, juntamente com o consumo de álcool. Love foi uma doidona precoce de plantão e passou um bom tempo em reformatórios e centro de detenção para menores. Ela era presa geralmente por furto. Mas, aos 16 anos de idade ela foi emancipada e passou a ter uma pensão de 800 dólares mensais estabelecidos pelos seus avós maternos adotivos. Utilizando todo tipo de droga, inclusive a heroína, ela passou a explorar um mercado do sexo e tornou-se uma striper de plantão, tirando a roupa em clubes privês dos Estados Unidos, Europa, Japão e Taiwan. Quem lhe deu o nome artístico de Courtney Love foi seu ex-namorado Rozz Rezebek, vocalista da banda Theatre Of Sheep.
Frances Bean Cobain
Nada mal para ela que, com sorte, ao voltar para os Estados Unidos começou a trabalhar no cinema aparecendo em cerca de 21 filmes (incluindo documentários). Em 1991 ela se reencontrou com Kurt Cobain e os dois se tornaram amantes para depois casarem-se em 1992. Em agosto daquele ano nasceu Frances Bean Cobain, fruto da união de Kurt com Cortney. Em determinado momento, dois anos depois, de tanta droga, a barra ficou pesada para os dois, que se internaram numa clínica de reabilitação. Kurt Cobain não aguentou e fugiu da clínica para dar um tiro na cabeça em 08 de abril de 1994, em Seatle. Quatorze anos depois Cortney Love continua fazendo shows solos. Recentemente ela chegou a vender vinte e cinco por cento dos direitos das músicas do Nirvana para uma empresa americana, embolsando cerca de 50 milhões de dólares. Nada mal.

PENSAMENTO
"Eu faço meu tempo. Mas tenho que questionar o que eu quero fazer todo tempo por causa dos meus pais, por causa da vida que vivo". (Frances Bean cobain, de 16 anos de idade)

Mick Jagger: acertar as contas com o diabo

2008-06-16T14:12:00.000-03:00

Jaerry Hall

Mick Jagger ontem e hoje

Michael Philip Jagger é o vocalista mais famoso do mundo do rock. Nasceu em Dortford, em 26 de julho de 1943. entrou nos Rolling Stones no ano da fundação da banda, em 1962, e atualmente é quem cuida dos negócios de uma das bandas mais famosa do Planeta Terra. Sua fonte de inspiração para cantar e fazer performance no palco foi o cantor negro americano James Brown. Jagger, além de ser um cantor fantástico é um busisnesman, e acertou quando abandonou a London Scholl Of Economics para se dedicar aos Stones. Para se ter uma idéia de como vão os negócios de Jagger e companhia, na recente turnê A Bigger Bang, o faturamento foi de 414,3 milhões de dólares. Na vida particular Mick Jagger não está nem aí para o que falem dele. Teve um caso com o cantor David Bowie, tem sete filhos, Karis (1970) com Marsha Hunt; Jade (1971) com Bianca Jagger; Lizzy (1984), James (1985), Georgia (1992) e Gabriel (1997) com Jerry Hall, e Lucas (1999) com a brasileira Luciana Gimenez. Na época das declarações bombásticas ele disse: "Eu nunca saí com
Bianca Jagger
uma dona-de-casa, e nunca sairei. Quando minha filha Jade ficar mais velha, vou mandar ela ter
cuidado com homens como eu".

Em 12 de dezembro de 2003 ele foi considerado com o título de Cavaleiro do Império Britânico, e segundo o diretor de cinema Julien Temple, de 53 anos, disse na BBC que o astro teria feito (aos 63 anos) tratamento para o aumentar o pênis. Com isso, ele segue em sua atividade sexual a mais de mil por hora. E, segundo as mulheres, é preciso ter cuidado com o velho, que é conhecido como "bateu-ficou", isto é,brincou ele faz filho.
Mick estava escrevendo sua biografia, mas desistiu: "Me ofereceram muito dinheiro, por ter achado isso tentador, comecei a escrever. Eu fiquei sentado por horas falando do passado e achei um tédio". Jagger revela que seu maior medo é chegar o dia em que não puder subir num palco para cantar, mas diz que seguirá cantando até o fim de seus dias, mesmo usando uma bengala.

PENSAMENTO
"Um dia terei que acertar minhas contas com o Diabo, mas por que deixar de desfrutar o sol de hoje para pensar nas nuvens de amanhã". (Mick Jagger)

Charles Watts: um dos melhores do mundo

2008-06-12T12:23:00.000-03:00

A elegância de Charles Watts
Ele é um homem rico, de bem com a vida, criador de cavalos puro sangue e toca bateria na mais antiga banda de rock em atividade. Seu nome está cravado no Hall da Fama do Rock'n'Roll como um dos melhores bateristas do gênero. Seu nome é Charles Watts e está com os Rolling Stones desde 1963 (a banda foi fundada em 1962) e sempre foi um profissional discreto no palco e na vida particular.
Durante as viagens dos Stones, Watts não se envolve em farra com as groupies (fã que vai para a cama com seus ídolos), pois sempre foi fiel a Shirley Ann Shepherd, sua mulher, com quem casou em 14 de outubro de 1964. Da união nasceu a filha do casal Seraphina Watts, em 18 de março de 1968.
Nascido em 02 de junho de 1941 (fez 67 anos este mês), Robert Charles "Charlie" Watts é filho de um motorista de caminhão e de Jessica Mort Watts, que deu a luz ao seu filho no University College Hospital, em Londres, Inglaterra. pouco tempo depois Charles ganhou uma irmã, Linda Watts. Em 1960 ele tocava bateria numa banda local quando foi convidado por Alexis Korner para tocar em sua banda, a Blues Incorpored, e ele topou no ato. Enquanto isso trabalhava numa agência de publicidade, no departamento de arte. Mas quando entrou nos Roling Stones, em 1963, largou o emprego e se dedicou em tempo integral aos Rolling Stones. Com seu gosto refinado pela música, o baterista deu um toque especial aos Stones, sendo considerado um dos melhores do grupo inglês.
Charles Watts, um fã do jazz, sempre seguiu uma carreira paralela, tendo criado o Quinteto Charles Watts, que tinha como vocalista Bernardo Fowler. Quando a maior banda do mundo entra em férias, ele sai em turnê com seu grupo. Tanto que, em 2004, depois de diversas apresentações de sucesso pela Europa, ele lançou o CD Watts At Scotts, que foi gravado pelo seu novo conjunto The Charlie Watts Tentet.
Certa feita, quando terminou uma apresentação no Rio de Janeiro, no Estádio do Maracanã, e Mick Jagger apresentou os integrantes da banda, o público foi ao delírio quando o nome de Watts foi citado por Jagger. Os aplausos duraram cerca de cinco minutos, deixando o tímido baterista meio sem graça. Mas isso é natural, pois Keith Richards, em entrevista à revista Guitar Player, afirmou que "os Rolling Stones não seriam os Rollings Stones sem Charles Watts". Os músicos de rock e de outros gêneros o consideram um "poderoso e talentoso" baterista, e muitos jovens bateristas admitem que sua influência é seminal sobre os estilo de cada um deles. Apesar de ser o mais discreto músico da banda, em 1980 Watts teve que se tratar para se livrar do vício da heroína e das anfetaminas. Segundo sua mulher Shirley e sua filha Seraphina, ele havia adquirido o vício durante as longas turnês dos Stones. Afinal, ninguém é perfeito e de ferro.
Ele se livrou do vício e passou a gastar dinheiro com roupas, tornando-se obcecado pela elegância. De fato, Charles Watts é um dos roqueiros mais elegantes do mundo, e faz questão de demonstrar isso. Apesar de seu jeitão pacato não se controlou quando Mick Jagger, no seu quarto de hotel, perguntou: "Onde está meu baterista?". Watts vestiu seu paletó, ajeitou seus cabelos, desceu e foi até o quarto do amigo: "Nunca mais me chame de novo de seu baterista!". Disse ele metendo um safanão em Jagger: "Você é que é o meu cantor funcking!". Deu meia-volta e foi embora. Mas o episódio não abalou a relação dos dois, pois Mick Jagger naquele momento estava de ressaca e ainda meio bêbado. Em 2004 Watts descobriu que estava com câncer na garganta. Deu um tempo, fez tratamento com quimioterapia, se livrou da doença e depois voltou para os estúdios e para os shows com os Rolling Stones e com sua banda de jazz.
PENSAMENTO MUSICAL
"Não pare na pista. Pois desse jeito o carro pode lhe pegar. Meu bem não insista. É muito cedo pra você se acostumar" (Raul Seixas)

Bill Wyman: "Eu gosto é de ninfeta"

2008-06-08T13:18:00.000-03:00

Ele é o mais velho dos fundadores dos Rolling Stones. Atualmente está com 72 anos, mas continua na ativa fazendo turnê com sua banda Rhythm Kings. O baixista Bill Wyman era considerado um dos mais quietos da banda inglesa. Em compensação chutou o balde quando namorou uma modelo inglesa de 13 anos de idade, Mandy Smith. A Imprensa caiu no pau, o público ficou de boca aberta e o restante morreu de inveja, afinal Wyman já tinha quase 50 anos de idade quando começou a namorar a ninfeta.
O casamento com a jovem Mandy Smith aconteceu em 1989. Entre tapas e beijos os dois conseguiram se suportar até 1991, quando se divorciaram. Ele também foi o primeiro da formação original a sair da banda. No entanto mantém uma amizade sólida com Mick Jagger, Keith Richards e Charles Watts. Quando ele saiu dos Rolling Stones o baixista Mick Taylor entrou no seu lugar.
Autor dos livros Stone Alone e Rolling With The Stones, com a autorização e aprovação dos integrantes dos Stones ele, além de ser arqueólogo amador, abriu um café em 1989, o Stick Fingers, em Kensing, Londres, que tem uma temática voltada para o rock'n'roll e ainda expõe peças dos músicos dos Rolling Stones, de roupas até os instrumentos de Jagger, Richards e Watts. O ex-gerente dos Stones, Andrew Loog Oldham, fala sobre o baixista: "Wyman é o mais em paz com ele mesmo". Vá se tentar saber o motivo. Wyman e Mandy Smith
Bill Wyman nasceu no Lewisham Hospital, ao sul de Londres, em 24 de outubro de 1936. Filho de William Perks, um pedreiro e de Moly Perks, uma dona de casa, é um dos cinco filhos do casal. Levando uma vida difícil como pedreiro, seu pai lhe arranjou para o filho adolescente um emprego de bookmaker para ajudar no orçamento doméstico. Afinal a vida da família não era fácil, mas mesmo assim Wyman teve aulas de piano dos 10 aos 13 anos de idade.
No entanto ele se achou quando começou a tocar baixo e não largou mais o instrumento e passou a tocar com uma banda chamada The Cliftons. Em março de 1962 nasceu seu único filho Stephen Paul Wyman, do casamento com a bancária Diane Cory. Wyman estava passando por um período meio difícil em sua carreira artística quando o baterista Tony Chapman lhe disse que que os Rolling Stones estavam procurando um baixista para ocupar o lugar de Dick Taylor. Ele passou no teste feito pelos outros músicos e entrou para a história da banda a partir de 1962. Sempre na dele, se aguentou ficar nos Stones até o final da década de 80. A vida agitada e conturbada do grupo perdera o encanto para ele.

PENSAMENTO MUSICAL
"Mantém (o sistema) você drogado com religião, sexo e TV e você se acha tão astuto, sem classe social e livre". (John Lennon)

Brian Jones: Talento, drogas e asma

2008-06-06T13:14:00.000-03:00

Tão doidão quanto Keith Richards só mesmo Lewis Brian Horpkin Jones, filho de Lewis Blont Jones e Louisa Beatrice Jones, um casal da classe média britânica, uma vez que o pai era engenheiro aeronáutico e a mãe professora de piano. Brian Jones veio ao mundo em 28 de fevereiro de 1942, no Park Nursing Home, em Cheltenham, Gloucestershire, também sob os efeitos dos bombardeios da aviação alemã.
Brian tinha duas irmãs, Pamela, que morreu aos dois anos de leucemia e Barbara, nascida em 1945. Sua mãe e seu pai tinha o gosto pela música. Tanto que nas horas vagas Lewis Jones tocava órgão e piano e liderava o coral da igreja que freqüentava. Por outro lado, Louisa Jones, sob o olhar do filho Brian, ensinava piano em sua casa, deixando o futuro rolling stone extasiado.
Talvez, por ser filho de músicos, Brian Jones começou a tocar clarinete ainda garoto, na orquestra de sua escola. Depois, apresentado aos discos de Charlie Parker, se inspirou e tornou-se um apaixonado pelo jazz, tipo de música que cresceu ouvindo em sua casa. Ele então, já adolescente, começou a tocar em bares de sua cidade jazz e blues, e de vez em quando, sem necessidade nenhuma, a não ser por rebeldia, roubava dinheiro das caixas dos pubs apenas para comprar cigarros. Seus amigos o viam como um rebelde sem causa. Quando Biran Jones resolveu deixar Cheltenham foi direto para o olho do furacão, isto é, para Londres, onde tornou-se amigo do músico Alexis Korner, que o incentivou a se apresentar na cena local. Por um breve período ele então fez shows utilizando o nome artístico de Elmo Elvis.
Foi nesse período que ele conheceu os amigos Mick Jagger e Keith Richards, e o resultado foi a formação dos Rolling Stones, tendo Mick Avory na bateria, que depois entraria nos Kinks. A formação definitiva para começar a carreira nos palcos e nos estúdios foi com Brian Jones que era guitarrista e multi-instrumentista do grupo, Bill Wyman, no baixo; Keith Richards, na guitarra e Charles Watts na bateria. Os integrantes da maior e mais duradoura banda do mundo começaria a se modificar quando Jones foi dispensado do conjunto.
Brian Jones não vinha bem. Com o dinheiro que ganhava se consumia no álcool, maconha, LSD e todo tipo de drogas. Como ele sofria de uma asma crônica, a saúde se deteriorou logo cedo. Em determinado momento ele não sabia o que tocar nos estúdios de gravação, então perguntava a Mick Jagger: "O que devo tocar, Mick?". Jagger respondia: "O que você sabe tocar, Brian?". A última participação precária de Brian Jones foi no disco O Banquete dos Mendigos, de 1967 (The Satanic Majesties Request), e suas despedidas da banda foi praticamente no filme The Rolling Stones Rock and Roll Circus, que contou com diversos convidados, entre eles John Lennon e Yoko ono.
Biran Jones foi encontrado morto em sua piscina, numa noite de 03 de julho de 1969, com apenas 27 anos de idade. Seu fígado estava inchado demais e o coração enfraquecido pela doença e o excesso de drogas. Mas, apesar de tudo, a participação de Jones nos Rolling Stones, durante sete longos anos, foi crucial para o sucesso da banda no mundo inteiro.
PENSAMENTO MUSICAL
"Eu procuro um sinal e a vida passa silenciosa". (Tempo Nublando)

Keith Richards já gravou com os Beatles

2008-06-02T15:36:00.000-03:00

Patti Hansen (no centro), mulher de Keith, e as duas filhas
do casal

Filho de Bert Richards e Doris Dupree Richards, o rolling stone Keith Richards nasceu no dia 18 de dezembro de 1943 sob intenso bombardeio dos foguetes V-1 nazista na cidade de Dartford, Inglaterra. E, durante os dois anos que se seguiram, seus pais passaram por sérios perigos devido aos ataques constantes dos aviadores de Adolf Hitler.
Richards, um dos fundadores da banda Rolling Stones é músico, compositor e um junkie inveterado. Porém é considerado um dos grandes nomes do rock por ser o melhor criador de riffs (refrões musicais) da história do rock'n'roll. Além disso, foi ele quem introduziu o rhythm and blues no repertório da banda que criou juntamente com outro guitarrista, Brian Jones.
Filho de trabalhadores de fábrica e neto de socialistas e líderes de lutas pelos direitos civis, Keith tem uma boa herança musical. Seu avô tocava numa big band de jazz e fazia shows pela Inglaterra. Enquanto isso, sua mãe Doris Dupree foi quem fez ele ouvir artistas do naipe de Billie Holiday, Louis Armstrong e Duke Ellington, entre outros não menos renomados. E foi ela (que morreu no ano passado aos 91 anos de idade) quem lhe deu a primeira guitarra, uma Rosetti acústica.
Quando ele compôs (I Can't Get No) Satisfation nos idos de 1965, pensou que a música não era boa o suficiente para ser tocada em shows e gravada em discos. Por ironia do destino é a música dos Stones mais ouvida no mundo, e em todos os concertos o grupo inglês tem que tocar Satisfation, às vezes, atendendo aos pedidos do público. A canção nasceu numa noite insone num quarto de hotel, em Los Angeles, nos EUA.

Anita Pallemberg
Além dos Rolling Stones, Keith Richards tem uma carreira paralela, tanto gravando disco solo ou em trabalhos de músicos do nível de Steve Jordan, tom Waits, John Phillips, chuck Barry, Aretha franklin e The Edge. A lista é enorme e não caberia colocar todos os cantores e bandas que tiveram a honra de ter Richards em seus discos. Aliado aos riffs de guitarra, Keith Richards tem como companheira drogas de todos os tipos, incluindo álcool e cigarro. "Com as minhas drogas eu fico doente, mas sem elas eu simplesmente morro", disse ele certa feita. O uso da heroína quase o leva à morte e acaba com sua carreira na década de 80. Reza a lenda que ele teve que trocar o sangue numa clínica da Suiça para se livrar da mistura de drogas que estavam na sua corrente sanguínea. Sempre apontado como "o próximo astro do rock que vai morrer de overdose" desde os anos 70, ele ainda continua aí, compondo, cantando e atuando em filmes como Piratas do Caribe-O Fim do Mundo, como o capitão Teague, pai de Jack Sparrow.
Keith, como bom vivant que é, teve dezenas de mulheres, mas só duas são consideradas oficiais. A primeira foi a doidona de plantão, a atriz Anita Pallemberg, com quem teve dois filhos (Anita também foi amante de Mick Jagger e Brian jones). No início dos anos 80 Keith casou com a modelo nova-iorquina Patti Hansen, que lhe deu as filhas Theodora Dupree (23 anos) e Alexandra Nicole (22 anos). Richards morou no mesmo bairro de Mike Jagger, e o resto é a história que todo fã dos Rolling stones conhece. Só para lembrar, ainda adolescente, ele cantou num coral na Abadia de Westminster diante da Rainha elizabeth II: "Foi o meu primeiro gostinho de show biz", afirma Keith, que também fez vocal com os Beatles na música All You Need Is Love, em 1967.

PENSAMENTO
"Cada músico tem de tocar sua guitarra acústica em casa. Não importa o que mais você faz se você não acompanhar o seu trabalho acústico, você nunca vai obter seu pleno potencial elétrico..."
(Keith Richards)

Saudades de Toinho Alves: Valeu, amigo!

2008-05-30T12:27:00.000-03:00

Os homens passam. As músicas ficam. Assim diz Raul Seixas em uma de suas músicas. Foi o caso de Toinho Alves, do Quinteto Violado, que deixou um legado para a música pernambucana e para a Música Popular Brasileira. O Brasil perdeu uma de suas maiores cabeças pensantes. O Quinteto Violado tinha duas cabeças pensantes: Toinho e Marcelo Mello. O primeiro era quem organizava o lado musical do conjunto que surgiu no início dos anos 70 gravando um disco antológico. O segundo, Marcelo, era e ainda é, a cabeça mais centrada para organizar a parte comercial do grupo. Isso estou escrevendo hoje, mas já escrevi antes, há muito tempo, nas páginas do Diario de Pernambuco. Recentemente escrevi uma matéria neste blog sobre o Quinteto, depois que assisti uma apresentação da banda no programa Lance Final, da Globo.
A Música Popular Brasileira ficou mais pobre com a ausência de Toinho Alves, meu amigo há muitos anos. Mesmo distante um do outro, pois faz um tempão que não nos encontrávamos, permanecíamos conectados. Conheci Toinho e Marcelo Mello quando eles me procuraram para entrar em contato com o meu irmão Watson Portela, criar a capa do álbum Até a Amazônia, além de desenhar a concepção do cenários dos shows que seriam realizados pelo Brasil. a partir daí, ficamos amigos. Eu gostava de conversar com Toinho, pois nós dois costumávamos sonhar e viajar nas idéias dele e minha. E assim foi. Lembro de uma vez que adoeci e de repente vi os Violados entrando pelo apartamento adentro e chegando no meu quarto. Toinho era assim, amigo nas horas inesperadas.
Foi devido a um convite de Marcelo e de Toinho que trabalhei (e muito bem) por alguns meses com o Quinteto Violando, divulgando os concertos do grupo e fazendo a parte de Assessoria de Imprensa. Não sei, mas Toinho perdera um irmão justamente do coração, e agora foi pego de surpresa na rede em que estava deitado no terraço de seu apartamento. Não deve ter sofrido. Assim eu espero. Deveria estar tirando uma soneca pós almoço. O que importa agora, neste momento em que todos nós amigos de Toinho e seus fãs, estamos sentindo sua falta. E que ele descanse em paz. Valeu amigo! Você deixou sua marca registrada no Planeta Terra. Deixou sua alegria. Deixou suas canções e sua contagiante alegria de viver. A coisa é mais ou menos assim. Saudade estou sentindo, mas rezo por você. Agora você deve estar em um lugar onde as estrelas brilharão mais intensas, e as cores neutras estarão mais nítidas. Dá-lhe, Toinho!!!!! Valeu, amigo!!!

PENSAMENTO
"Ói! Olha o Trem! Vai chegando detrás das montanhas azuis...Olha o Trem!! Quem vai ficar, quem vai partir. Quem vai chorar, quem vai sorrir. Pois o Trem está chegando. Tá chegando na Estação. É o Trem das 7 Horas. É o último do Sertão!!! (Raul Seixas)

Um certo George Harrison

2008-05-27T18:33:00.000-03:00

Abaixo um George já doente, com sua mulher Olivia Trindad Arias, mãe de seu filho Dhani Harrison Harrison e Patty Boyd

Tudo já estava escrito nos papiros dos deuses da música. George Harrison nasceu em Liverpool e era filho de Harold, um motorista de ônibus e ativista sindical, com Louise, uma dona de casa. Também estava escrito que ele fosse morar na 25 Upton Green, no bairro de Speke, em Liverpool, pertinho de Paul McCartney.
George tinha dois irmãos e uma irmã: Peter, Harry e Louise, e foi estudar na Liverpool Institute For Performing Boys (atual Institute For Performing Arts), justamente onde Paul estudava. Os dois costumavam pegar o mesmo ônibus para ir para a escola, e o que surgiu foi uma amizade que durou até o fim da vida de Harrison. E quem foi que o apresentou a John Lennon? Todo mundo sabe a história que não precisa ser repetida. Mas antes, aos 12 anos, o garoto George comprou sua primeira guitarra, uma Egmond. Só depois conseguiu comprar uma guitarra mais decente: Hofner President, quando ele formou a banda The Rebels, com seu irmão Peter e um amigo chamado Arthur Kelly. Em 1958 encantou John Lennon e entrou na banda Quarrymen. "Depois(que McCartney foi admitido na banda de John) o Paul me apresentou para o George, e eu e Paul tivemos que tomar uma decisão, ou eu tive de decidir se deixava ou não o George entrar. Eu ouvi o George tocar e disse: toque Raunchy... e deixei ele entrar....".
Dhani Harrison herdou o talento do pai

George Harrison foi o primeiro Beatle a visitar os Estados Unidos, quando ele, em 1963, foi visitar sua irmã Louise, em Benton, Illinois, em setembro de 1963. No ano seguinte ele voltaria com os Beatles na antológica turnê americana dos quatro jovens de Liverpool. Sua primeira canção Don't Buther Me foi composta em 1963 e lançada no segundo álbum dos Beatles.
Em 1966 ele casou com a bela Patty Boyd, mas teve aquela história da paixão doentia de Eric Clapton, que terminou arrancando a moça dos braços de George. Porém, os dois continuaram amigos até o fim. Em 1978 Harrison casou com Olivia Trindad Arias, que lhe deu o único filho, o também guitarrista e compositor Dhani Harrison.
Os primeiros sinais de câncer em George Harrison começaram a aparecer na década de 90, nos pulmões, e ele passou por diversas cirurgias para elimina-los. Não houve jeito, e no Novo Milênio ele foi diagnosticado como estado terminal, morrendo em 2001, aos 58 anos, a mesma idade que tinha sua mãe, que morreu de câncer em 1970. Aliás, a família foi devastada pela doença: depois de Louise (mãe) foi a vez de Harold, aos 70 anos de idade. Seus irmãos também morreram de câncer: Harry nos anos 90 e Peter em 2007.
PENSAMENTO
"Nós éramos um espetáculo, e o que faziamos era fantástico. Quando tocávamos rock direto, ninguém se igualava a gente na Inglaterra" (John Lennon)

Sir Paul McCartney

2008-05-26T15:02:00.000-03:00

Na esquerda Paul e Linda McCartney

James Paul McCartney conheceu John Lennon em 15 de junho de 1956, num festival de música da escola. Logo ele estava tocando
com John: "Eu tinha o grupo, eu era o cantor e chefe; depois

Ele e sua nova namorada Nancy Shevell
encontrei Paul e tive que tomar uma decisão também - de ficar ou não com ele no grupo. Será que seria melhor ter um cara melhor que os outros que eu tinha (Bill Turner, Pete Shotton e Len Garry) ou não? Tornar o grupo mais forte, ou continuar eu sendo o mais forte? A decisão foi deixar o Paul entrar e tornar o grupo mais forte...", declarou Lennon, certa vez.
Antes do nome definitivo de Beatles, a banda de Lennon teve outros nomes: The Blackjacks, Nurk Twins (com a entrada de Paul), The Quarrymen (em homenagem ao Quarry High School), Johhny and the Moodogs, Long John and the Silver Beatles, The Silver Beatles e finalmente The Beatles. Recuando no tempo, James Paul McCartney nasceu no Hospital General de Liverpool, onde sua mãe Mary tinha sido enfermeira anos antes. Seu irmão Michel nasceu em janeiro de 1944. Sua mãe era católica e seu pai Jim era um protestante que depois tornou-se agnóstico. A família era de ascendência irlandesa.
Com 11 anos de idade Paul McCartney passou a frequentar a escola Liverpool Institute, e no ônibus conheceu George Harrison, que se tornaria um de seus melhores amigos e também o guitarrista dos Beatles. Tudo caminhava bem até que, com 14 anos, Paul perdeu a mãe, que morreu de mastectomia para conter um um câncer nos seios. Diferentemente de John Lennon, que também perdeu a mãe (atropelada), James Paul sentiu a perda da mãe mas não fez disso um motivo de derrota. Paul é e sempre foi um cara mais centrado. a vida deve correr seu rumo até o fim. Seu pai que trabalhava vendendo algodão, tentou lhe incentivar na música lhe dando de
presente um trompete. O garoto não quiz saber do instrumento e pegou um violão. A música está em suas veias, poi seu pai Jim McCartney tinha sido pianista e trompetista de bandas de dança de salão nos anos 20.
A outra história todo mundo conhece: Paul entrou nos Beatles, tornou-se famoso e rico. Quando a banda se desfez, formou uma banda chamada Wings e depois partiu para a carreira solo. Ele soube da notícia do assassinato de John Lennon quando acordou naquele fatídico dia de dezembro. Paul ficou triste e deprimido, pois havia telefonado para o amigo para lhe dar os parabéns pelo disco Double Fantasy. A crítica malhou o pau em McCartney, dizendo que ele
havia recebido a notícia de John sem demonstrar nenhuma emoção. Ledo engano: no dia seguinte à morte do amigo, o baixista, cantor e compositor passou um longo tempo chorando e vendo os noticiários pela televisão. Depois, resolveu passar o tempo nos estúdios para tentar não pensar no assunto.
A morte de John deixou Paul meio paranóico, e ele passou um bom tempo sem fazer shows ao vivo com medo de ter o mesmo fim do seu ex-parceiro e amigo. Em 1981, ele paerticipou de um disco feito por Geroge Harrison em homenagem a John Lennon, que contou também com a participação de Ringo Star. Al Thosey Years Ago é o nome da música-tributo a John.
McCartney fez vários discos depois disso, entre eles Strawberries Oceans Ship Forest (1993) e Rushes (1998) com o pseudônimo de The Fireman. Os dois trabalhos são de música eletrônica. Paul também fundou a MPL

No alto ele e a ex Heather Mills

Comunications, que cuida de seus direitos
autorais e tem no catálogo outros músicos, entre eles Buddy Holly e Meredith Wilson.
Sendo o mais mulherengo dos Beatles, Paul noivou com Jane Asher em 1967. O sonho acabou quando Asher, depois de uma viagem em 1968, voltou para casa e encontrou Sir Paul McCartney deitado na cama com outra mulher. Foi então que o músico que já flertava casou com Linda Eastman, com quem teve dois filhos e ainda adotou mais uma do casamento anterior de Eastman. Atualmente Paul tem quatro netos e uma filha pequena, Beatrice, filha de sua união com Heather Mills. Houve uma briga tremenda entre os dois, com a mulher acusando o ex-marido abertamente de lhe ter espancado e de ser um consumidor de drogas. A verdade é que, o velho Paul não perdeu tempo e já está com a socialite americana Nancy Shevel, tendo sido fotagrafado em uma ilha da Antígua entre braços, abraços e beijos. Afinal, o cara tem um patrimônio de 700 milhões de dólares e não vive sem mulher.
PENSAMENTO
"O ruim em se tornar adulto é ver a morte dos pais dos amigos dos velhos tempos" (Paul McCartney)

Ringo, livre, leve e solto em 2008

2008-05-23T14:38:00.000-03:00

Ringo em janeiro de 2008, no lançamento de seu CD Liverpool 8

Riichard Starkey, o Ringo Star, que se tornaria famoso por tocar nos Beatles, tinha tudo para ser um fracassado. Morava com a mãe Elsie Starkey e o padastro Harry Greves num bairro pobre de Leverpool. Ringo teve sérios problemas de saúde durante sua infância e passou num total de três anos internado em hospitais de Liverpool. A situação foi tão crítica que ele, aos 15 anos, mal sabia ler e escrever devido ao atraso na escolas por faltar as aulas.
Mas isso não impediu que ele, aos 17 anos, formasse sua primeira banda com o amigo Eddie Clayton, a The Eddie Clayton Skiffle Group, se apresentando na própria cidade de Liverpool. Dois anos depois, aos 19 anos, juntou-se ao conjunto Kaving Texas, que tinha como cantor Roy Storm. Depois, a banda passou a chamar-se Roy Storm and the Hurricanes, com o baterista adotando o nome artístico de Ringo Star e fazendo uma turnê com o conjunto pela cidade de Hamburgo, na Alemanha, em 1960. Paul McCartney, John Lennon e George Harrison foram três dos espectadores que assistiram diversas vezes os shows da Hurricanes. Um jovem Ringo, em 1964
Quando Peter Best foi dispensado dos Bleatles por Paul e John (eles não gostavam do temperamento explosivo de Best), Ringo foi o escolhido para ser o mais novo integrante da que se tornaria a banda mais famosa do mundo. Durante toda a sua carreira nos Beatles, ele foi severamente criticado por outros músicos, que diziam ser ele um baterista fraco e sem técnica. Ringo respondeu da seguinte forma: "Dizem que eu não toco muito bem, mas sou o baterista da melhor banda do mundo...Logo sou o melhor baterista do mundo". Pois é, e Ringo tinha razão. Quem não queria ser o baterista de uma certa banda conhecida como The Beatles?
"Ringo era um astro em Liverpool. Um baterista profissional que cantava e executava, tinha o conjunto Ringo Startime, um dos melhores da Inglaterra. O talento de Ringo desabrocharia, de uma forma ou de outra - como ator, baterista, cantor, não sei. Havia algo de promissor nele e ele teria despontado com ou sem os Beatles. Ringo é um demônio de baterista. Não é tecnicamente bom, mas penso que a bateria de Ringo é subestimada", disse John Lennon, certa vez.
PENSAMENTO
"Não podemos deixar de agradecer à CIA e ao Exército pelo LSD. Eles inventaram o LSD para controlar as pessoas e o que nos deram foi a liberdade". (John Lennon)

Balada de John & Yoko (01)

2008-05-20T14:13:00.000-03:00

Quando o sujeito fica famoso as lendas começam a aparecer. Foi o caso de John Lennon. Boatos diziam que o ex-Beatle, antes de ganhar muito dinheiro, morava num bairro miserável da zona portuária de Liverpool. Pura invenção. O compositor, cantor e guitarrista inglês morava numa casa confortável na Menlove Avenue, 251.
"...Depois que deixei de viver em Penny Lanne, mudei-me para a casa de minha tia, nos subúrbios de Londres, um lugar simpático, meio isolado, com um jardim e médicos e advogados (morando na mesma localização) - Não exatamente a promíscua imagem de miséria que todas as histórias sobre os Beatles haviam projetado...". Foi a famosa Tia Mimi, que era casada com um senhor chamado George, quem deu os primeiros instrumentos musicais ao sobrinho que um dia ficaria famoso no mundo inteiro: um belo violão e um banjo. Foi a iniciação de John Lennon na música.
John Lennon e sua mãe Julia Stanley
John deveria se chamar John Stanley Lennon, mas como seu pai Alfred Lennon resolveu prestar uma homenagem a Sir Wiston Churchil, batizou o filho com o nome de John Winston Lennon. John nasceu em 09 de outubro de 1940, às 18:30 horas, no Liverpool Maternity Hospital. O casamento entre Alfred e Julia Stanley foi desfeito em 1942, quando ele abandonou a família e se mandou pelo mundo (ele era marinheiro), regressando em 1945. Julia não quis mais saber do ex-marido e havia entregue o filho John para ser criado por sua irmã Mimi. Certa feita Alfred tirou John Lennon da casa de Mimi e o levou para Blackpool. Seus planos incluiam levar o filho com ele para a Nova Zelândia. Mas, a mãe do garoto chegou, acabou a festa e devolveu o filho para a irmã cuidar.
Lennon e sua primeira mulher, Cynthia Lennon

Na vida de John Lennon só três mulheres foram importantes para ele: Tia Mimi, Julia Stanley e Yoko Ono. Com relação a sua primeira mulher, Cynthia Lennon, com quem casou quando ainda não era famoso, e que lhe deu o primeiro filho Julian Lennon, ele não falava muito sobre ela. Sua mãe era especial para ele, principalmente por ter uma mentalidade aberta para o novo. Uma vez John foi visitar sua mãe e ela estava no maior embalo dançando ao som da música Rock Around The Clock, de Bill Halley and the Comets:"Este é o rei da música!", disse ela a John.
Quanto a Yoko Ono ele simplificou todo o seu amor por ela: "...Eu começava a querer sair, mas quando se conhece Yoko é como conhecer a primeira mulher de sua vida. Deixam-se os companheiros de bar. Não se vai mais ao futebol. Nem jogar sinuca. Nós nos casamos três anos depois...". Quando Lennon se separou por um ano e seis meses de Yoko, não aguentou a barra e ligou para ela: "não estou gostando disso. É uma enrascada. Gostaria de voltar para casa...Por favor!", implorou o artista.
PENSAMENTO
"Quando você tem 16 anos, está certo ter companhias e ídolos masculinos. É a coisa da tribo, do grupo, tudo bem. Mas, quando você faz isso aos 40, significa que, na cabeça, você não passou dos 16".

A cena está fervendo no Recife

2008-05-17T13:42:00.000-03:00

A A cena musical pernambucana está pegando fogo. Está retomando o tempo perdido, e ainda bem que não fala mais de mangue (o movimento foi importante, na época). No Recife, mais particularmente no auditório da Livraria Saraiva, no Shopping Center Recife, dia 24 de maio, às 17h, a excelente banda Asteróide B-612 grava seu primeiro DVD acústico. Formada em 2002, o conjunto tem como referência o "movimento undigrudi", que aconteceu na capital pernambucana na década de 70. Portanto as influências são várias, de Beatles a Ave Sangria, passando por Marconi Notaro e Mutantes. Botaram tudo num liquidificador cultural e saiu um som pra lá de original. Explorando uma linguagem experimental, o Asteróide é formado por Zeca Viana (ex-Viana Lorax), David Adonai, Petrus Portella, Matias Brito e Mário Guerra. O grupo já lançou cerca de três Eps. No concerto acústico a rapaziada apresentará canções revisitadas para o formato e proposta do espetáculo. Vamos lá!!!!!!!!
Enquanto isso, passando o calendário, no dia 15 passado a cantora Klébi Nori lançou o seu quinto CD, que tem o título DAQUI. Compositora de primeira linha, ela faz sucesso com um pop-rock e canções românticas. Que foi ver a menina, viu e gostou do show. Portanto, agora é comprar o disco e ficar ouvindo músicas de primeira qualidade.
Meu amigo Erasto Vasconcelos também lançou seu CD. Que maravilha! eu torço pelo cara que é gente de uma grandeza fora do normal nesse país de banguelas. No disco, Erasto reativa o cancioneiro popular a partir das raízes pernambucanas. O trabalho foi gravado em 1986, mas sabe como é? Erasto Vasconcelos para lançar algo pensa e repensa, pois é muito crítico com relação ao seu trabalho artístico. Participam do CD banda Tush (já acabou), Nação Pernambuco, Coração Tribal (sumiu do mapa), entre outros. Procurem o disco do Erasto. Vale investir numa boa produção musical.

Olha Klébi Nori aí

PENSAMENTO
"A coisa de que mais tenho medo é envelhecer. Os velhos se ressentem com os jovens e vice-versa" (John Lennon)

Waldick Soriano: vítima das próprias ações

2008-05-14T13:15:00.000-03:00

A vida é assim. Um vai e volta miserável. Como diz Raul Seixas, com propriedade, se hoje eu sou estrela amanhã já se apagou. É assim com todos os seres viventes desse Planeta abençoado por Deus. Recentemente eu soube que o Waldick Soriano estava bem mal. E neste final de semana fiquei sabendo que a atriz e diretora de cinema, a bela Patrícia Pillar pegou sua grana e internou o cantor num hospital para cuidar da próstata. Ninguém sabe se tem jeito, mas o importante é a atitude da moça que fez um documentário com o artista.
Estive com Waldick em duas fases. A primeira nos anos 80, quando ele estava lançando um disco. A segunda na década de 90, quando ele sofreu uma operação de emergência para implantar três pontes de safena no velho peito aberto.
O médico recomendou a Waldick que ele tomasse uma dose de uísque de vez em quando. Mas o cantor não levou a recomendação ao pé da letra e, quando estava recuperado, voltou a tomar seu litro de uísque por dia. É... Durango Kid, como o apelidaram, realmente se sentia um herói. Com a vida cheia de problemas com mulheres, perdendo a grana que ganhava, perdendo imóveis, Waldick caiu na decadência. Os shows eram poucos e os cachês minguados. Não cuidou das finanças e se deu mal. Precisou aparecer um anjo com a cara de Patrícia Pillar para reavivar o mito. Fez um documentário de sucesso com o cantor e ganhou até prêmios. Praticamente Patrícia ressucitou o homem Durango Kid, ou melhor , Waldick Soriano, que já havia morrido para a vida artística e tinha esquecido de deitar. No ano passado eu cheguei a assistir a uma participação dele num programa de Sílvio Santos. Waldick já estava capenga, com as mãos trêmulas e mal conseguindo ficar de pé.
Vamos ver se ele se recupera (acho difícil), pois tudo pode acontecer nessa vida. Porém ele está fora de cena. Foi nocauteado por seus próprios méritos. Fama, mulheres, dinheiro e muita farra. Vai ver que o cara é daqueles machão que não quer levar o dedão na hora de examinar a próstata. Confesso que fico meio assim. Mas, faz parte do jogo fazer esses exames anuais para saber se a bicha (próstata) cresceu e se tornou um tumor maligno. Pois é, a próstata é o tormento de todo homem. Mas se ela tá lá, e tem que ser examinada, que seja, pois.

PENSAMENTO MUSICAL
"Eu quero levar uma vida moderninha. Deixar minha menininha sair sozinha. Não ser machista e não bancar o possessivo. Mas eu me mordo de ciúme". (Roger, do Ultraje a Rigor)

Renato & Seus Blue Caps: na história da MPB

2008-05-12T16:27:00.000-03:00

Renato & Seus Blue Caps: Paulo Cezar Barros, Renato Barros, Tony, Carlinhos e Cid, nos velhos bons tempos

Já faz tempo. Pouco depois do programa Jovem Guarda comandado por Roberto Carlos. Renato veio ao Recife para tocar numa boate em Piedade. Naquele início dos anos 70 boates é que não faltavam. Também não faltavam atrações. Eu estava numa boa do outro lado, enchendo a cara, quando me avisaram que a banda Renato & Seus Blue Caps estava numa outra casa, se apresentando. Saí correndo de onde eu estava, pois nunca tinha visto os meninos de perto.
Cheguei lá com a tal boate (que hoje me esqueço o nome) superlotada, mas a tempo de ver e ouvir Eu Agradeço Pela Atenção. Era a música de despedida dos shows que Renato fazia. Fiquei fascinado com som. Com o figurino da turma e com a música, com uá-uá e tudo. Fiquei feliz e mais bebum, porque depois voltei a encher a cara. Minha namorada me olhava assim: "Hummm! Bababaca!". Pois é, foi legal e no dia seguinte, com ressaca braba, só pensava no som da melhor banda que o Brasil já conheceu. Até o Paul Mc C artney reconheceu isso num livro que escreveu.
Descrever o som de Renato & Seus Blue Caps torna-se quase impossível. Os caras são bons. Ainda hoje seus discos daquele período provam isso. Ouvir um MP3 com as canções da banda é êxtase puro.
Para um conjunto que nasceu batizado de Bacaninhas do Rock da Piedade (bairro do rio de Janeiro onde a turma morava) até que os irmãos Renato Barros, Paulo Cezar Barros e Edson (Edinho - Ed Wilson) Barros foram além do além dos limites da fama e do sucesso. O som de Renato vem passando de pai para filho e pegando os netos. É verdade.
Já tive a oportunidade de estar com Renato por diversas vezes. Ele é um cara simples e sem frescuras nem estrelismos. Lembro que fui para o hotel e estava nervoso. Dentro do carro eu pensava: "Pô!!! Vou ter uma entrevista exclusiva com Renato". Foi o que aconteceu. Liguei o gravador dentro do apartamento do hotel e começamos a conversar. Renato me contou cada história dos bastidores dos shows e da indústria fonográfica que, infelizmente não posso escrever aqui. Ficou sendo um segredinho legal. Mas eu saí feliz, pois afinal de contas com a exclusiva de Renato Barros, demos um furo no concorrente.
Interessante é que Renato só estourou quando Carlos Imperial jogou um disco dos Beatles para ele e disse: "Vocês vão tocata música desses caras aí amanhã! Eles estão estourados na Europa". Renato levou o compacto com a música I Showd Have Know Better (Lennon-McCartey) para ouvir e ensaiar. Mas o inglês não tinha jeito de sair legal. Renato não pensou duas vezes e fez uma versão que se tornou Menina Linda. No dia seguinte, com a apresentação da música (que Imperial pensava que seria apresentada em inglês) o auditório foi ao delírio e pediu biz diversas vezes. Foi o que faltava para Renato & Seus Blue Caps gravar mais um disco e dessa vez entrar nas paradas de sucessos e na história da Música Popular Brasileira.

PENSAMENTO MUSICAL
"Eu vi numa vitrine de cristal. Sobre um soberbo pedestal.Uma boneca encantadora. No bazar das ilusões. No reino das fascinações um sonho multicor. Todo de amor ". (Não sei o autor....nem o cantor)

Olha o twist aí!!!!! Mas, o que é isso?

2008-05-09T13:31:00.000-03:00

Eu me lembro bem. Eu tinha lá meus 10 para 11 anos quando vi Cauby Peixoto se apresentando no programa Você Faz o Show, de Fernando Castelão. O artista disse: "Sabe qual é a nova onda nos Estados Unidos, professor?". Castelão respondeu: "Sei não., Cauby, pode nos dizer?". Bom, Cauby falou da nova dança, do novo ritmo que estava invadindo a América. Era o twist; "Você dança o twist como se tivesse enxugando o pescoço segurando as pontas da toalha, esfregando de um lando para o outro, e com o pé faz um movimento como se tivesse apagando um cigarro". Pronto. Cauby acabava de ensinar o novo ritmo. E Cauby Peixoto também cantou o hit Let's Twist Again.
Não é preciso dizer que Chubby Checker veio logo em seguida, com as rádios tocando a música sem parar. Depois, o próprio Chubby esteve no Brasil e balançou o público com aquele seu gingado, remexendo as "as cadeiras" de um lado para o outro. Fernando Castelão aproveitou a oportunidade e lançou logo um concurso para ver qual o jovem dançava melhor o twist. O programa de Castelão ficava repleto de jovens candidatos a ganhar o concurso.
Pena que Chubby Checker apareceu num momento em que o mundo estava começando sua transformação musical com o aparecimento dos Beatles. Vamos e venhamos, dançar o twist era meio ridículo, mas eu dancei. Eu encaixava a dança do twist até em músicas de Rita Pavone. Mas valeu.
Chubby Checker, o Ernest Evans, nasceu em outubro de 1941, mas ainda continua fazendo suas apresentações. Ele nasceu em Primavera Gulley, na Carolina do Sul. Com Let's Twist Again fez sua vida e seu nome entrar para a história da música pop, mas não com o merecido reconhecimento que deveria. Porém, o cantor chegou a emplacar alguns álbuns nas paradas da revista Billboard com suas canções dançantes. Em 1964 o cara desecanou e casou com uma bela mulher, da Nova zelândia que havia conseguido ser Miss Universo, Catarina Lodders, eleita em 1962. Foi bom enquanto durou , mas ele nunca foi realmente reconhecido com uma figura importante para a cultura pop. Quem nunca ouviu, porocure escutar a canção.

Eu dançava e cantava ao som de Johnny Rivers

2008-05-06T15:34:00.000-03:00

Eita, pessoal!!! Passei uns quatro dias sem escrever para este blog, que é amado por uns e detestado por outros. Mas peço desculpas. A culpa é de Angélica. Mas, ontem, enquanto escrevia sobre o tema do meu livreto Tarzan no Cinema, deixei a TV ligada e... De repente, no programa da Hebe Camargo, escuto Johnny Rivers cantando.
Parei tudo e fui ver a cara do cara. Ele tá inteiraço nos seus 65 anos. Confesso: dinheiro e sucesso faz bem ao corpo. Todo homem e mulher que tem a carteira cheia de grana nunca envelhece.Né mesmo?
Pois o velho Johnny Rivers me fez voltar aos tempos da Cuba Libre (Coca-Cola com Bacardi) nas boates do Recife dos anos 70. Pois é!! Não pareço um sujeito que gosta de dançar, mas caía na farra ao som do Whiskey A Go Go. Tomava todas. Fumava todos e pegava as gatas para sair por aí no início da manhã do dia seguinte. Trêbado e pálido. Mas conseguia, às vezes, dar conta do recado com Rivers ainda ecoando nos meus ouvidos.
John Ramistella (Johnny Rivers) nasceu no dia sete de setembro de 1942, em Nova Iorque. Aos cinco anos a família mudou-se para a Louisiana. Já aos oito anos o artista começou a tocar guitarra influenciado pela música local. Então, pouco tempo depois Rivers resolveu montar sua própria banda: The Spades, ainda quando estava na Junior High Scool, e gravou pela primeira vez aos 14 anos, mas nada aconteceu.
De volta a Nova Yorque, em 1958, encontrou o famoso disk jókei Allan Freed, que se tornou conhecido por receber dinheiro das gravadoras para tocar os discos dos artistas. Freed morreu pobre e esquecido depois do escândalo. Foi o DJ que aconselhou ao cantor,compositor e guitarrista a mudar o nome para Johnny Rivers. Acertou na mosca. Em Birminghan, no Alabama, ele conheceu Audrey Williams, mulher do já famoso cantor country Hank Williams (que também criou o rockabille). O resultado é que rivers foi parar em Nashville, onde se fixou e gravou duas músicas, também sem resultado.
Porém, o homem se firmou como compositor. Até que em um dia qualquer de 1960 o guitarrista James Burton, que tocava na banda de Rick Nelson, convenceu o astro a gravar uma canção de Johnny Rivers, que fez sucesso. Segue por aqui, segue por lá e Rivers gostava de gastar seu tempo no bar Gazzan's. Uma noite o trio de jazz faltou e Bill Gazzari, dono do local, pediu para Rivers tocar seus rock'n'roll. Foi o bastante para a casa ficar lotada todas as noites, com a platéia ouvindo covers de Chuck Barry, Jerry Lee Lews, entre outros não menos famosos, numa ótima releitura de Rivers.
Em 64, já com uma certa fama underground, Johnny Rivers foi contratado por um ano pela famosa casa Whiskey A Go Go, recém inaugurada em Hollywood, na Califórnia. O artista ficou tão famoso que terminou gravando seu primeiro álbum Johnny Rivers Live At The Whiskey A Go Go. O trabalho foi um estouro e foi parar nas paradas da revista Billboard, ficando em 12. lugar nas paradas. Aliás, foi ele quem criou o estilo Go Go, que incluía belas dançarinas.

PENSAMENTO MUSICAL
"Caminhando pelo parque. Olhando as coisas que eram de nós dois. O sorvete e o trem fantasma. Roda gigante e carrocel. As canções que nós cantamos. Displicentes passeando". (canta Paulo Diniz)

Secos & Molhados: revolucionando a MPB

2008-05-02T12:49:00.001-03:00

Os Secos & Molhados fez o diferencial da MPB nos conturbados anos 70
Parece que foi ontem que a banda Secos & Molhados esteve no ginásio de esportes Geraldão, no Recife, e bateu o recorde de público. Dentro e fora a platéia foi à loucura. Quem não viu, ficou ouvindo mais um espetacular show da banda que tinha Ney Matogrosso como atração principal. Mas o som era diferente. A música era rebuscada. Fazia sucesso entre o povão e os intelectuais.
O grupo foi criado pelo compositor João Ricardo, em 1971. Mas, a segunda formação foi a que quebrou todos os tabus. Tinha Gerson Conrad e a androginia de Ney Matogrosso, além, é lógico, de um figurino fora dos padrões, com os integrantes pintando o rosto (O Kiss copiou).
Ney com as suas roupas parecia um selvagem saindo de um filme de Federico Fellini. Era um espetáculo nunca antes visto na MPB. Genial. Eles pegavam o folclore português e adaptavam. Um exemplo foi a música O Vira. João Ricardo, que vivia às turras com Ney Matogrosso, era um compositor que sabia das coisas e um bom marketeiro. Pegou e musicou poesias de Cassiano Ricardo, João Apolinário, Vinícius de Moraes e Fernando Pessoa. Era muita cultura e qualidade musical para uma banda brasileira.
O início não foi fácil. Antônio Carlos, o Pitoco, da formação original, resolveu sair da banda e resolveu seguir carreira solo. Foi quando apareceu a compositora Luli, que indicou Ney Matogrosso. Também entrou Gerson Conrad e a formação estava feita. A mágica e a alquimia estava realizada. Passaram um ano ensaiando e preparando a bomba de mil megatons. A primeira apresentação foi no Tetro do Meio, de Ruth Escobar, um bar-restaurante chamado Casa da Badalação e Tédio. Arrombou a festa.
Depois foram para os estúdios e passaram apenas 15 dias gravando em uma mesa de quatro canais. A capa, com a cabeça dos músicos oferecidas em pratos, também revolucionou a estética das capas de discos daquela primeira metade dos anos 70. Rapidamente vendeu 300 mil cópias, e o resultado foi que em fevereiro de 1974 os Secos & Molhados superlotaram o Maracanãzinho num concerto histórico e jamais visto. Em agosto daquele mesmo ano o grupo lançou o segundo álbum e também o primeiro disco no México num show histórico, fazendo um sucesso inesperado. Porém, graças a divergências internas (Ney afirma que o pai de João Ricardo registrou o nome do grupo e todos os direitos autorais em nome de seu filho), Ney seguiu outro rumo. Com uma carreira solo de sucesso até hoje. Os Secos & Molhados não foram mais os mesmos. O resto é lenda. É história de uma das melhores bandas de todos os tempos.

PENSAMENTO MUSICAL
"Bailam corujas e pirilampos. Entre os sacis e as fadas. E no fundo azul. Na noite da floresta. A Lua iluminou. Iluminou a festa". "Interpretação dos Secos & Molhados)

Mulheres frutas para marmanjo apreciar

2008-04-29T15:31:00.000-03:00

Aí, gente!!! Atenção! Atenção! Na postagem anterior eu errei na Melancia. A verdadeira Mulher Melancia, a Andressa Soares, é esta que está aí em cima. De novidade, além do corpão verdadeiro da moça, é que seu funk já está sendo tocado nas rádios. Ruim que dói. Mas, fazer o quê? Ela tá com grana, pois pousou nua pra revista Playboy e em breve vai estar em discotecas do Exterior para mostrar o que o Brasil tem melhor. Vôte!
Mas, foi com essa de pesquisar sobre a Melancia, que descobri a Dadá Cristina, a Mulher Jaca. Quando eu soube disso pensei que se tratava de uma mulher com milhares de celulite espalhadas por todo o corpo. Que nada, a Mulher Jaca, Dadá Cirstina, é um mimo de morena. "Eu botei esse nome artístico porque o Serginho, o MC CREU, diz que eu pareço uma jaca, de tão durinha". A menina não sabe que também tem jaca mole. Diz Jaca: "Quero ter meus atributos reconhecidos como o da Mulher Melancia". É verdade. Ela vai posar pra revista Sexy e também vai gravar um CD de funk.
Aí... Também descobri a Mulher Moranguinho, a Ellen Cardoso, que também dança nos "shows" do MC Serginho Creu junto com as outras duas (de última hora eu soube que Melancia vai cair fora e seguir carreira solo), também tá querendo posar nua pra

MULHER MORANGUINHO E MULHER JACA
qualquer revista que aparecer convidado Posa até de graça, pois o importante, para ela, é aparecer. Ellen também já está em estúdio, funkeando os ouvidos dos técnicos. Que seja feliz na empreitada. Ah! Serginho agora exige que as duas meninas aprendam a dança do poste.

PENSAMENTO MUSICAL
"Quanto tempo longe de você. Quero ao menos lhe falar. A distância não vai impedir. Meu amor de lhe encontrar" (Roberto-Erasmo Carlos)

Olha a Jaca! Olha a Melancia! Olha o Morango!!!!

2008-04-28T12:47:00.000-03:00

Não é que a Mulher Melancia Andressa Soares ficou famosa da noite para o dia? Pois é. Bastou o horrível funk Crew! chegar aos ouvidos do povão e a moça, que dançava nos bailes sob o comando do MC Crew, ganhou um dinheirão posando para a revista Playboy.
Agora chega a notícia que a mulher Melancia também vai seguir a carreira artística. É... Andressa vai entrar em estúdio ( se já não esntrou ) e soltar sua voz. Disse ela que vai ser um funk pra arrombar a festa, ou o baile. Andressa tem credibilidade junto aos marmanjos. Tá todo mundo procurando Melancia nas bancas de revistas. E o melhor é que estão encontrando.
Dos bailes nos morros e subúrbios cariocas para a revista Playboy, e faturando uma grana que muito neguinho leva anos pra ganhar. Bom, para quem curte a fruta, Melancia é abundante. Tem bum-bum enorme. Peitão. É larga. Tem barriguinha (ou barrigona) e, para quem gosta do biotipo, a moça é um prato cheio. Vamos curtir a Melancia? Ou melhor, vamos no supermercado, comprar a fruta e se deliciar, que é o máximo que os marmajos podem fazer. Mas, imagine você pedir uma Melancia e o cara lhe entregar Andressa Soares? Cuidado! Isso pode acontecer. Do jeito que a coisa anda, até Melancia dá Ibope. Já se foi o tempo em que diziam: "Se queres aparecer, pendura uma melancia no pescoço". Atualmente, quem não quer aparecer com Melancia pendurada no pescoço? Deve ser pra lá de bom.
Mas o pior (para quem gosta, o melhor) é que o MC Crew já anunciou que estão nos palcos as mulheres Jaca e Moranguinho. Eu fico cá imaginando como deverá ser uma Mulher Jaca. a Moranguinho deve ser mais delicada. Mas... Uma Mulher Jaca?E o MC avisou: "Vai ter que dançar a Dança do Poste". Bom, já que teve mocinhas que se requebraram ao ritmo da Dança da Garrafa, a Dança do Poste deve ser café pequeno, né? Vamos nessa? Hei! Você aí! Vai querer Melancia, Jaca ou Moranguinho. Tem para todos os gostos, pois!

PENSAMENTO MUSICAL
"Crew!!!! CRew!!!!!!! Crew!!!!!!! Crew!!!!! Crew!!!!!!! Crew!!!!". (não sei o no do autor).